Die 10 besten musikalischen TV-Momente 2018

Weinen Sie nicht, heben Sie nicht den Blick, es sind nur die besten Musikmomente des Jahres. Und wie in den vergangenen Jahren gibt es eine peinliche Fülle, aus der man wählen kann. Sicherlich sind die Klänge der 80er Jahre nach wie vor der Renner im Fernsehen, wenn es darum geht, bereits existierende Pop- und Rocksongs zu verwenden, um die Handlung auf dem Bildschirm zu ergänzen, zu kommentieren und zu verbessern: Pose, Narcos: Mexico, The Americans und The Assassination of Gianni Versace sind fast ausschließlich mit Songs unterlegt. Die Herangehensweisen sind jedoch so unterschiedlich wie ihre Stile und Themen, und wenn man andere Epochen und Genres mit einbezieht, öffnet sich die Klanglandschaft enorm. Zu einem guten Musikstück gehört mehr, als nur einen tollen Song mit einer wichtigen Szene zu synchronisieren: Im Idealfall kann der Song in Worte und Musik fassen, was die Figuren und die sie umgebende Welt selbst nicht ganz ausdrücken können. Das ist es, was Musik für uns alle tut – warum sollte es bei fiktiven Figuren anders sein? Hier sind die zehn besten Momente aus einem Jahr TV-Musik, die auf jedermanns Playlist gehören.

10. Westworld: „Do the Strand“ von Roxy Music

Nur wenige Serien haben sich des Missbrauchs von Musikstücken so schuldig gemacht wie Westworld. Jonathan Nolans und Lisa Joys bleierne und labyrinthische Sci-Fi-Parabel hat eine ganze Spotify-Wiedergabeliste klassischer Alt-Rock-Songs in ihre Erzählung eingefügt, die der Komponist Ramin Djawadi instrumental arrangiert hat. Wenn man sich seine beste Arbeit bei Game of Thrones anhört, wird schmerzlich klar, dass er viel mehr kann als Radiohead mit Player-Piano oder japanophile Remixe von Wu-Tang Clans „C.R.E.A.M.“ oder was auch immer.

Das macht Westworlds In-World-Kurbelung von Roxy Musics ungestümem Hit „Do the Strand“ von 1973 so bemerkenswert. Von James Delos (Peter Mullan), dem schottischen Gründer des Westworld-Themenparks (und, was er nicht weiß, einem der wichtigsten Experimente der künstlichen Intelligenz), in voller Lautstärke angestimmt, klingt die Antwort des Glam-Rock auf Led Zeppelins „Immigrant Song“ in der düsteren Songlandschaft der Serie ebenso unerwartet wie Delos‘ „Tanzt, als ob niemand zuschaut“-Verhalten. Doch Bryan Ferrys hedonistisches lyrisches Versprechen des nächsten großen Dings – „There’s a new sensation, a fabulous creation“ – und Brian Enos retro-futuristische Schnörkel als bandeigener Effektgeber passen zu den Themen von Westworld, als wären sie in einem Labor entwickelt worden, um genau das zu tun.

9. Narcos: Mexico: „Karma Chameleon“ von Culture Club

Die große Stärke des Narcos-Franchises, das jetzt im Reboot/Relaunch/Anthologie-Serien-Format als Narcos: Mexico, ist auch ihre größte Schwäche. Mit ihrer Voice-over-Erzählung und der Darstellung der inneren Abläufe der organisierten Kriminalität, über die sie berichtet, erreicht die Serie eine zwanghafte Anschaulichkeit, die dem Abspielen der Eröffnungssequenzen von GoodFellas und Casino über zehn Episoden hinweg gleichkommt. Aber so wie diese Filme nicht funktionieren würden, wenn sie immer nur erklären würden, wie man Flughäfen ausraubt oder Kartenbetrüger aufspürt, verliert Narcos etwas, wenn es uns unerbittlich durch den Aufstieg und Fall verschiedener Drogenbosse von Kolumbien bis Mexiko führt. Auf dem Weg von Punkt A zu Punkt B bleibt nur selten Platz für, sagen wir, Punkt 17 – die eigenwilligen Umwege, Details und Erzählstränge, die dazu beitragen, die Charaktere und die Welt, in der sie leben, mit Leben zu füllen.

