De 10 bedste musikalske tv-øjeblikke i 2018

Du skal ikke græde, du skal ikke løfte øjnene, det er kun årets bedste musikcues. Og som i de foregående år er der en pinlig rigdom at vælge imellem. Det er helt sikkert, at lyden fra 80’erne fortsat er tv’s hovedafgrøde, når det gælder om at bruge allerede eksisterende pop- og rocksange til at supplere, kommentere og forstærke handlingen på skærmen: Pose, Narcos: Mexico, The Americans og The Assassination of Gianni Versace indeholder næsten intet andet. Alligevel er deres tilgange lige så varierede som deres stilarter og emner, og når man inddrager andre epoker og genrer, åbnes lydbilledet enormt op. Der er mere i et godt musikcue end at synkronisere en god sang med en vigtig scene: Ideelt set kan sangen sætte ord og musik på det, som karaktererne og den verden, der omgiver dem, ikke helt kan udtrykke selv. Det er trods alt det, musikken gør for os alle sammen – hvorfor skulle det være anderledes for fiktive figurer? Her er de ti bedste øjeblikke fra et år med tv-musik, der hører hjemme på alles playliste.

10. Westworld: “Do the Strand” af Roxy Music

Få serier har været så skyldige i misbrug af musikcue som Westworld. Jonathan Nolan og Lisa Joy’s ledende og labyrintiske sci-fi-parabel har foldet en hel Spotify-playliste af klassiske alt-ish rocknumre ind i sin fortælling via instrumentale arrangementer af komponisten Ramin Djawadi. Lyt til hans bedste arbejde på Game of Thrones, og det er smerteligt klart, at han kan gøre meget bedre end spiller-piano Radiohead eller japanofile remixer af Wu-Tang Clans “C.R.E.A.M.” eller hvad ved jeg.

Det er det, der gør Westworlds in-world-krængning af Roxy Music’s ustyrlige hit “Do the Strand” fra 1973 så bemærkelsesværdigt. James Delos (Peter Mullan), den skotske grundlægger af forlystelsesparken Westworld (og, uden at han ved det, et af dens centrale eksperimenter med kunstig intelligens), blæser glamrockens svar på Led Zeppelins “Immigrant Song” på fuld volumen, og det lyder lige så uventet i seriens dystre sanglandskab, som Delos’ “dans som om ingen ser på” adfærd ser ud. Alligevel passer Bryan Ferrys hedonistiske lyriske løfte om den næste store ting – “There’s a new sensation, a fabulous creation” – og Brian Enos retro-futuristiske floromener som bandets interne effektmand til Westworlds temaer, som om de blev udviklet i et laboratorium til at gøre netop det.

9. Narcos: Mexico: “Karma Chameleon” af Culture Club

Den store styrke i Narcos-franchisen, der nu foreligger i reboot/relaunch/antologi-serie-format som Narcos: Mexico, er også dens største svaghed. Med sin voice-over-fortælling og sin “hvordan-så-skal-det-blive-gjort”-fortælling om det indre arbejde i de organiserede kriminelle organisationer, som serien beskriver, opnår den en tvangsmæssig seværdighed, der svarer til at afspille åbningsrullerne af GoodFellas og Casino igen og igen i ti afsnit. Men ligesom disse film ikke ville have fungeret, hvis de kun havde forklaret, hvordan man røver lufthavne eller opdager kortsnydere, mister Narcos noget, når den ubarmhjertigt fører os gennem de forskellige narkokongers opstigning og fald fra Colombia til Mexico. Når man kommer fra punkt A til punkt B, er der sjældent plads til punkt 17 – de idiosynkratiske afstikkere, detaljer og fortællemæssige filigraner, der er med til at give karakterer og den verden, de lever i, mere fylde.

Men der er få problemer, som en lille Boy George ikke kan løse, selv for de fyre, der er ansvarlige for det største marihuana-kartel i menneskets historie. Rafa Caro Quintero (Tenoch Huerta), det impulsive botaniske geni, der er ansvarlig for Guadalajara-kartellets hidtil usete hashproduktion, og Don Neto (Joaquín Cosio), den avunkulære underboss af den gamle skole, der hjalp Rafa og hans ambitiøse partner Félix Gallardo (Diego Luna) med at give dem legitimitet i deres tidlige dage, befinder sig i et sikkert hus efter deres seneste fejltagelse med kun kokain og Don Netos spritnye cd-afspiller som selskab.

