La première chose que vous devez savoir sur Stella Adler, c’est qu’elle n’a jamais été dogmatique sur une méthode ou une approche singulière de la comédie. Le « système » enseigné au Stella Adler Studio of Acting vise à fournir aux acteurs les outils, la formation et la discipline nécessaires pour cultiver un métier, et une vie, qui vous permettent d’exploiter le potentiel illimité de votre imagination lorsque vous abordez un scénario.
Lorsque j’étais un jeune acteur en herbe, je me suis rendu à New York pour l’été afin de participer au conservatoire d’été du Stella Adler Studio of Acting. Cette expérience a changé ma vie et a façonné à jamais ma façon d’aborder le métier d’acteur. Voici quelques-uns des principes fondamentaux que j’ai appris pendant les quelques mois précieux que j’ai passés là-bas, ainsi que quelques-unes de mes citations préférées de Stella Adler : The Art of Acting. Il s’agit d’un aperçu rapide de certains des termes et principes fondamentaux que vous rencontrerez lorsque vous ferez vos propres recherches sur Stella Adler et son « système » d’art dramatique. Il ne s’agit en aucun cas d’une évaluation exhaustive de tout ce que cette femme merveilleuse, et le studio actuel qui porte son nom, ont à offrir. J’espère que cela suscitera votre intérêt, et que vous commencerez un voyage incroyablement enrichissant pour grandir en tant qu’acteur, et en fait, en tant qu’être humain.
La méthode d’acteur Stella Adler
Conscience
Un principe fondamental du « système » de Stella Adler est que « la croissance en tant qu’acteur et la croissance en tant qu’être humain sont synonymes ». Essentiellement, ce principe est un rappel que la formation d’acteur n’existe pas dans un vide à côté de votre vie, mais qu’elle est votre vie. Votre travail d’acteur découle de votre relation à la vie – votre contact avec l’humanité et la nature, votre relation à vous-même et vos relations avec les autres. Mais nous ne pouvons apprendre de la vie, que si nous travaillons sur notre conscience de celle-ci.
Le travail de prise de conscience vous maintient présent dans le monde et vous demande de ne pas faire d’hypothèses ou de jugements, mais plutôt d’observer le monde qui vous entoure. Mais qu’est-ce que le travail de prise de conscience ? Au début de chaque cours de la Technique Adler, notre professeur nous posait la question apparemment simple : « Qu’avez-vous appris ? » En réponse, nous disions à nos pairs quelque chose que nous avions appris depuis le cours précédent, sous la forme d’une simple déclaration : une déclaration dénuée de jugement ou d’hypothèses préconçues. Cela semble simple, mais on se rend vite compte que l’on navigue dans le monde en portant des jugements. Le « système » de Stella Adler encourage les acteurs à avoir une taille et une profondeur de compréhension, et le jugement empêche la taille. La prise de conscience consiste à voir une chose pour ce qu’elle est, et non pour ce que vous ressentez à son sujet, et elle permet à un acteur de travailler à partir d’un lieu de compréhension, et non de sentiments.
Personnalisation
La personnalisation concerne la façon dont vous interagissez avec votre propre passé, et comment vous travaillez à partir du passé pour donner vie à un personnage dans le présent. Les personnages manqueront de détails qui existent dans votre propre vie. C’est pourquoi il est crucial que vous personnalisiez le rôle que vous jouez. Il est important de noter que cette méthode se distingue du travail de « mémoire émotionnelle » employé par certains contemporains d’Adler, qui consiste à substituer vos propres expériences à celles d’un personnage. Les réflexions d’Adler sur ce type de travail :
« De nos jours, une grande partie de ce qui passe pour du théâtre n’est rien d’autre que de se retrouver dans un personnage quelconque. Cela ne m’intéresse pas. Bien sûr, vous devez apporter votre propre expérience aux personnages que vous jouez, mais vous devez réaliser dès le départ qu’Hamlet n’était pas « un type comme vous ». »
Au contraire, le « système » demande aux acteurs de regarder leur passé avec conscience (et non jugement) et avec une certaine distance. Le résultat est que vous vous apportez vous-même, et vos expériences passées, à un rôle, plutôt que de vous mettre dans le passé afin de revivre de vieux souvenirs. En faisant cela, vous vous maintenez dans le présent ; votre ego vit dans le passé et le futur, et un acteur doit rester dans le présent !
C’est un exercice de personnalisation qu’on nous a demandé de faire au Stella Adler Studio of Acting, que vous pouvez aussi trouver dans son livre :
« Je veux que vous lisiez Le Prophète de Kahlil Gibran Je veux que vous preniez une de ses idées, que vous la paraphrasiez, que vous l’écriviez avec vos propres mots, puis que vous reveniez ici, que vous vous teniez sur scène et que vous nous la donniez. »
Imagination et circonstances données
Plutôt qu’une fixation sur vos propres expériences et votre vie intérieure, le « système » de Stella Adler demande à l’acteur d’examiner le script pour les circonstances données d’un personnage. Ensuite, l’acteur doit utiliser son imagination pour se placer dans ces circonstances données.
