Was ist Fotomontage – Definition und Geschichte

Einer der wichtigsten Aspekte der Fotografie ist ihr physisches Bild. Obwohl es im heutigen digitalen Zeitalter den Anschein hat, als sei der Druckprozess nur für die bildende Kunst wertvoll, haben Fotografen seit dem 19. Jahrhundert auf viele kreative Arten mit der Körperlichkeit des Mediums experimentiert. Eine dieser Möglichkeiten ist die Fotomontage, die auf ihre Weise revolutionär war, da sie den Künstlern die Möglichkeit bot, über das kühne Bestreben des Mediums hinauszugehen, die Realität genau so darzustellen, wie sie ist. Diese Technik bot neue oder zumindest neu interpretierte Welten auf einer Fotoplatte, Kunstwerke, die viele Fotografien in einer einzigen kombinierten, um neue Visionen und Ideen zu fördern.

Heute können wir über Fotomontagekunst in gedruckter und digitaler Form sprechen, über ihre vielen technischen Möglichkeiten in diesen beiden Bereichen sowie über die ethischen Fragen, mit denen sie in der zeitgenössischen Kunst konfrontiert ist, aber zunächst wollen wir versuchen, die Frage zu beantworten: Was genau ist Fotomontage?

Definition der Fotomontage: Kreative Fotografie

Der Definition nach ist die Fotomontage eine Kombination aus mehreren Aufnahmen, die für einen künstlerischen Effekt zusammengefügt werden oder um mehr von einem Thema zu zeigen, als in einem einzelnen Kunstwerk gezeigt werden kann. Die Bilder wurden durch Ausschneiden, Kleben, Anordnen und Überlappen von zwei oder mehr Fotos oder Reproduktionen von Fotos zusammengesetzt, manchmal in Kombination mit anderem nichtfotografischem Material wie Text oder anderen abstrakten Formen. Der Prozess der Erstellung einer Fotocollage lässt sich bis zu den ersten Druckversuchen in der Dunkelkammer zurückverfolgen, als Fotografen mit dem direkten Kontaktdruck von Objekten auf Fotoplatten oder mit Techniken wie Doppelbelichtung und Maskierung experimentierten. Natürlich muss die Kunst des „Zusammenfügens von Fotos“ nicht zwangsläufig mit der Schaffung neuer Bilder verbunden sein – je nach den Absichten und Zielen des Künstlers können auch nur gefundene und vorhandene Abzüge verwendet werden. Schließlich verschwand mit dem Aufkommen des Computers die Notwendigkeit, physische Bilder zu haben, ganz, da die heutigen Beispiele der Fotomontagekunst mit Hilfe von Bearbeitungssoftware zusammengesetzt werden und oft nie in gedruckter Form erscheinen.

Collage Photo Through History

Die vielleicht berühmteste Fotomontage entstand in der Mitte der viktorianischen Ära. Sie wurde damals „Kombinationsdruck“ genannt und von Oscar Rejlander geschaffen, einem Pionier der Fotografie, der zu den Experten auf diesem Gebiet gehörte. Seinem Collage-Foto The Two Ways of Life von 1857 folgte 1858 das Bild Fading Away eines anderen Künstlers, Henry Peach Robinson. Bis zum Ende des Jahrhunderts wurden viele weitere Kunstwerke zum Leben erweckt, insbesondere in Form von lustig aussehenden Postkarten, auf denen oft der falsche Kopf auf einen anderen Körper gesteckt wurde, oder durch die Erschaffung seltsamer, unmöglicher Kreaturen. Zu Beginn des Ersten Weltkriegs erhielt die Methode ihren ersten Aufschwung, als Fotografen in ganz Europa Postkarten produzierten, auf denen Soldaten zu sehen waren, die in die Schlacht zogen und von ihren Angehörigen verabschiedet wurden. Vor allem die Berliner Dada-Gruppe entwickelte die Postkarte als Mittel des Protests gegen den Krieg und andere politische Themen der Zeit und machte sie zu einer echten modernen Kunstform.