Som to af de mest eftersøgte mænd i Nordamerika, der er helt vildt fulde og svimlende, tester de den nye teknologis modstandsdygtighed over for at springe over, når den bliver rystet – i modsætning til vinylplader – ved at hoppe op og ned, danse rundt og skrige lykkeligt til hinanden, mens de groover til lyden af en transvestit engelsk mands smertefuldt smukke kærlighedssang til sit bands dengang lukkede trommeslager. Deres entusiasme er smittende, så meget, at Rafas morsomme rocknørdede modargument om, at de små små cd’er vil være dødsstødet for albumcoverets kunst, knap nok ødelægger festen. Midt i alle lovbryderne, pistolerne og pengene lyder dette rabiate musikalske intermezzo.

8. The Looming Tower: “Wahhabi” af Biz

Er The Looming Tower et særligt godt show? Nej, egentlig ikke. Journalisten Lawrence Wrights bestseller om, hvordan de amerikanske efterretningstjenester og de politikere, der fører tilsyn med dem, ikke formåede at stoppe Al Qaedas 9/11-angreb på trods af et halvt hundrede muligheder for at gøre det, kan bare ikke oversættes til prestigefyldt tv-miniserieformat, uanset hvor meget man end spiller på Jeff Daniels’ karakterens komplicerede sexliv. Men man behøver ikke en god serie eller endda en særlig innovativ scene for at have et godt musikcue. Nogle gange skal man bare grave en banger frem og lade den spille.

Det er, hvad der sker, når World-music/trap-hybrid “Wahhabi” af Biz rammer. Overlejret på en scene med forskellige Al Qaeda-koryfæer, der hilser på hinanden i en træningslejr i Afghanistan, får den dem til at ligne de glorificerede gangstere, de i virkeligheden er. Når en af de overlevende bombemænd fra den amerikanske ambassade i Nairobi blander sig i mængden af sårede og vakler væk for at få hjælp, får det hans situation til at virke vovet og desperat. Når den bruges som baggrundsmusik til FBI’s arabisktalende stjerneagent Ali Soufan, får den ham til at virke som en cool slo-mo-gangende badass. Den fungerer endda som soundtrack til en sexscene med Jeff Daniels.

Med et amerikansk beat, instrumentale samples fra Aserbajdsjan og samplede stemmer, der synger om en ekstremistisk islamisk sekt og Iraks hovedstad – loopet og klippet hurtigt, så det ikke ligner noget så meget som DJ Kools “Let Me Clear My Throat” – føles sangen i sig selv som en globetrottende hemmelig agent. Et underligt match til en serie, der ender med tusinder og atter tusinder af døde mennesker og starten på vores evighedskrig? Måske. Men når en sang går så hårdt til den, kan meget tilgives.

7. Pose: “In My House” af Mary Jane Girls

“Det bitre kommer bedre frem på en stjålet guitar.” Da David Bowie sang disse ord i “Hang On to Yourself” i sin kønsforvrængede Ziggy Stardust-fase, var han på sporet af noget. (Var han ikke altid det?) Der er intet bedre end at svindle den kultur, der har holdt en nede, for at give modkulturel kunst en vis styrke: Spørg bare de unge musikere, der senere dannede Sex Pistols, som legendarisk nok tog Bowies ord til sig og stjal hans udstyr.

Pose, superproduceren Ryan Murphys inderlige hyldest til boldkulturen, argumenterer for tyveri som praksis i en smuk, kuglerig sekvens til Mary Jane Girls’ “In My House”. Elektra Abundance (Dominique Jackson) griber en idé fra sin fremtidige rival Blanca Rodriguez-Evangelista (Mj Rodriguez) og fører medlemmerne af sit hus (forstår du det?) ind på et museum, der er fyldt til bristepunktet med uvurderlige kulturelle artefakter fra hele verden. Efter at have stirret med længselsfuld genkendelse på buster og statuer fra den afrikansk-egyptiske oldtid – naturligvis plyndret i løbet af århundreders invasion af hvide europæere – gemmer Moder Elektra og hendes “børn” sig for vagterne, mens lyset slukkes og museet lukker ned for dagen.