« Vous devez aller au-delà de vos propres expériences intérieures précieuses maintenant Votre expérience n’est pas la même que celle d’Hamlet – à moins que vous ne soyez vous aussi un prince royal du Danemark. La vérité du personnage ne se trouve pas en vous mais dans les circonstances de cette position royale. L’action d’Hamlet, décider de vivre ou de mourir, doit correspondre à ses circonstances, pas aux vôtres. Votre indécision passée sur qui emmener au bal de fin d’année ne suffira pas. »
C’est là qu’entre en jeu l’infâme souci du détail de Stella Adler. Lorsqu’on imagine les circonstances données d’un moment, il ne suffit pas de dire, par exemple, « ils dînent ». Que prennent-ils à dîner ? Dans quelle pièce ? Comment est la nappe ? Les couverts ? Les chaises ? La table ? Bien que ces circonstances soient dictées par la pièce, un acteur doit avoir une imagination à la hauteur des exigences de la pièce : « Si vous avez besoin d’un citronnier mais n’en avez jamais vu, vous vous créerez une sorte de citronnier, et plus vous lui donnerez de détails, plus vous accepterez de le voir. » Plus vous pourrez nourrir votre imagination de détails, plus vous serez en mesure de « dé-fictionnaliser la fiction ».
Un exercice qui m’a été donné au studio, est de choisir quelqu’un avec qui vous êtes en relation. Examinez les spécificités de votre passé avec cette personne, et choisissez un cadeau que vous voulez lui offrir dans le présent. Ce cadeau doit symboliser l’essence de votre relation. Dessinez-le, écrivez-le, décrivez-le, imaginez-le, jusqu’à ce que vous puissiez le voir, dans tous ses détails, dans votre esprit. Ensuite, vous devez décrire ce cadeau à un public. Vous constaterez que votre capacité à le voir par vous-même est directement liée au fait qu’un public vous croit et est capable de le voir par lui-même.
Justification et actions
La justification est le » pourquoi » de tout ce que fait votre personnage ; c’est la cause sous-jacente de tout. Pour commencer, un acteur doit justifier la façon dont il se déplace dans l’espace et, surtout, pour quelle raison. Comme les spécificités du lieu seront toujours liées aux circonstances, les choix que nous faisons sur la façon de nous déplacer dans l’espace sont informés par les circonstances données de la pièce. Lorsque nous permettons aux circonstances de l’espace de dicter ce que fait le personnage, tout aura une raison.
Dans le « système » de Stella Adler, les actions sont la méthode par laquelle un acteur justifie ce que son personnage dit ; la façon dont vous jouez votre personnage est en jouant des actions. Mais que sont les actions ? En termes simples, une action est un verbe que votre personnage utilise à l’égard d’un autre personnage. Stella Adler est connue pour avoir dit que « votre talent réside dans vos choix » ; c’est ici que ces choix, et donc votre talent, se révèlent réellement. Pour développer vos capacités en tant qu’acteur, vous devez vous familiariser avec les verbes. Apprendre de meilleurs verbes (des verbes qui ne font pas partie de votre vocabulaire actuel) élargira votre capacité à créer des actions spécifiques pour vos personnages. Vous vous demandez peut-être pourquoi les actions sont toujours des verbes. Il est important de savoir que les actions doivent être « réalisables ». Et les verbes, notamment sous leur forme gérondive, sont presque toujours réalisables. Stella Adler souligne qu’un acteur peut faire des choses qui vous feront ressentir ce que vous devez ressentir, mais qu’il ne peut jamais travailler dans l’autre sens. Les sentiments sont un sous-produit de l’action, mais ils ne doivent jamais être le principal objectif de l’acteur. En se concentrant sur les actions, un acteur reste connecté aux autres acteurs, plutôt que de se concentrer sur lui-même.
Bonus : Principes philosophiques de Stella Adler
Humanité
L’une des choses les plus incroyables chez Stella Adler était son insistance sur la connexion d’un acteur au grand monde, et la responsabilité sociale qui en découle. Selon Stella Adler, s’intéresser et s’engager dans la culture, l’histoire, la politique et la société est crucial pour être un acteur et faire un travail qui a du sens. Souvent, en tant qu’acteurs, nous pouvons nous perdre dans notre propre petit monde, plein d’introspection et d’égocentrisme. Stella Adler exigeait de ses acteurs de la grandeur ; une grandeur qui ne peut venir que d’une connexion à l’humanité.
Indépendance
Dans une industrie qui peut souvent placer les acteurs tout en bas de la hiérarchie, Stella Adler encourageait les acteurs à être indépendants en apportant leur propre point de vue, et leur propre mission à leur travail d’acteur. Elle mettait en garde contre les pressions sociétales du succès et proposait à la place une version du succès qui se définit par soi-même ; un acteur ne peut réussir que lorsqu’il peut penser par lui-même et poursuivre un travail significatif et de qualité :
« Aujourd’hui, les influences de votre société vous poussent à réussir avant votre temps. Elles vous tirent vers le bas. Ils vous ont tiré vers le bas, vous, grands, doux, magnifiques, jeunes, artistes potentiels. Je veux que vous puissiez dire : « Ils peuvent me donner le rôle ou me l’enlever. Je sais que je suis une actrice. Je sais comment vivre avec mon travail, qu’ils me donnent ou non le rôle. Je le sais sans qu’ils me donnent la chance. »
Pour plus d’informations sur Stella Adler :
Si vous souhaitez en savoir plus sur le « système » Stella Adler, je ne saurais trop vous recommander son livre « Stella Adler : The Art of Acting » compilé & édité par Howard Kissel, préfacé par Marlon Brando.
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