Aber es gibt nur wenige Probleme, die ein wenig Boy George nicht beheben kann, selbst für die Jungs, die für das größte Marihuana-Kartell der Menschheitsgeschichte verantwortlich sind. Rafa Caro Quintero (Tenoch Huerta), das impulsive botanische Genie, das für die beispiellose Grasproduktion des Kartells in Guadalajara verantwortlich ist, und Don Neto (Joaquín Cosio), der onkelhafte Unterboss der alten Schule, der Rafa und seinem ehrgeizigen Partner Félix Gallardo (Diego Luna) in ihren Anfängen zu Legitimität verholfen hat, finden sich nach ihrem letzten Fehlschlag in einem Unterschlupf wieder, mit nichts als Kokain und Don Netos brandneuem CD-Player als Gesellschaft.

Vollgekokst und übermütig testen zwei der meistgesuchten Männer Nordamerikas, ob die neue Technologie – im Gegensatz zu Vinyl-Schallplatten – nicht springt, wenn man sie anrempelt, indem sie auf und ab hüpfen, herumtanzen und sich fröhlich anschreien, während sie zu den Klängen des schmerzhaft schönen Liebeslieds eines sich quer kleidenden Engländers an die damals verschlossene Schlagzeugerin seiner Band grooven. Ihr Enthusiasmus ist so ansteckend, dass Rafas urkomisches Rock-Nerd-Gegenargument, dass winzig kleine CDs der Todesstoß für die Kunst des Albumcovers sein werden, die Party kaum trübt. Inmitten all der Gesetzesbrecher, der Waffen und des Geldes erklingt dieses raue musikalische Zwischenspiel.

8. The Looming Tower: „Wahhabi“ von Biz

Ist The Looming Tower eine besonders gute Show? Nein, nicht wirklich. Das Bestseller-Buch des Journalisten Lawrence Wright darüber, wie es den amerikanischen Geheimdiensten und den Politikern, die sie beaufsichtigen, nicht gelungen ist, die Anschläge von Al Qaida am 11.9. zu verhindern, obwohl sich ein halbes Hundert Mal die Gelegenheit dazu bot, lässt sich einfach nicht in das Format einer prestigeträchtigen TV-Miniserie übertragen, egal wie sehr man das komplizierte Sexleben von Jeff Daniels‘ Figur aufbauschen will. Aber man braucht keine gute Serie oder gar eine besonders innovative Szene, um einen guten Musiktitel zu haben. Manchmal muss man einfach nur einen Knaller ausgraben und ihn spielen lassen.

Das passiert, wenn der World-Music/Trap-Hybrid „Wahhabi“ von Biz läuft. Überlagert von einer Szene, in der sich verschiedene Al-Qaida-Koryphäen in einem afghanischen Trainingslager begrüßen, lässt es sie wie die verherrlichten Gangster aussehen, die sie in Wirklichkeit sind. Gespielt, als einer der überlebenden Bombenleger der US-Botschaft in Nairobi sich in die Menge der Verwundeten mischt und um Hilfe taumelt, lässt er seine Notlage verwegen und verzweifelt erscheinen. Als Hintergrundmusik für den arabisch sprechenden Star-Agenten des FBI, Ali Soufan, lässt sie ihn wie einen coolen, in Zeitlupe gehenden Bösewicht erscheinen. Er funktioniert sogar als Soundtrack für eine Sexszene mit Jeff Daniels.

Mit einem amerikanischen Beat, instrumentalen Samples aus Aserbaidschan und gesampelten Stimmen, die über eine extremistische islamische Sekte und die Hauptstadt des Irak singen – geloopt und schnell geschnitten, um nichts so sehr zu ähneln wie DJ Kool’s „Let Me Clear My Throat“ – fühlt sich der Song selbst wie ein weltreisender Geheimagent an. Passt das nicht zu einer Serie, die mit abertausenden von Toten und dem Beginn des Ewigen Krieges endet? Mag sein. Aber wenn ein Song so hart ist, kann man vieles verzeihen.

7. Pose: „In My House“ von Mary Jane Girls

„Das Bittere kommt auf einer gestohlenen Gitarre besser heraus.“ Als David Bowie diese Worte in „Hang On to Yourself“ während seiner geschlechtsverändernden Ziggy Stardust-Phase sang, war er auf der richtigen Spur. (Hatte er das nicht schon immer?) Es gibt nichts Besseres, als die Kultur, die einen niederhält, zu betrügen, um der gegenkulturellen Kunst einen gewissen Schwung zu verleihen: Frag einfach die jungen Musiker, die später die Sex Pistols gründeten, die sich Bowies Worte zu Herzen nahmen und seine Ausrüstung stahlen.