Die Fotomontage der Berliner Dadaisten

In einer kollektiven Anstrengung verwendeten die Berliner Dadaisten tatsächliche Fotografien oder fotografische Reproduktionen, um die Zerstörung und die Schrecken des Krieges zu betonen. Mit Schere und Kleber anstelle des traditionellen Pinsels und unter dem Namen „monteurs“ (Mechaniker) eigneten sich die Dadaisten die Bilder der Massenmedien an und schufen eine scharfe, aggressive Kritik am Weltgeschehen. Die große Vielfalt an Stilen und Arbeitsweisen half ihnen, aufrüttelnde Bilder der Realität zu zeichnen und auf die unheimlichen Folgen unseres eigenen Tuns aufmerksam zu machen, während sie gleichzeitig die Vorstellungen und auferlegten Regeln des traditionellen Kunstschaffens angriffen. Das bahnbrechende Werk aus dieser Zeit ist Hannah Höchs 1919-20 entstandener Schnitt mit dem Küchenmesser durch die letzte Weimarer Bierbauch-Kulturepoche Deutschlands, in dem Bilder von prominenten Persönlichkeiten wie Albert Einstein und der deutschen Künstlerin Käthe Kollwitz eine neue Aussage über das moderne Leben und die Kunst in der Bewegung machen. Die Werke von John Heartfield, einem engagierten Anti-Nazi-Aktivisten, sowie von Kurt Schwitters, Raoul Hausmann und Johannes Baader trugen zur Schaffung einer Bildsprache bei, die eine weitere wichtige Bewegung des 20. Jahrhunderts inspirieren sollte.

Ein weltweiter Einfluss

Als ein ziemlich etabliertes kreatives Werkzeug wurde die Fotomontage schnell von den Surrealisten übernommen, die sich von der Idee angezogen fühlten, mit der Realität auf ungewöhnliche Weise zu spielen. Unter ihnen sind Salvador Dalí und Man Ray als prominente Anwender der Fotomontage zu nennen, die sich an der Reflexion des Unterbewusstseins erfreuten. Etwa zur gleichen Zeit nutzten die russischen Konstruktivisten wie El Lissitzky, Alexander Rodtschenko und Gustav Klutsis die Fotocollage als Mittel der Propagandakunst, was sich in den folgenden Jahrzehnten fortsetzte. In der belagerten Spanischen Republik blühte die Sprache dieser Kreativitätsform als Reaktion auf den Bürgerkrieg durch die Werke des Grafikers Josep Renau ebenfalls auf. In Japan schuf die Avantgarde-Malerin Harue Koga ebenfalls Gemälde im Stil der Fotomontage, die auf Bildern aus Zeitschriften basierten.

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Nach dem Zweiten Weltkrieg und dem Beginn des Kalten Krieges ging die Popularität der Fotomontagekunst zurück, da die Öffentlichkeit dieser Art von Bildern überdrüssig wurde und sich den aufregenden Wundern des Fernsehens zuwandte. Das nächste große Revival erlebte die Fotomontage jedoch in den 1980er Jahren mit der Anti-Atomkraft-Bewegung in Europa. Ein Großteil der Fotomontagen dieser Zeit wurde für Transparente bei Demonstrationen entworfen, deren Ziel es war, ein sehr anschauliches und aggressives Kommunikationsmittel einzusetzen – wie bei den Werken von Peter Kennard, der mit der mangelnden Unmittelbarkeit der Malerei unzufrieden war und dessen Fotomontagen die „unverhüllte Wahrheit“ hinter der wirtschaftlichen Ungleichheit, der Polizeibrutalität und dem atomaren Wettrüsten zeigten. Heute enthalten diese Kunstwerke dank der Entwicklung digitaler Technologien und Software, insbesondere Adobe Photoshop, alles von Text bis Ton.

Kreatives Photoshop – Fotomontage

Fotomontagetechniken

Die Fotomontagetechniken haben sich in den letzten zehn Jahren mit der Integration von Computern in den Kunstschaffungsprozess und der Einführung digitaler Bildbearbeitungssoftware erheblich weiterentwickelt. Die Paste-ups werden jetzt digital mit Hilfe verschiedener Software wie Adobe Photoshop, Paint Shop Pro, Corel Photopaint, Pixelmator, Paint.NET oder GIMP erstellt. Diese Programme haben den Prozess wesentlich vereinfacht und es den Menschen ermöglicht, die Grenzen des digitalen Bildes zu erweitern. Aber im 19. und 20. Jahrhundert war die Erstellung von Fotomontagen eine rein physische Angelegenheit, die viel Fantasie und viel kompliziertere Prozesse und Techniken erforderte.

