FILM
Mit der dunklen und unheimlichen Umgebung der 1970er Jahre als Kulisse schuf Scorsese eine der besten Fallstudien des Kinos
*Diese Rezension enthält Spoiler.*
Martin Scorsese machte sich bereits in den frühen 1970er Jahren einen Namen. Seine Filme „Mean Streets“ und „Alice lebt hier nicht mehr“ erregten so viel Aufmerksamkeit, dass sich Hollywood-Produzenten und Drehbuchautoren an ihn wandten, in der Hoffnung, mit ihm zusammenarbeiten zu können. Diese Filme waren zwar relativ erfolgreich, aber sie verblassten im Vergleich zu den Lobeshymnen, die ihm für seinen nächsten Film entgegenschlugen.
Die Geschichte beginnt mit Paul Schrader, dem Mann, der das Drehbuch schrieb und die Welt mit Leben erfüllte. Die Geschichte basiert auf seinen Erfahrungen, die er allein in der New Yorker Innenstadt gemacht hat. Er beschrieb diese Zeit seines Lebens als sehr depressiv und voller schlechter Ideen. Es ist wichtig zu betonen, dass dies auch eine dunkle Zeit in der amerikanischen Geschichte war. Skandale wie der Vietnamkrieg, Watergate, der Aufstieg des Erdöls und die Zunahme der Kriminalität in den Städten führten zu einem düsteren Zeitgeist in der amerikanischen Bevölkerung, und viele waren unsicher, wie die Zukunft aussehen würde. Dieses Bild wurde in verschiedenen Filmen der damaligen Zeit lebendig eingefangen, wobei viele ihre Geschichten verschleierten, um der Zensur zu entgehen.
Unter diesen Bedingungen machte sich Schrager an die Arbeit am Drehbuch und fand in Scorsese den perfekten Mitarbeiter. Die beiden verstanden sich auf Anhieb und begannen mit den Vorbereitungen für den Film. Der Schauspieler Robert De Niro, der mit Scorsese bereits bei Mean Streets zusammengearbeitet hatte und vor kurzem den Oscar als bester Nebendarsteller in Der Pate Teil II erhalten hatte, wurde ebenfalls schnell für die Rolle engagiert. Damit war der Grundstein für die Zusammenarbeit der drei gelegt und der perfekte Sturm der Kreativität begann.
Der Film beginnt mit einem bedrohlichen Soundtrack, komponiert von dem großen Bernard Herrmann. Begleitet wird die Musik von Bildern der Straßen und Taxis von New York City. Die Musik wechselt zu einem jazzigeren Ansatz, sobald eine Nahaufnahme der Augen eines Mannes zu sehen ist. Dies ist der erste Hinweis darauf, dass es sich bei dem Film um eine Einzelcharakterstudie handeln wird, und er fängt auf brillante Weise den düsteren Ton und die Stimmung ein, die die Geschichte beherrschen werden.
Unsere erste vollständige Einführung des Hauptprotagonisten Travis Bickle findet in dem kleinen und schmutzigen Büro eines Taxilagers statt. Als Travis den Raum betritt, erscheint über seinem Körper projizierter Rauch aus der Kanalisation. Scorsese nutzte diesen Effekt, um Travis‘ geistigen Zustand zu symbolisieren: Er ist ein Mann, der aus den Tiefen der Hölle kommt, was durch seine Bemerkung, in Vietnam gedient zu haben, noch unterstrichen wird. Nach einem holprigen Start mit dem Mann, der für seine Einstellung verantwortlich ist, schwenkt Scorsese auf eine Nahaufnahme von Travis, um die Idee einer tickenden Zeitbombe weiter zu verdeutlichen.
Der Film schenkt keiner anderen Figur außer Travis viel Aufmerksamkeit. Alles dreht sich um ihn und seine Einsamkeit. Die Menschen um ihn herum werden nicht näher beleuchtet und wirken fast wie Hintergrundgeräusche. Scorsese erreicht diese Ausrichtung, indem er Travis immer in der Ecke jeder Einstellung platziert, in der er zu sehen ist. Beim Abendessen mit seinen Taxipartnern spricht er nur selten und erscheint immer später als die meisten, weil er länger arbeitet. Er erklärt, dass er mehr als 70 Stunden pro Woche arbeitet und trotzdem nicht schlafen kann und fast alle Möglichkeiten ausschöpft, um der Qual zu entkommen. Obwohl er behauptet, die Abschaum der Stadt, die Junkies, Dealer, Zuhälter und Nutten zu verachten, ist er ständig in ihrer Nähe. Der Film erklärt Travis‘ Handlungen nie direkt, sondern überlässt es dem Zuschauer, sich seine eigenen Theorien zu bilden.