Pose, die von Herzen kommende Hommage an die Ballkultur von Superproduzent Ryan Murphy, plädiert für Diebstahl als Praxis in einer wunderbar mutigen Sequenz zu „In My House“ von den Mary Jane Girls. Elektra Abundance (Dominique Jackson) greift eine Idee ihrer zukünftigen Rivalin Blanca Rodriguez-Evangelista (Mj Rodriguez) auf und führt die Mitglieder ihres Hauses (verstehst du?) in ein Museum, das bis zum Rand mit unbezahlbaren kulturellen Artefakten aus aller Welt gefüllt ist. Nachdem sie mit sehnsüchtiger Anerkennung Büsten und Statuen aus dem afrikanisch-ägyptischen Altertum bestaunt haben – die natürlich während der jahrhundertelangen Invasion der weißen Europäer geplündert wurden -, verstecken sich Mutter Elektra und ihre „Kinder“ vor den Sicherheitsleuten, als die Lichter ausgehen und das Museum für den Tag geschlossen wird.

Als die Luft rein ist, dreht das Haus des Überflusses den Spieß um und taucht wieder auf, um den Joint mit all den unmöglich luxuriösen Kostümen und Kleidern von den Höfen Europas zu berauben, die sie tragen können. Die verschlossenen Türen des Museums halten sie kurzzeitig davon ab: „Ich sehe zu gut aus, um nicht gesehen zu werden!“ verkündet Elektra, bevor sie das Glas zerbricht und sich aus dem Staub macht. Während des anschließenden Balls sehen sie alle so verdammt gut aus, dass es scheint, als wären die Kleider wie für sie gemacht

. Sicher, die gurrenden Annäherungsversuche der Mary-Jane-Mädchen bieten einen zeitgemäßen Soundtrack für den Blödsinn, aber sie sind auch eine unübersehbare Demonstration von Befehl und Kontrolle. Indem sie die Plünderer plündern, haben Elektra, Blanca & und Co. das Museum zu ihrem Haus gemacht. Sie haben vielleicht nicht den kulturellen, politischen, rassischen oder sexuellen Einfluss, den die Könige und Königinnen von einst hatten, aber ihre Arbeit ist genauso gültig und lebendig, ihr Sinn für Glamour und Kunstfertigkeit ist genauso gut wie alles, was von den großen Meistern oder ihren reichen und mächtigen Mäzenen ausgestellt wird. Sie verwandeln den sexy Song von MJG in eine Unabhängigkeitserklärung.

6. Better Call Saul: „Big Rock Candy Mountain“ von Burl Ives

Wie Breaking Bad zuvor ist Better Call Saul für seine musikalischen Montagen berühmt, vielleicht mehr als jede andere Serie. In dieser Staffel gab es mehrere davon, darunter eine wunderbar ironische Split-Screen-Darstellung des verschlagenen Anwalts Jimmy McGill und seiner geradlinigeren Partnerin Kim Wexler, die sich langsam voneinander entfernen, unterlegt mit einer Coverversion des Frank- und Nancy-Sinatra-Jams „Something Stupid“ von Lola Marsh, die jeden Fernsehkritiker auf der Welt zu Lobeshymnen veranlasste (und den Text).

Für mich gibt es eine weitaus ergreifendere musikalische Wahl, eine, die das müde und verwundete Herz von Sauls bisher düstersterster Staffel auf den Punkt bringt. Als der versteinerte Kartellfixer Mike Ehrmantraut (Jonathan Banks), der freundliche deutsche Architekt Werner Ziegler (Rainer Bock) und ihr Bautrupp sich auf den Weg in den Untergrund machen, um an dem unterirdischen Meth-Labor zu arbeiten, das eines Tages der Arbeitsplatz von Walter White & Co. sein wird, singt Burl Ives „Big Rock Candy Mountain“ so sanft wie ein Wiegenlied. Die Ode des Folksängers Harry McClintock an ein Paradies für „Landstreicher“ – ein Land, in dem Schnaps, Zigaretten und Süßigkeiten auf Bäumen wachsen und die Polizisten, Eisenbahnbullen und Wachhunde, die sie wegen des Verbrechens, arm und obdachlos zu sein, angreifen und schikanieren, völlig machtlos sind – klingt wie ein wahrgewordener Traum, vorgetragen in dem weichen, warmen Ton, der Ives bei Generationen als Schneemann-Erzähler des Rankin-Bass-Weihnachtsspecials Rudolph the Red-Nosed Reindeer bekannt machte.