Kombinationsdruck

Die Technik, die den Weg ebnete, war der Kombinationsdruck von Henry Peach Robinson. Dabei werden die Negative von zwei oder mehr fotografischen Bildern verwendet, um ein einziges Bild zu erzeugen. Diese komplexe Methode entstand aus dem Wunsch heraus, die Fotografie in die bildende Kunst zu verwandeln und idealisierte Bilder zu produzieren. Aufgrund der begrenzten Lichtempfindlichkeit des Negativs und der Kameratechnik wurde es erstmals von dem französischen Fotografen Hippolyte Bayard vorgeschlagen, um ein ausgewogenes Bild mit einer angemessenen Belichtung sowohl des Motivs als auch des Hintergrunds zu erhalten. Fotografen wie Peach Robinson, Oscar Rejlander und William Frederic Lace Price nutzten das Verfahren, um originelle Fotomontagen zu erstellen und eröffneten damit ein neues Fenster für ihre Kreativität. Da ein Foto als die Wahrheit angesehen wurde, löste der Kombinationsdruck in der damaligen Fotografengemeinschaft eine heftige Kontroverse aus, da er die reale Welt falsch darstellte. Diese Art der Manipulation zerstörte die „Wahrheit“, die das Medium umgab, und veränderte die Art und Weise, wie die Menschen die Fotografie wahrnahmen.

Andere Techniken

Als sich die Fotografie als Medium weiterentwickelte, begannen neue Methoden zu entstehen. Künstler wie Romare Bearden verwendeten die Aufprojektion. Bei seinen montierten Projektionen verwendete er Kompositionen aus Papier, Farbe und Fotos, die er auf Tafeln mit den Maßen 8½ × 11 Zoll anbrachte. Die Bilder wurden mit einer von Hand aufgetragenen Emulsion fixiert und später abfotografiert und vergrößert. Bei Dada wurde mit Schere und Klebstoff gearbeitet. Bei ihrem radikalen Angriff auf die Kunst schnitten sie tatsächliche Bilder aus und fügten sie zu originellen Collagen zusammen. Mit dem Aufkommen der analogen Kameras wurden Doppel- oder Mehrfachbelichtungen sehr beliebt. Die Fotografen öffneten den Verschluss der Kamera mehrmals, um den Film mit verschiedenen Bildern zu belichten. Mit jedem weiteren Bild, das über das erste gelegt wurde, entstanden geisterhafte Bilder von Menschen und Gegenständen, die der ursprünglichen Szene hinzugefügt wurden.

Berühmte Fotomontagekünstler

Die Fotomontage als Kunstform hat im Laufe der Kunstgeschichte viele Künstler angezogen, von frühen experimentellen Fotografen, Dadaisten, Surrealisten und anderen Avantgardisten. Kreative, die die Fotomontage als radikalen Prozess betrachteten, der oft Kontroversen auslöste, setzten sie mit unterschiedlichen Absichten ein, z. B. um der Fotografie mehr Kreativität zu verleihen, die Gesellschaft zu kritisieren und den sozialen Wandel zu reflektieren, die Vorstellung davon, was Kunst ist, in Frage zu stellen oder einfach die Idee des Fotos zu dekonstruieren. Dieses Medium, das eine bemerkenswerte Kreativität zulässt, aber auch politisch aufgeladen ist, war in der Praxis sehr vielfältig. Da viele prominente Persönlichkeiten mit dieser Methode in Verbindung gebracht werden, wollen wir einen Blick auf die bedeutendsten Namen von Kreativen werfen, die sich für sie eingesetzt haben.

Oscar Rejlander

Als Pionier der Kunstfotografie und Experte für Fotomontagen gilt Oscar Rejlander als Vater der Kunstfotografie. Nachdem er das Nasskollodium- und Wachspapierverfahren erlernt hatte, begann er mit der Porträtfotografie, schuf aber auch bedeutende erotische Kunstwerke mit Zirkusmodellen, Straßenkindern und Kinderprostituierten. Nachdem er ausgiebig mit dem Kombinationsdruckverfahren experimentiert hatte, schuf er seinen berüchtigten Druck The Two Ways of Life, der aus zweiunddreißig Bildern besteht. Der Druck, der zwei Jungen zeigt, die vom Patriarchen angeleitet werden, löste wegen seiner teilweisen Nacktheit zunächst eine ziemliche Kontroverse aus. Dennoch wurde das Bild ein Erfolg und er wurde bald darauf in die Royal Photographic Society of London aufgenommen. Im Laufe seiner Karriere experimentierte er immer wieder mit Doppelbelichtung, fotografischer Manipulation und Retusche. Rejlanders Ideen und Methoden wurden von anderen Fotografen seiner Zeit übernommen.