Når kysten er klar, vender House of Abundance om og dukker op igen for at frarøve fælleskabet alle de umulige luksuriøse kostumer og tøj fra de europæiske hoffer, som de kan bære. De bliver kortvarigt forhindret af museets låste døre; “Jeg ser for godt ud til ikke at blive set!” Elektra proklamerer, før hun smadrer glasset og stikker af. De ser alle sammen så pokkers godt ud under det efterfølgende bal, at det er som om tøjet var skabt til dem.

Hvilket det på en måde også var. Selvfølgelig giver Mary Jane-pigernes kurrende komme-om-gås-pigerne et tidstypisk soundtrack til fjollerne, men de er også en bekræftelse af kommando og kontrol, som det er umuligt at ignorere. Ved at plyndre plyndrerne, Elektra, har Blanca & Co. gjort museet til deres hus. De har måske ikke den kulturelle, politiske, racemæssige eller seksuelle indflydelse, som de gamle konger og dronninger havde, men deres arbejde er lige så gyldigt og vitalt, deres sans for glamour og kunstnerisk sans er lige så relevant som alt, hvad der er udstillet af de store mestre eller deres rige og magtfulde mæcener. De forvandler MJG’s sexede sang til en uafhængighedserklæring.

6. Better Call Saul: “Big Rock Candy Mountain” af Burl Ives

Ligevel som Breaking Bad før den er Better Call Saul berømt for sine musikalske montager, måske mere end nogen anden serie. I denne sæson var der flere, herunder en vidunderligt ironisk split-screen-skildring af den skæve advokat Jimmy McGill og hans mere stringente partner Kim Wexler, der langsomt glider fra hinanden, til et cover af Frank og Nancy Sinatras jam “Something Stupid” af Lola Marsh, som fik alle tv-kritikere på jorden til at synge dens lovprisninger (og dens sangtekst).

For mig er der et langt mere rørende musikalsk valg, som indkapsler det trætte og sårede hjerte i Sauls hidtil mest dystre sæson. Mens Mike Ehrmantraut (Jonathan Banks), den stenansigtede kartelfixer Mike Ehrmantraut, den venlige tyske arkitekt Werner Ziegler (Rainer Bock) og deres byggehold rejser under jorden for at arbejde på det underjordiske meth-laboratorium, der en dag vil blive Walter White & Co.’s arbejdsplads, synger Burl Ives “Big Rock Candy Mountain” lige så blidt som en vuggevise. Ives’ ode til et paradis for “hobos” – et land, hvor sprut, cigaretter og slik vokser på træerne, og hvor politiet, jernbanetyrene og vagthundene, der overfalder og chikanerer dem for den forbrydelse at være fattige og hjemløse, er fuldstændig magtesløse – lyder som en drøm, der går i opfyldelse, og som leveres i den bløde, varme tone, der gjorde Ives til en generation af fortællere i Rankin-Bass’ julespecial Rudolph the Red-Nosed Reindeer.

Men en drøm er alt, hvad det er – en ønskedrøm, en drøm, der aldrig vil gå i opfyldelse. Og i forbindelse med det huleagtige, ufærdige meth-laboratorium, som vil føre utallige karakterer direkte eller indirekte i døden, er det skarpt smertefuldt at høre. Hvis bare Mike og Werner kunne have lyttet.

5. Atlanta: “Evil” af Stevie Wonder

Der er noget, der taler for at slå et publikum i ansigtet og derefter synge dem blidt i søvn, mens de falder sammen. Reservoir Dogs fik dette tilbage i tiden, da den fulgte sit klimatiske blodbad med det blide akustiske klimpring og det barnlige lyriske nonsens fra Harry Nilssons “Coconut”. Hereditary fik det i år, da den afsluttede sin skrigende og rystende saga om galskab og manipulation med Judy Collins’ engleagtige “Both Sides Now.”

Og Atlanta fik det også i år, da den i slutningen af sin skræmmende episode “Teddy Perkins”, som var helt ude af den blå luft, viste sit chokerede publikum til udgangene til de sørgmodige toner af Stevie Wonders “Evil”. På det tidspunkt havde vi set afsnittets hovedperson, Darius (Lakeith Stanfield), undslippe med nød og næppe den uhyggelige titelperson, en mand, der er forvansket af årtiers misbrug, jalousi og selvhad, mens hans families formuer i musikindustrien steg og faldt. I hele afsnittet er der mange referencer til rædsler, både filmiske (Whatever Happened to Baby Jane?, Get Out) og alt for virkelige (Joe Jacksons tyranniske styre over sine talentfulde børn, mordet på Marvin Gaye af hans egen far).