Aber ein Traum ist alles, was es ist – ein Hirngespinst, das niemals in Erfüllung gehen wird. Und im Zusammenhang mit dem höhlenartigen, unfertigen Meth-Labor, das zahllose Figuren direkt oder indirekt in den Tod führen wird, ist es besonders schmerzhaft zu hören. Wenn Mike und Werner nur zugehört hätten.

5. Atlanta: „Evil“ von Stevie Wonder

Es hat etwas für sich, einem Publikum ins Gesicht zu schlagen und es dann sanft in den Schlaf zu singen, während es zusammenbricht. Reservoir Dogs hat das damals geschafft, als er auf sein Blutbad mit dem sanften akustischen Klimpern und dem kindlichen lyrischen Unsinn von Harry Nilssons „Coconut“ folgte. Hereditary hat es dieses Jahr geschafft, als er seine schreiend-erschütternde Saga von Wahnsinn und Manipulation mit Judy Collins‘ engelsgleichem „Both Sides Now“ beendete.

Und Atlanta hat es auch dieses Jahr geschafft, als er am Ende seiner erschreckenden, aus dem Nichts kommenden Episode „Teddy Perkins“ sein geschocktes Publikum zu den schwermütigen Klängen von Stevie Wonders „Evil“ zum Ausgang führte. Zu diesem Zeitpunkt hatten wir gesehen, wie der Protagonist der Episode, Darius (Lakeith Stanfield), nur knapp der unheimlichen Titelfigur entkam, einem Mann, der durch Jahrzehnte des Missbrauchs, der Eifersucht und des Selbsthasses gezeichnet ist, während das Vermögen seiner Familie in der Musikindustrie stieg und fiel. In der gesamten Episode gibt es zahlreiche Anspielungen auf filmische (Whatever Happened to Baby Jane?, Get Out) und allzu reale Schrecken (die tyrannische Herrschaft von Joe Jackson über seine talentierten Kinder, die Ermordung von Marvin Gaye durch seinen eigenen Vater).

Wie Darius allein in einem von Verrückten bevölkerten Haus, fühlen wir uns dem … nun ja, Bösen ausgeliefert, das groß und unausweichlich und unausweichlich ist. Dadurch fühlt sich Wonders Song weniger wie ein wiederverwendeter Klassiker an, sondern eher wie eine brandneue Reflexion über die Ereignisse der Episode selbst und über alles in der realen Welt, für die dieses düstere Märchen geschaffen wurde.

4. Die Ermordung von Gianni Versace: American Crime Story: „Vienna“ von Ultravox

Wie Pose, die andere Serie von Ryan Murphy auf dieser Liste, hat auch The Assassination of Gianni Versace eine Reihe von Pop-Hits – meist aus den 80er Jahren, die der Amokläufer Andrew Cunanan (Darren Criss) eindeutig als seine glorreichen Tage ansah – verwendet, um seine oft beängstigende, immer tieftraurige wahre Geschichte zu erzählen. Das ist so verdammt gut gelungen, dass ich auch eine beliebige Anzahl anderer Stichworte hätte wählen können und mit der Auswahl vollkommen zufrieden gewesen wäre: Andrew, der zu einer Highschool-Party (zu der er von seinem Sugar Daddy mittleren Alters gefahren wurde) in voller Eddie-Murphy-Rotledermontur zu Devos „Whip It“ auftaucht; Andrew, der in seiner Unterwäsche tanzt, während er einen handlungsunfähigen Kunden während seiner Strandräuber-Phase zu Philip Baileys und Phil Collins‘ „Easy Lover“ bedroht; Andrew, der seine neu gewonnene Berühmtheit nach seinem vierten Mord feiert, indem er seinen Kopf aus dem Fenster seines gestohlenen Trucks steckt und zu Laura Branigans „Gloria“ mitsingt.“

Aber während all diese musikalischen Momente, insbesondere das Mitsingen von „Gloria“, Fallstudien dafür sind, wie vorgefundene Aufnahmen verwendet werden können, um den Charakter zu formen und die Emotionen zu verstärken, anstatt einfach nur die harte Arbeit selbst zu machen, hat mich Ultravox‘ strenges, elegisches „Vienna“ am meisten bewegt.