Henry Peach Robinson

Henry Peach Robinson ist vor allem als Pionier des Kombinationsdrucks bekannt, der ein frühes Beispiel für die Fotomontage darstellt. Seine piktorialistischen Fotos und Schriften machten ihn zu einem der einflussreichsten Fotografen der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Nachdem er sich mit der kommerziellen Porträtmalerei beschäftigt hatte, begann er, Fotografien anzufertigen, die Themen und Kompositionen der anekdotischen Genrebilder nachahmten. Sein frühestes bekanntes Werk, das im Kombinationsdruckverfahren entstand, war Julia mit der Giftflasche, aber sein berühmtestes Kompositfoto ist Fading Away, das ein Mädchen auf dem Sterbebett im Kreise ihrer Familie zeigt. Es gehört zu seiner präraffaelitischen Phase, in der er versuchte, Momente von zeitloser Bedeutung in einer „mittelalterlichen“ Umgebung einzufangen. Die Erstellung von Kombinationsfotos empfand er als ebenso anspruchsvoll wie die Malerei für den Künstler.

Hannah Höch

Als eine der wenigen Frauen, die mit Dada in Verbindung gebracht wurden, förderte Hannah Höch kontinuierlich die Idee, dass Frauen in der Gesellschaft kreativ arbeiten sollten. In ihren Fotomontagen nutzte sie die visuellen Elemente anderer, um sie umzuwandeln und in ihre größeren Werke zu integrieren, in denen diese ursprünglich nicht zusammenhängenden Bilder aufschlussreiche Erzählungen bilden sollten. Diese Strategie haben viele Dadaisten und Surrealisten übernommen. Als aktive Gesellschaftskritikerin reflektierte sie in ihren bahnbrechenden Fotomontagen häufig Geschlechterfragen und die Rolle der Frau in der modernen Gesellschaft. Sie setzte sich aktiv für die Idee der „Neuen Frau“ in dieser Zeit ein. Neben Fotomontagen setzte sie häufig Readymades ein und hinterfragte dabei stets den Begriff und die Idee der Kunst selbst. Berühmt ist sie auch für die Dada-Puppen, die sich von allen anderen mit dieser Bewegung assoziierten Stücken unterscheiden.

John Heartfield

Ein Pionier des Einsatzes von Kunst als politische Waffe, verarbeitete John Heartfield oft antinazistische und antifaschistische Aussagen. Nachdem er mit Dada in Berührung gekommen war, begann er, Kunst in gemischten Medien mit einer Kakophonie von visuellen Elementen zu schaffen, die seinem Publikum eine klare Botschaft vermittelten. Er entwickelte eine einzigartige Methode, bei der er sich Bilder aneignete und wiederverwendete, um Werke mit einer starken politischen Wirkung zu schaffen. Seine Werke spiegeln das Chaos und die Unsicherheit wider, die Deutschland in den 1920er und 30er Jahren erlebte, und verwandeln diese Form der Kunst in eine kraftvolle Form der Massenkommunikation. Er wählte Aufnahmen von Politikern aus der Presse aus und zerlegte und arrangierte sie neu, um eine radikal veränderte Bedeutung zu komponieren. Sein berühmtestes Werk War and Corpses: Die letzte Hoffnung der Reichen aus dem Jahr 1932 spiegelte Deutschlands gefährlichen Drang zum Krieg wider.

Kurt Schwitters

Während er in verschiedenen Genres wie dem Konstruktivismus, dem Bauhaus, De Stijl und dem Surrealismus und in verschiedenen Medien wie Poesie, Ton, Malerei, Skulptur, Typografie und Grafikdesign arbeitete, ist Kurt Schwitters am berühmtesten für seine Merz-Bilder genannten Collagen. Er nannte diese Collagen ausdrücklich Merz, um sie vom Kubismus, Expressionismus und sogar Dadaismus zu unterscheiden. Im Laufe der Jahre dehnte er diesen Namen auf alle seine Aktivitäten aus, einschließlich Poesie, Installationen und Performance. Seine Merzstücke bestanden aus Abfallmaterialien wie Etiketten, Busfahrkarten und Holzresten. Nach 1923 begann er, in seinem Haus in Hannover große Merzkonstruktionen zu bauen, den so genannten ersten Merzbau. Seine Werke wurden 1937 vom NS-Regime als „entartete Kunst“ verboten. Nach seiner Flucht nach Norwegen errichtete er seinen zweiten Merzbau.