Som Darius alene i et hus befolket af galninge, efterlades vi med en følelse af at drive rundt i … ja, ondskab, storslået og uundgåelig og uundgåelig. Det får Wonders sang til at føles mindre som en genbrugt klassiker og mere som en helt ny rumination over begivenhederne i selve episoden og over alt det i den virkelige verden, som dette mørke eventyr blev skabt til at repræsentere.

4. The Assassination of Gianni Versace: American Crime Story: “Vienna” af Ultravox

Lige Pose, den anden Ryan Murphy-serie på denne liste, har “The Assassination of Gianni Versace” fået et væld af pophits – mest fra 80’erne, som spree-morderen Andrew Cunanan (Darren Criss) tydeligvis betragtede som sin storhedstid – til at fortælle sin ofte skræmmende og altid dybt sørgelige, sande historie. Den var så forbandet god til dette, at jeg kunne have valgt et hvilket som helst antal andre cues og have været helt tilfreds med valget: Andrew kommer til en gymnasiefest (hvortil han var blevet kørt af sin midaldrende sugar daddy) i fuld Eddie Murphy-rødlæderregalier til Devos “Whip It”; Andrew danser i undertøj, mens han truer en uarbejdsdygtig klient i sin strandhustlerfase til Philip Bailey og Phil Collins’ “Easy Lover”; Andrew fejrer sin nyfundne berømmelse efter sit fjerde drab ved at stikke hovedet ud af vinduet på sin stjålne lastbil og synge dårligt med på Laura Branigans “Gloria”.”

Men selv om alle disse musikalske øjeblikke, især “Gloria”-sangen, er eksempler på, hvordan man kan bruge fundne optagelser til at opbygge karakterer og øge følelserne i stedet for blot at gøre det hårde arbejde selv, er Ultravox’ strenge, elegiske “Vienna” den sang, der rørte mig mest.

Sangen er soundtracket til de første minutter af sæsonens sidste afsnit, hvilket er en mere vanskelig opgave, end det lyder. Versaces omvendte fortællestruktur startede med, at Cunanan skød designeren Gianni Versace (Édgar Ramírez) ned og arbejdede sig derefter baglæns gennem hans andre mord og dybt ind i hans urolige barndom, før den vendte tilbage til den skæbnesvangre dag i finalen. Så mens sangerinden Midge Ure kurrer “We walked in the cold air” over minimale synths, går Andrew gennem Miami Beachs gader mod Versaces palæ for at dræbe ham igen og igen. Ure’s lidenskabelige, gentagne linje “This means nothing to me” ledsager Andrew, der marcherer mod Versace med udstrakt arm og pistol i hånden. Det sørgmodige omkvæd af “Ah, Vienna”, en lovprisning af den europæiske højkultur, før to verdenskrige ødelagde dens illusioner for altid, følger Versace til jorden.

Efter et slående klip til Miamis skyline om natten, der svarer til introduktionen af sangens synthbas, udspiller resten af nummeret sig over Andrews patetiske, isolerede fejring af sit håndværk, hvor han drikker champagne og ser nyhedsrapporter om drabet inde i et hus, han brød ind i. Den selvmytologiserende storhed, den romantiserede nihilisme, klagesangen over en falden verden, der aldrig mere vil blive oplevet: Det er alt sammen lige der, både i Cunanan og i den sang, der indleder hans sidste timer på jorden.

3. Amerikanerne: “We Do What We’re Told (Milgram’s 37)” af Peter Gabriel

Peter Gabriel var en af The Americans’ foretrukne kunstnere, og det var der en god grund til. Mellem hans tid som den blomsterklædte frontmand for Genesis og hans store 80’er-pophits som “Sledgehammer” indspillede den rastløse engelske art-rocker et væld af sange, der på en eller anden måde føles … ude af balance, som om en højttaler er gået i stå, eller som om du spiller dem med lidt forkert hastighed. Disse strenge New Wave-lyde er et perfekt akkompagnement til Philip og Elizabeth Jennings’ liv, skabninger fra den kolde krig, der aldrig føler sig hjemme i det land, de har adopteret/infiltreret, men som alligevel er blevet ændret nok af oplevelsen til at gøre metoderne fra deres herrer i Sovjetunionen stadig mere fremmedgørende for dem. Fremmedgørende musik giver mening.