Der Song untermalt die ersten Minuten der letzten Episode der Staffel, ein kniffligeres Unterfangen, als es klingt. Die umgekehrte Erzählstruktur von Versace beginnt damit, dass Cunanan den Designer Gianni Versace (Édgar Ramírez) erschießt, und arbeitet sich dann rückwärts durch seine anderen Morde und tief in seine schwierige Kindheit vor, bevor er für das Finale zu diesem schicksalhaften Tag zurückkehrt. Während die Sängerin Midge Ure über minimalen Synthesizern „We walked in the cold air“ singt, läuft Andrew durch die Straßen von Miami Beach zu Versaces Villa, um ihn erneut zu töten. Ures leidenschaftlich wiederholte Zeile „This means nothing to me“ begleitet Andrew auf dem Weg zu Versace, den Arm ausgestreckt, die Waffe in der Hand. Der wehmütige Refrain von „Ah, Vienna“, eine Lobeshymne auf die verlorenen glücklichen Tage der europäischen Hochkultur, bevor zwei Weltkriege ihre Illusion endgültig zerstörten, folgt Versace auf den Boden.

Nach einem markanten Schnitt auf die nächtliche Skyline von Miami, der mit der Einführung der Synthesizer-Basslinie des Songs korrespondiert, spielt sich der Rest des Stücks über Andrews pathetische, isolierte Feier seines Werks ab, bei der er Champagner trinkt und Nachrichtenberichte über den Mord in einem Haus sieht, in das er eingebrochen ist. Die selbstmythologisierende Erhabenheit, der romantisierte Nihilismus, die Klage über eine gefallene Welt, die nie wieder erlebt werden kann: Es ist alles da, sowohl in Cunanan als auch in dem Lied, das seine letzten Stunden auf Erden einläutet.

3. The Americans: „We Do What We’re Told (Milgram’s 37)“ von Peter Gabriel

Peter Gabriel war einer der Lieblingskünstler von The Americans, und das aus gutem Grund. Zwischen seiner Zeit als blumenkostümierter Frontmann von Genesis und seinen 80er-Pop-Hits wie „Sledgehammer“ hat der rastlose englische Art-Rocker eine Fülle von Songs aufgenommen, die sich … irgendwie unausgeglichen anfühlen, als ob ein Lautsprecher kaputt ist oder man sie mit der falschen Geschwindigkeit abspielt. Diese strengen New-Wave-Klänge passen perfekt zum Leben von Philip und Elizabeth Jennings, Geschöpfe des Kalten Krieges, die in dem Land, das sie adoptiert/unterwandert haben, nie zu Hause sind, aber durch die Erfahrung so verändert wurden, dass ihnen die Methoden ihrer Herren in der Sowjetunion immer mehr fremd werden. Entfremdende Musik macht Sinn.

Deshalb habe ich „We Do What We’re Told“ anstelle von U2’s hochfliegendem „With or Without You“ als den besten Nadelstich in der betont zurückhaltenden letzten Staffel dieser großartigen Serie gewählt. Einen gigantisch kraftvollen Song mit tonnenweise bereits vorhandenem emotionalem und kulturellem Gewicht für den Schlüsselmoment der gesamten Serie zu verwenden – und ihn dabei auch noch abgehackt zu verlängern, damit er besser zur Länge der Szene passt – wirkt unnötig. (Fragen Sie sich selbst: Wenn es überhaupt keine Musik gegeben hätte, als Paige auf dem Bahnsteig erschien, wäre die Szene dann weniger erschütternd gewesen? Wäre sie noch verheerender?)

Aber Gabriels fremdartig klingende musikalische Meditation über das beunruhigende Milgram-Experiment ist anders. Während man „With or Without You“ von dem Moment an wiedererkennt, in dem man die einleitenden Keyboardklänge von Brian Eno hört, kann sich „We Do What We’re Told“ fast unmerklich in die Szene einschleichen, als ob man leise hören würde, was in Elizabeth Jennings‘ Kopf vorgeht. Als sie die Anweisungen für ihre bisher moralisch kompromittierendste Mission erhält – sie wurde von einem abtrünnigen Flügel des sowjetischen Militärs gebeten, die Friedensgespräche zu vereiteln und Selbstmord zu begehen, falls sie von einer der beiden Seiten des Kalten Krieges kompromittiert wird -, liest sich Gabriels Wiederholung von „Wir tun, was uns gesagt wird“ sowohl wie eine fade Tatsachenbehauptung als auch wie ein schmerzlicher Schmerzensschrei. Das ist die Stelle, an die ich mich erinnere, die zusammenfasst, worum es in dieser Serie letztlich geht: den Preis, den wir zahlen, wenn wir Ideen gegen Ideale eintauschen.