Man Ray

Als bedeutender Vertreter des Dadaismus und Surrealismus schuf Man Ray Fotografien, die in der Kluft zwischen Kunst und Leben operierten. Andre Breton bezeichnete ihn als „Prä-Surrealisten“, da seine Kunst Marcel Duchamp stark beeinflusste und für die Verbreitung des Surrealismus sehr wichtig war. Er leistete bedeutende Beiträge zur Avantgarde-, Mode- und Porträtfotografie, ist aber auch für seine Fotomontagen berühmt. Diese Abzüge spielen mit Weiblichkeit und Form und experimentieren mit verschiedenen Techniken wie Mehrfachbelichtungen. Seine bekanntesten Werke dieser Art sind die von Alice Prin und Dora Maar. Zusammen mit Lee Miller erfand er die „Solarisation“ neu, ein fotografisches Verfahren, bei dem Bilder auf dem Negativ aufgezeichnet werden, wobei Dunkelheit mit Licht und umgekehrt verwechselt wird. Er war auch ein Befürworter der „Schattengrafie“, einem Verfahren, bei dem Bilder ohne Kamera auf lichtempfindlichem Papier entstehen.

El Lissitzky

El Lissitzky war ein russischer Maler, Designer und Typograf, der die Kunst für einen sozialen und politischen Wandel nutzte. In den späten 1920er und frühen 1930er Jahren experimentierte Lissitzky mit den neuesten Medien wie Typografie, Fotografie und Fotomontage. Dies gilt als seine fortschrittlichste Periode. Für ihn war die Fotografie das effizienteste Mittel, um die dynamische Umgestaltung seines Landes zum Ausdruck zu bringen. Er experimentierte ausgiebig mit Fotogrammen und Fotocollagen und schuf Montagen in Form von mehrschichtigen Fotos. Durch Mehrfachbelichtungen beim Druck nutzte er den Effekt der Transparenz und des Nebeneinanderstellens, um dynamische Kompositionen zu erzielen. Die Fotomontage der Geburtsanzeige seines Sohnes zeigte das überlagerte Bild des Kindes Jen über einem Fabrikschornstein und verband die Zukunft seines Sohnes mit dem industriellen Fortschritt des Landes. Seine Kunst beeinflusste maßgeblich die Talente von De Stijl und die Bauhaus-Lehrer.

Alexander Rodtschenko

Als einer der wichtigsten Avantgarde-Künstler, der seine Kunst in den Dienst der politischen Revolution stellte, war Alexander Rodtschenko ein einflussreicher Begründer der konstruktivistischen Bewegung. Zunächst beschäftigte er sich mit Malerei, doch ab 1921 konzentrierte er sich auf dreidimensionale Designobjekte, architektonische Skizzen und Fotografie. Mit Fotos hatte er den größten Erfolg. Er war berühmt für seine avantgardistischen Kompositionen und seinen experimentellen Umgang mit Fokus und Kontrast. Beeindruckt von den deutschen Dadaisten, begann Rodtschenko mit dem Medium zu experimentieren. Zunächst verwendete er gefundene Bilder, später begann er, seine eigenen Bilder zu fotografieren. Seine Fotomontage wurde erstmals 1923 als Illustration für Majakowskis Gedicht About This veröffentlicht. Seine Arbeiten zur Erstellung von Fotografien trugen maßgeblich zur europäischen Fotografie der 1920er Jahre bei.

John Stezaker

Der britische Konzeptkünstler John Stezaker erstellt respektlose Collagen aus glamourösen Porträts der 1950er Jahre, die adrette Herren im Anzug und Hollywood-Stars zeigen. Er kombiniert diese Bilder als Readymades mit anderen Gesichtern oder sogar Landschaften, um den Effekt des Unheimlichen und Absurden zu erzeugen. Er untersucht verschiedene Beziehungen zum fotografischen Bild, wie z. B. die Dokumentation der Wahrheit, die Übermittlung von Erinnerungen oder das Symbol der modernen Kultur. Durch elegante und geschickte Nebeneinanderstellungen formt er seine eigenen, ergreifenden Bedeutungen. Er zaubert radikale Ideen aus Bildern, die den alltäglichen Betrachter sonst verführen würden. Den Begriff Fotomontage vermeidet er zugunsten der Collage. Wie er selbst sagt, „kann sich das Schneiden einer Fotografie anfühlen, als ob man durch Fleisch schneidet“. 2012 erhielt er den Fotopreis der Deutschen Börse, und die gemischten Kritiken dazu zeigen, dass die Fotomontage immer noch kontrovers wahrgenommen wird.