Det er derfor, at jeg har valgt “We Do What We’re Told” frem for U2’s svævende “With or Without You” som den bedste nåledråbe i denne store seriens pointerede, afdæmpede sidste sæson. Det føles unødvendigt at bruge en gigantisk kraftfuld sang med tonsvis af allerede eksisterende følelsesmæssig og kulturel tyngde til det afgørende øjeblik i hele serien – og at forlænge den så den passer bedre til scenens længde, mens man er i gang – føles unødvendigt. (Spørg dig selv: Hvis der slet ikke havde været musik, da Paige dukkede op på den togperron, ville scenen så være mindre ødelæggende? Ville den være mere ødelæggende?)

Men Gabriels alien-lydende musikalske meditation over det foruroligende Milgram-eksperiment er anderledes. Mens “With or Without You” er genkendelig fra det øjeblik, man hører de indledende Brian Eno-keyboard-flimmer, kan “We Do What We’re Told” snige sig ind på scenen næsten umærkeligt, som om man svagt hører, hvad der er inde i Elizabeth Jennings’ hoved. Da hun modtager instrukserne til sin hidtil mest moralsk kompromitterende mission – hun er blevet bedt af en slyngelfløj af det sovjetiske militær om at forpurre fredsforhandlinger og begå selvmord, hvis den ene eller den anden side af den kolde krig kommer i fare – lyder Gabriels gentagelse af “we do what we’re told” både som en kedelig konstatering af fakta og som et smertefuldt cri de coeur. Det er den, jeg husker, den, der opsummerer det, som denne serie i sidste ende handler om: den pris, vi betaler, når vi bytter ideer ud med idealer.

2. Milliarder: “Street Punks” af Vince Staples

I modsætning til næsten alle andre serier på denne liste er store genkendelige sange undtagelsen på Billions’ soundtrack, ikke reglen. Med en tilgang, der minder mindre om en smadret jukebox-musical og mere om Quentin Tarantinos grab-bag-tilgang til pop-rock-historien, tenderer showet mod sange uden forudgående mainstream kulturelle associationer, der vælges, fordi de passer til en scenes budskab i stedet for at være afhængige af at formidle dette budskab selv.

Showets brug af Vince Staples’ atmosfæriske, dunkende “Street Punks” er det bedste eksempel på denne strategi. Da vi første gang hører sangen, ja, så er det ikke klart, hvad vi hører, da hedgefondkongen Bobby Axelrod (Damian Lewis) og hans snu højre hånd Mike “Wags” Wagner (David Costabile) kører en elevator nedad fra det møde, hvor de bekræftede hans seneste snævre flugt fra loven. Snart er det tydeligt, at vi hører et stort hiphop-beat, og de to mænd begynder at smile. Elevatordørene åbner sig, og Bobby kommer ud til en overraskelsesfest, som Wags har holdt til hans ære – hvor alle gæsterne, bortset fra dem selv, er absolut smukke kvinder.

På dette tidspunkt er Staples’ sang bare så meget baggrundsstøj, noget, som serien har givet licens til, fordi den havde brug for en partyjam. Det er helt sikkert sådan Bobby hører den, da han begynder at skænke drinks tilbage og sno sig gennem mængden og langsomt smider tøjet, mens han gør det. Han ender med at kravle op i et spabad med tre lige så nøgne kvinder. Det hele er så sleazy, et portræt af, hvordan rige og magtfulde mænd kan gøre hele verden og alle i den til en vare, at man nærmest forventer, at Mel Brooks dukker op i et tidstypisk kostume og siger “Det er godt at være konge” til kameraet.

Men da Bobby synker dybere ned i det boblende vand, ændrer noget sig. Sangens tekst, der skælder en tilfældig taber ud for at opføre sig som en stor sag, når han i virkeligheden bare er et bedragerisk nul, synes at æde sig ind på Axes gode tid. Lever han ikke også af løgne? Bassen, der engang var munter, lyder nu klaustrofobisk. Festen går fra bacchanal til inferno. Da glæden forlader Bobbys ansigt fuldstændigt, klipper showet til sort og lader sangens dystre instrumentale outro være afsnittets sidste ord. Scenen henter energi fra sangen, og sangen får valuta fra scenen. Det er et perfekt ægteskab mellem lyd og vision.