2. Billions: „Street Punks“ von Vince Staples

Im Gegensatz zu fast jeder anderen Serie auf dieser Liste sind große, wiedererkennbare Songs beim Soundtrack von Billions die Ausnahme, nicht die Regel. Mit einer Herangehensweise, die weniger an ein Jukebox-Musical als an Quentin Tarantinos „Wundertüte“ der Pop-Rock-Geschichte erinnert, tendiert die Serie zu Songs, die nicht mit der Mainstream-Kultur assoziiert werden. Sie werden ausgewählt, weil sie zur Botschaft einer Szene passen, anstatt diese Botschaft selbst zu transportieren.

Das beste Beispiel für diese Strategie ist die Verwendung von Vince Staples‘ atmosphärischem, stampfendem „Street Punks“ in der Serie. Als wir den Song zum ersten Mal hören, ist nicht klar, was wir hören, als der Hedgefonds-König Bobby Axelrod (Damian Lewis) und seine gerissene rechte Hand Mike „Wags“ Wagner (David Costabile) mit einem Aufzug von dem Treffen nach unten fahren, bei dem sie seine jüngste knappe Flucht vor dem Gesetz bestätigt haben. Bald ist klar, dass wir einen fetten Hip-Hop-Beat hören, und die beiden Männer beginnen zu lächeln. Die Fahrstuhltüren öffnen sich, und Bobby taucht in eine Überraschungsparty ein, die Wags ihm zu Ehren schmeißt – und bei der jeder Gast, außer ihnen, eine absolut umwerfende Frau ist.

Zu diesem Zeitpunkt ist Staples‘ Song nur noch ein Hintergrundgeräusch, etwas, das die Serie lizenziert hat, weil sie einen Party-Jam brauchte. Sicherlich hört Bobby das auch so, denn er fängt an, Drinks zu kippen und sich durch die Menge zu schlängeln, wobei er sich langsam nackt auszieht. Am Ende steigt er mit drei ebenso nackten Frauen in einen Whirlpool. Das Ganze ist so schäbig, so ein Porträt der Art und Weise, wie reiche und mächtige Männer die ganze Welt und jeden in ihr zur Ware machen können, dass man praktisch erwartet, dass Mel Brooks in einem historischen Kostüm auftaucht und in die Kamera sagt: „Es ist gut, der König zu sein“.

Aber als Bobby tiefer in das sprudelnde Wasser eintaucht, ändert sich etwas. Der Text des Liedes, in dem ein beliebiger Verlierer beschimpft wird, weil er sich wie eine große Nummer aufführt, obwohl er in Wirklichkeit nur ein betrügerischer Niemand ist, scheint Axe die gute Laune zu verderben. Verdient nicht auch er seinen Lebensunterhalt mit Lügen? Der Bass, einst fröhlich, klingt jetzt klaustrophobisch. Die Party wird vom Bacchanal zum Inferno. Als die Fröhlichkeit aus Bobbys Gesicht verschwindet, schaltet die Show auf Schwarz, so dass das düstere Instrumental-Outro des Songs das letzte Wort der Episode ist. Die Szene nimmt die Energie des Liedes auf, das Lied gewinnt an Aktualität durch die Szene. Es ist eine perfekte Verbindung von Sound und Vision.

1. Joe Pera Talks With You: „Baba O’Riley“ von The Who

Normalerweise würde ich es als einen Akt des Trollens betrachten, die obskurste Auswahl in einer Liste auf Platz 1 zu setzen. Vielleicht tun Sie das auch. Wenn ja, beschwöre ich Sie: Hören Sie auf, dies zu lesen, und sehen Sie sich diese 11-minütige Folge der Serie Adult Swim des verblüffend sanftmütigen Komikers Joe Pera an. Wer trollt jetzt?