Josep Renau

Das Werk des spanischen Malers, Plakatgestalters und Wandmalers Josep Renau war immer politisch. Er trat 1931 der Kommunistischen Partei bei und schuf Mitte der 1930er Jahre Plakate, die die Spanische Republik gegen Francos Armee unterstützten. Nach seinem Exil in Mexiko nach dem Ende des Spanischen Bürgerkriegs wurde er stark von der Populärkultur in den USA beeinflusst. Er eignete sich Bilder aus der US-Werbung und populären Magazinen an und stellte sie zu Montagen zusammen, die sich mit Rassismus, Sexismus, der Macht der Medien und dem Konsumverhalten befassten. Mit diesen Arbeiten griff er die amerikanische Kultur auf witzige und kluge Weise direkt an. Diese Collage-Serie wurde erstmals Ende der 1980er Jahre in den USA ausgestellt. Er wird selten mit den frühen radikalen Vertretern der Fotomontage in Verbindung gebracht, aber er hat eine bedeutende Rolle bei der Entwicklung dieser Form gespielt.

Tipp der Redaktion: Hannah Höch: Lebensporträt: A Collaged Autobiography

Hannah Höch: Life Portrait unterteilt das monumentale Werk in 38 einzelne Abschnitte, so wie Höch es sich vorgestellt hat, und bietet zu jedem Abschnitt erläuternde Texte und einschlägige Zitate. Als eine der wenigen englischsprachigen Publikationen über den Künstler erkundet dieser Band Höchs letztes Meisterwerk und das Lebenswerk, das es repräsentiert. Höchs letzte – und mit fast 4 x 5 Fuß größte – Fotocollage, „Life Portrait“, entstand zwischen 1972 und 1973. Obwohl sie ursprünglich nicht vorhatte, ein autobiografisches Werk zu schaffen, fungiert die Collage als eine Art Selbstporträt der Künstlerin, das auf ihr Leben und ihre Arbeit zurückblickt und gleichzeitig wichtige politische, soziale und künstlerische Ereignisse der vergangenen 50 Jahre ironisch und poetisch kommentiert.

Berühmte Fotomontage-Beispiele und die dahinter stehende Ethik

Wenn es ein abstraktes Gemälde geben kann, warum sollte es dann nicht auch ein abstraktes Foto geben? Manchmal ist es natürlich ziemlich offensichtlich, dass eine Art von Montage im Spiel ist. Manchmal ist es aber auch nicht so offensichtlich, und da beginnt das Problem. Kann ein Künstler die Realität verändern? Ist es dann wirklich Kunst? Ist es ethisch vertretbar, so etwas zu tun? Ist es ein Missbrauch der Kunst? Wenn ein Künstler mit dem gesunden Menschenverstand des Betrachters spielt und Fotos präsentiert, die eindeutig etwas Unmögliches zeigen, wie Scott Mutters Bilder von Menschen, die während des Fluges über den Wolken neben dem Flugzeug hergehen, dann ist der Wert der Kunst zweifellos hoch. Wie Mutter einmal beschrieb, „sind Bilder ein Versuch, etwas darzustellen, das eine Realität ist. Keine physische Realität, sondern eine Darstellung durch Metaphern“.

Physikalisch veränderte Bilder

Nimmt man zum Beispiel den mit Dada in Berlin verbundenen Schriftsteller und Künstler Johannes Baader mit seiner Collage auf einer Buchseite mit Tintenbeschriftung aus dem Jahr 1920 als eines der berühmtesten Fotomontage-Kunstwerke der Bewegung, so sieht man deutlich die physische Veränderung, die der Künstler an einem Bild vorgenommen hat, um eine idealisierte Fotobildlichkeit zu formen. Wenn man bedenkt, dass die Dadaisten mit Schere und Klebstoff Fotografien ausschnitten und einfügten und außerdem geschriebene Texte über die gedruckten Collagen legten, besteht kein Zweifel daran, dass die ursprünglichen Fotografien manipuliert und verändert wurden. Aber wenn es um digitale Techniken geht, sind sie viel raffinierter und außerdem viel schwieriger zu erkennen.