1. Joe Pera taler med dig: “Baba O’Riley” af The Who

Normalt ville jeg betragte det som trolling at placere det mest obskure valg på en liste på førstepladsen. Det gør du måske også. Hvis det er tilfældet, beder jeg dig om det: Hold op med at læse dette lige nu og se dette 11-minutters afsnit af den sindssygt milde komiker Joe Peras Adult Swim-serie. Hvem troller nu?

Joe Pera Talks With You følger de banale uheld, som Peras navnkundige karakter, en musiklærer fra en lille by, har været ude for, men det behøver du næppe at vide. Denne episode, “Joe Pera Reads You the Church Announcements”, begynder med, at han nærmer sig alteret for at læse det ugentlige kirkeblad, men det behøver du heller ikke at vide: Han har større ting i tankerne. Han har lige hørt “Baba O’Reilly”, Who-hymnen, som verden kender som “Teenage Wasteland” efter dens gentagne omkvæd, og ved Gud, han har tænkt sig at fortælle det til hele verden.

Joe’s oplevelse med Who-sangen er i vid udstrækning spillet for sjov. Det er sjovt, at han aldrig har hørt en af de mest overspillede rocksange gennem tiderne. Det er sjovt, at han bliver ved med at ringe til radiostationer for at bede dem spille den i stedet for bare at lytte til den på sin computer. Det er sjovt, at han har en dårlig cd-afspiller installeret i sin bil, så han kan lytte til den igen og igen. Det er sjovt, at han bruger sangen til at rocke med alle fra pizzabuddet (som han inviterer ind for at jamme med ham) til sin bassethound (som spiser noget af pizzaen) til sin bedstemor (mens de pynter familiens juletræ, ikke mindst) og til sidst kirkens menighed (som uventet synger med, men på den halvt mumlede måde, som alle, der har autopiloteret sig gennem en katolsk gudstjeneste i en forstadskatolsk kirke, kender, kan lide). Det er morsomt, at han ender med at trække på skuldrene over sangens klimatiske violinsolo og derefter får sin bil til at sidde håbløst fast i sneen, alt imens sangen bliver ved med at spille hørbart gennem hans vinduer.

Men jeg vil fortælle dig, hvad der slet ikke er sjovt: det øjeblik, hvor sangen først rammer Joe i hjertet. Det sker, da han er i gang med at vaske op, så han er ude af stand til at skifte radiokanal fra den klassiske rockstation, som den er på i øjeblikket. Han er ved at sætte en skål i opvaskemaskinen, da hans hånd stopper op, fastfrosset i luften – den første klaverakkord i sangens intro er lige blevet slået an, og han er blevet gjort ubevægelig af dens kraft. Og vi bruger det næste minut eller to på at se ham blive forelsket i en sang. Han vugger med hovedet til rytmen. Han griner af ren og skær glæde over teksten. Han reagerer på hver ny tone, som om han har opdaget en portal til en anden dimension.

Jeg har været der, ved du? Første gang jeg lyttede til David Bowies Low, var jeg ved at gøre rent på mit værelse, men da den kom til “A New Career in a New Town”, stoppede jeg op, satte mig ned og stirrede bare på min cd-afspiller resten af albummet, fuldstændig forblændet. Første gang jeg hørte Lady Gagas “Bad Romance” med tilhørende video, fik jeg øjnene til at springe ud af hovedet, og hver ny drejning og vending udløste et hørbart gisp af forundring, mens jeg sad i min kontorstol og næsten var beruset af den blotte vovemodighed. Første gang jeg hørte den minutlange outro af My Bloody Valentines “To Here Knows When” på deres Tremolo EP, en anden version end den, der er med på deres album Loveless, blev jeg så imponeret over dens skønhed, at jeg bogstaveligt talt måtte læne mig op ad væggen i den gang, jeg gik i på det tidspunkt, for at støtte mig. Det var musik, der var så dybt kraftfuld for mig, at jeg næsten besvimede.

Måske er det et ekstremt eksempel sammenlignet med dem fra dit eget liv, eller måske ikke. Men du har helt sikkert også følt dette, eller en tilnærmelse til det. Du har gennemgået den der opdagelsesproces, hvor du i løbet af et par toner bare bliver lamslået af, hvor god en sang kan være, og af den forhåndsviden om, at den vil være en del af dit liv nu, for altid. En fjollet live-action komedie fra Adult Swim formidlede denne følelse, denne værdifulde udveksling af erfaringer mellem kunstner og publikum, så godt som jeg kan forestille mig, at det nogensinde er blevet gjort.