Joe Pera Talks With You folgt den alltäglichen Missgeschicken von Peras gleichnamiger Figur, einem Kleinstadt-Musiklehrer, aber das müssen Sie kaum wissen. Diese besondere Episode, „Joe Pera liest Ihnen die Kirchenankündigungen vor“, beginnt damit, dass er zum Altar geht, um das wöchentliche Gemeindeblatt zu lesen, aber auch das müssen Sie nicht wissen: Er hat wichtigere Dinge im Kopf. Er hat gerade „Baba O’Reilly“ gehört, die Who-Hymne, die der Welt nach ihrem wiederholten Refrain als „Teenage Wasteland“ bekannt ist, und bei Gott, er wird es der Welt erzählen.

Joes Erfahrung mit dem Who-Song ist zum großen Teil zum Lachen. Es ist witzig, dass er einen der meistgespielten Rocksongs aller Zeiten noch nie gehört hat. Es ist witzig, dass er ständig Radiosender anruft, um sie zu bitten, den Song zu spielen, anstatt ihn nur auf seinem Computer zu hören. Es ist witzig, dass er einen CD-Player in seinem Auto installiert hat, damit er ihn immer wieder hören kann. Es ist witzig, dass er den Song einsetzt, um mit allen abzurocken, vom Pizzaboten (den er einlädt, mit ihm zu jammen) über seinen Dachshund (der etwas von der Pizza frisst) bis hin zu seiner Oma (während sie den Weihnachtsbaum der Familie schmücken) und schließlich der Kirchengemeinde (die unerwartet mitsingt, aber auf die halb gemurmelte Art, die jedem vertraut ist, der sich per Autopilot durch einen katholischen Vorstadtgottesdienst bewegt hat). Es ist witzig, dass er am Ende irgendwie mit den Achseln zuckt, wenn das Geigensolo des Liedes seinen Höhepunkt erreicht, und dass er dann mit seinem Auto hoffnungslos im Schnee stecken bleibt, während das Lied immer wieder durch seine Fenster ertönt.

Aber ich sage Ihnen, was überhaupt nicht witzig ist: der Moment, in dem das Lied Joe zum ersten Mal ins Herz trifft. Es passiert, als er gerade den Abwasch macht und nicht in der Lage ist, den Radiosender zu wechseln, auf dem gerade ein klassischer Rocksender läuft. Er will gerade eine Schüssel in den Geschirrspüler stellen, als seine Hand in der Luft erstarrt – der erste Klavierakkord des Intros des Liedes wurde gerade angeschlagen, und er wurde durch seine Kraft bewegungsunfähig gemacht. In den nächsten ein oder zwei Minuten sehen wir, wie er sich in einen Song verliebt. Er wippt mit dem Kopf im Rhythmus. Er grinst vor lauter Freude über den Text. Er reagiert auf jede neue Note, als hätte er ein Tor zu einer anderen Dimension entdeckt.

Das habe ich auch schon erlebt, weißt du? Als ich das erste Mal David Bowies „Low“ hörte, war ich gerade dabei, mein Zimmer aufzuräumen, aber als es bei „A New Career in a New Town“ losging, blieb ich stehen, setzte mich hin und starrte den Rest des Albums wie gebannt auf meinen CD-Player. Als ich zum ersten Mal Lady Gagas „Bad Romance“ mit dem dazugehörigen Video hörte, fielen mir die Augen aus dem Kopf, und jede neue Wendung entlockte mir ein hörbares Aufatmen, während ich in meinem Bürostuhl saß und von der schieren Kühnheit des Ganzen fast berauscht war. Als ich das erste Mal das einminütige Outro von My Bloody Valentine’s „To Here Knows When“ auf ihrer Tremolo EP hörte, eine andere Version als die auf ihrem Album Loveless, war ich von seiner Schönheit so überwältigt, dass ich mich buchstäblich an die Wand des Flurs lehnen musste, den ich gerade entlangging, um mich abzustützen. Die Musik hat mich so tief beeindruckt, dass ich fast ohnmächtig geworden wäre.

Vielleicht ist das ein extremes Beispiel im Vergleich zu denen aus Ihrem eigenen Leben, vielleicht aber auch nicht. Aber sicher haben auch Sie das schon erlebt, oder eine Annäherung daran. Du hast diesen Entdeckungsprozess durchgemacht, bei dem du nach ein paar Tönen verblüfft bist, wie gut ein Song sein kann, und bei dem du weißt, dass er jetzt für immer ein Teil deines Lebens sein wird. Eine alberne Live-Action-Komödie von Adult Swim vermittelte dieses Gefühl, diesen wertvollen Erfahrungsaustausch zwischen Künstler und Publikum, so gut, wie ich es mir nur vorstellen kann.