Cut-and-Paste-Kultur

Heute ist „die Kultur, in der wir leben, zu einer Art Cut-and-Paste-Kultur geworden“, wie es Daniel Herrmann, Kurator an der Whitechapel Gallery in London, beschrieben hat. Es stimmt, dass wir mit der Menge an Informationen, die wir in jeder Minute eines jeden Tages erhalten und weitergeben, überfordert sind. Die Collage ist zu einem Repräsentanten für diesen Zustand der kulturellen Produktion geworden. Sie bietet eine Alternative zu einer sich ständig verändernden, ständig fließenden Bilderwelt und erinnert die Menschen an Taktilität, Textur und die Realität der Welt, in der wir leben“, so Daniel Herrmann. Laura Hoptman, Kuratorin in der Abteilung für Malerei und Bildhauerei am Museum of Modern Art in New York, sagt hingegen, dass die Collage auch als eine Art und Weise charakterisiert werden kann, wie man „Informationen gleichzeitig erlebt“. Es gibt eine „horizontale Informationswolke“, wie Laura Hoptman es nennt, die sich auf die gemischten Daten bezieht, mit denen wir alle in unserem Leben arbeiten.

Ein Cocktailmeister, aber kein Barkeeper

Der zeitgenössische spanische Künstler Antonio Mora, der in der Designbranche als Art Director tätig war, sieht seine eigene Kunst als vertikale Lösungen. Er nennt sich selbst einen Cocktailmeister, aber nicht zu verwechseln mit einem Barkeeper. Er macht Cocktails aus Bildern, indem er Bilder aus Blogs, Online-Magazinen und aus der gesamten digitalen Sphäre verwendet und sie dann miteinander verschmilzt. Seine hybriden Wesen wurden zu einem epischen Beispiel für eine originelle Art und Weise, wie man Fotomontage und Fotomanipulation nutzen kann, um aus der Mischung reine Kunst zu machen.

Bilder mit dem ‚Wow‘-Effekt

Ein weiterer wahrer Meister der Fotomanipulation ist Thomas Barbey, ein in den Vereinigten Staaten lebender Schweizer Künstler. Lange bevor es Photoshop gab, fotografierte er jeden Winkel der Erde, den er besucht hatte. Auch heute noch verwendet er keine digitalen Bildbearbeitungsprogramme, um Fotos zu montieren. Er „zaubert“ in der Dunkelkammer. Und was macht er? Er schafft so surrealistische Fotomontagen, dass selbst die technisch versiertesten Kreativschaffenden ihn um seine Fähigkeiten beneiden würden. Zu den berühmten Bildern dieses Künstlers gehören Skifahren auf einem Tisch, ein Unterwasserpaar, ein Zebra-Klavier, ein venezianischer Kanal in einer Kirche und vieles, vieles mehr. Er arbeitet ausschließlich in Schwarz-Weiß und schafft einzigartige Fotomanipulationen, die ausschließlich dem Zweck der Kunst dienen. Seine Werke wurden in vielen Museen auf der ganzen Welt ausgestellt, und Kunstsammler streiten sich regelrecht um seine Kunstwerke, die sie besitzen wollen. Zurzeit befinden sich seine Fotomontagen in den Privatsammlungen von mehr als 20 Kunstsammlern auf der ganzen Welt. Thomas Barbey fasziniert Kunstliebhaber, weil er keine gewöhnliche Collage macht. Er mischt nämlich mehrere Negative, von denen einige Jahrzehnte älter sind als andere. Das ultimative Ziel ist es, ein Bild zu schaffen, das den Betrachter wirklich in Erstaunen versetzt. Wie der Künstler selbst sagte, wenn er sein eigenes Bild betrachtet und die erste Reaktion „Na und?“ ist, zerstört er es und macht alles noch einmal anders, bis er den „Wow“-Effekt erzielt. Und in der Tat, seine Fotomontagen beeindrucken die Leute.