Im Laufe des Films beginnt sich Travis‘ geistiger Zustand langsam zu verschlechtern. Er versucht, sich zu bessern, indem er mit einer Frau namens Betsy ausgeht, die in der Kampagne zur Wahl von Charles Palantine zum Präsidenten arbeitet. Ihre anfänglichen Begegnungen sind freundlich, aber die Dinge wenden sich, als Travis sie in einen Pornofilm mitnimmt. Der Film ist ambivalent zu Travis‘ Handeln. Wir sind uns nicht sicher, ob er dies aus Bosheit oder aus einem schrecklichen sozialen IQ heraus getan hat. Diese Katastrophe verschlimmert seine Abwärtsspirale noch weiter.
Travis beginnt, sich in Form zu bringen und aktiv nach Ärger zu suchen. Als Hilferuf an seinen Kollegen Wizard äußert er, dass er einige sehr schlechte Ideen in seinem Kopf hat, aber aus dem Gespräch geht nichts Fruchtbares hervor. Als er an einer Bruchstelle angelangt ist, beginnt er, Waffen zu kaufen und aus Schreibtischschubladen raffinierte Holster zu basteln. Hier beginnt die Geschichte, sich intensiv auf Travis‘ müde Handlungen zu konzentrieren, wobei die Erschießung eines bewaffneten Räubers im Mittelpunkt steht. Obwohl die Tat zur Verteidigung eines Ladenangestellten geschah, lässt sie ihn in einem verstörten Zustand zurück, wie in einem der denkwürdigsten Momente des Films zu sehen ist, in dem er ausdruckslos auf den Fernsehbildschirm starrt, während im Hintergrund „Late For the Sky“ von Jackson Browne läuft.
Auf dem Höhepunkt des Films bricht die Hölle los. Nachdem Travis viel Zeit damit verbracht hat, die Geschäfte einer Kinderprostituierten namens Iris zu beobachten, beschließt er, etwas zu unternehmen, in der Hoffnung, sie aus diesem Leben herauszuholen. Auf dem Weg dorthin stößt er auf einige Hindernisse, darunter Sport, ihr Zuhälter, und nach einer Weile beschließt er, zu extremen Maßnahmen zu greifen. In einem der unglaublichsten Enden der Filmgeschichte begibt sich Travis auf einen absoluten Amoklauf, um Iris zu retten. Perfekt gefilmt und choreographiert, dient dieser Moment als Katalysator für Travis als Charakter, der ihm den Wunsch gibt, gesehen und bewundert zu werden.
Doch der Film endet hier nicht. Travis überlebt das Feuergefecht und kehrt schnell zu seinem Job als Taxifahrer zurück. Er trifft Betsy wieder, diesmal unter freundschaftlicheren Bedingungen. Das Ende des Films ist ambivalent: Travis starrt beunruhigt auf ein unbekanntes Objekt in seinem Rückspiegel. Sowohl Schrader als auch Scorsese sagen mit Nachdruck, dass dies Travis‘ ständigen Zustand der Paranoia und des Grolls darstellen soll, was darauf hindeutet, dass es ihm immer noch nicht gut geht.
Teil dessen, was Taxi Driver zu einem so ansprechenden Film macht, ist das Fehlen einer klaren Richtung oder Absicht. Der Film wird völlig von der Stimmung getragen, die er darstellt, fast bis zu einem Fehler, aber er funktioniert perfekt, um die ambivalente Stimmung der Ära zu illustrieren. New York City stand am Rande des Bankrotts, und auf den Straßen herrschte eine hohe Kriminalitätsrate und schlechte Lebensbedingungen. Die Stadt spiegelte den Zustand des ganzen Landes wider, das immer noch Groll auf die Vergangenheit hegte. Scorsese kanalisierte all die Wut und den Zorn in die verdichtete Geschichte eines Mannes, der aufgrund seiner Umgebung am Rande des Zusammenbruchs steht, und fing die Verzweiflung einer solchen Situation nahezu perfekt ein.
Der Film wurde 1976 für den Wettbewerb der Filmfestspiele von Cannes ausgewählt und erhielt die Goldene Palme. Auch in Amerika wurde der Film hoch gelobt und etablierte Scorsese als einen der besten Filmemacher seiner Zeit. Fast 45 Jahre nach seiner Erstveröffentlichung ist Taxi Driver nach wie vor ein Eckpfeiler des Filmschaffens. Er gibt die Stimmung einer bestimmten Epoche wieder und stellt sie universellen Themen gegenüber. Er ist nicht so kompliziert wie Filme wie Memento, aber sicherlich vollgepackt mit einem „show don’t tell“-Ansatz, bei dem es dem Zuschauer überlassen bleibt, das Puzzle zusammenzusetzen. Dieser Status wäre ohne die hervorragende Regie von Martin Scorsese nicht möglich gewesen, der einen Film geschaffen hat, der in Bezug auf die Darstellung des langsamen Abstiegs in den Wahnsinn seinesgleichen sucht.