Beyond Imagination

Eine weitere Person, die ihre Karriere speziellen Fotomontagen gewidmet hat und für ihre Arbeit weltweit respektiert wird, ist Laurence Demaison. Sie arbeitet hauptsächlich mit analoger Fotografie und erkundet deren technische Möglichkeiten. Indem sie mit Langzeitbelichtungen, Blitzlicht und Negativen experimentiert, stellt Demaison die Grenzen des Mediums in Frage und schafft faszinierende Aufnahmen, die uns zeigen, wie eine Kamera das menschliche Auge täuschen kann. Seit über 22 Jahren fertigt sie Selbstporträts an, aber diese Aufnahmen handeln nicht von ihr, wie sie erklärt. Die Fotografien, die sie macht, nennt Demaison ‚Papierphantome‘. Dafür gibt es einen guten Grund, denn das Motiv verschwindet und offenbart eine ganz andere Welt jenseits der Vorstellungskraft des Betrachters.

Manipulation der Realität

Wenn wir über Fotomontage sprechen, können wir einige wichtige Bereiche der Fotografie nicht vernachlässigen. Das sind die Dokumentarfotografie und der Fotojournalismus. Man mag sich fragen, was das mit der Fotomontage und der bildenden Kunst zu tun hat, wenn deren Ziel darin besteht, die Wirklichkeit so zu erfassen, wie sie ist, und die Welt um uns herum in ihrer ganzen Rohheit darzustellen, ohne den Wunsch, als Kunst wahrgenommen zu werden. Es gibt jedoch gewisse moralische Bedenken hinsichtlich der spezifischen Verwendung der Fotografie. Es geht um eine etwas andere Art der Veränderung von Fotografien, bei der die Fotomontage bereits vor der Aufnahme erfolgt. Es ist doch nichts Falsches daran, wenn ein Fotograf seine Modelle dafür bezahlt, dass sie für ihn posieren, oder? Richtig, wenn es sich um ein Fotoshooting für eine Modekampagne handelt. Das könnte jedoch ein Problem sein, wenn es um die Arbeit der dokumentarischen Bildgestaltung geht. Anstatt die Realität so abzubilden, wie sie ist, könnten bezahlte Models die Welt erschaffen, die der Künstler uns zeigen will. Das Gleiche gilt für die Veränderung der Szene, damit sie so aussieht, wie der Fotograf sie sehen möchte. Warum würde ein Dokumentarfotograf die Szenerie verändern wollen? Erstens, um die Emotionen der Betrachter zu wecken. Je stärker die visuelle Wirkung, desto höher der Wert des Fotos. Einige Dokumentarfotografen und Fotojournalisten manipulieren also die Realität auf diese Weise, was in einer Reihe von Berufen höchst umstritten ist. Es handelt sich auf jeden Fall um eine besondere Art der Fotomontage, ob sie es nun zugeben wollen oder nicht. Und wenn es um die Ethik geht, ist diese Frage sehr umstritten – ist es also Kunst oder ist es eine Lüge?

Tipp der Redaktion: Photomontage zwischen den Kriegen 1918-1939

Diese ausschließlich englischsprachige Publikation bietet einen faszinierenden Überblick über die Entstehung der Fotomontage speziell in Deutschland und der Sowjetunion in den 1920er Jahren. Die umfangreiche Auswahl an Plakaten, Collagen, Maquetten, Postkarten, Zeitschriften und Büchern, die in diesem Ausstellungskatalog vorgestellt werden, zeugt von dem enormen Einfluss der Fotomontage in Politik, sozialem Protest und Werbung und demonstriert gleichzeitig die Beliebtheit der Technik bei den Mitgliedern der Avantgarde in diesen beiden Jahrzehnten. Die Essays in dieser visuell reichhaltigen Publikation untersuchen zeitgenössische Texte, die von der Praxis der Fotomontage inspiriert wurden, und erforschen jene Qualitäten der Fotomontage, die zu der wohl wichtigsten Ausstellung führten, die dieser künstlerischen Technik 1931 im Kunstgewerbemuseum in Berlin gewidmet war.

Aufgeschrieben von Angie Kordic, Elena Martinique und Nadia Herzog.

Ausgestellte Bilder im Schieberegler: David Hockney – Pearblossom Highway, 1986; Peter Kennards Porträt von Tony Blair; Josep Renau – Hoy más que nunca VICTORIA, 1938; Kunstwerke von John Stezaker; Alexander Rodchenko – Young Gliders, 1933; El Lissintzky – Bauarbeiter in Die UdSSR im Bau Nr. 2, 1933; Kurt Schwitters – Der Vorschlag, 1942. Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.