Det första du behöver veta om Stella Adler är att hon aldrig var dogmatisk när det gällde en särskild metod eller ett särskilt tillvägagångssätt för att agera. Det ”system” som lärs ut vid Stella Adler Studio of Acting syftar till att ge skådespelare verktygen, träningen och disciplinen för att odla ett hantverk, och ett liv, som gör det möjligt för dig att utnyttja fantasins gränslösa potential när du närmar dig ett manus.
När jag var en ung skådespelare i begynnelseåldern tog jag mig själv till New York under sommaren för att delta i Stella Adler Studio of Acting Summer Conservatory. Detta var en livsavgörande erfarenhet för mig, och den formade för alltid mitt sätt att närma mig skådespeleri. Nedan följer några av de grundläggande principer som jag lärde mig under de värdefulla månader jag var där, tillsammans med några av mina favoritcitat från Stella Adler: The Art of Acting. Detta är en snabb översikt över några av de centrala termer och principer som du kommer att stöta på när du gör din egen forskning om Stella Adler och hennes ”system” för skådespeleri, och det är inte på något sätt en omfattande bedömning av allt som denna underbara kvinna, och den nuvarande studion i hennes namn, har att erbjuda. Jag hoppas att detta kommer att väcka ditt intresse och inleda en otroligt givande resa för att växa som skådespelare och även som människa.
The Stella Adler Acting Method
Awareness
En av de centrala principerna i Stella Adlers ”system” är att ”tillväxt som skådespelare och tillväxt som människa är synonyma”. I huvudsak är denna princip en påminnelse om att skådespelarträning inte existerar i ett vakuum vid sidan av ditt liv, utan att den är ditt liv. Ditt arbete som skådespelare kommer från ditt förhållande till livet – din kontakt med mänskligheten och naturen, ditt förhållande till dig själv och ditt förhållande till andra. Men vi kan bara lära oss av livet om vi arbetar med vår medvetenhet om det.
Arbete med medvetenhet håller dig närvarande i världen och ber dig att inte göra antaganden eller bedömningar, utan snarare observera världen omkring dig. Men vad är egentligen medvetandearbete? I början av varje Adler Technique-klass ställde vår lärare oss den till synes enkla frågan: ”Vad har du lärt dig?” Som svar berättade vi för våra kamrater något som vi hade lärt oss sedan föregående lektion i ett enkelt uttalande: ett uttalande fritt från bedömningar eller förutfattade antaganden. Detta låter enkelt, men man upptäcker snabbt att man navigerar i världen med en fördunkling av bedömningar. Stella Adlers ”system” uppmuntrar skådespelare att ha storlek och djup förståelse, och bedömning förhindrar storlek. Medvetenhet handlar om att se något för vad det är och inte hur man känner för det, och det gör det möjligt för en skådespelare att arbeta från en plats av förståelse och inte från känslor.
Personalisering
Personalisering handlar om hur man interagerar med sitt eget förflutna, och hur man arbetar utifrån det förflutna för att ge liv åt en karaktär i nuet. Karaktärerna kommer att sakna detaljer som finns i ditt eget liv. Därför är det avgörande att du personifierar den roll du spelar. Det är viktigt att detta skiljer sig från det ”känslomässiga minnesarbete” som används av vissa av Adlers samtida, vilket innebär att du ersätter en karaktärs erfarenheter med dina egna. Adlers tankar om den typen av arbete:
”Numera är mycket av det som kallas skådespeleri inget annat än att hitta sig själv i en karaktär. Det intresserar mig inte. Naturligtvis måste man föra in sin egen erfarenhet i de karaktärer man spelar, men man måste redan från början inse att Hamlet inte var ”en kille som du”.
Istället ber ”systemet” skådespelarna att se på sitt förflutna med medvetenhet (och inte med fördömande) och på något av ett avstånd. Resultatet blir att du för in dig själv och dina tidigare erfarenheter i en roll, snarare än att sätta dig själv i det förflutna för att återuppleva gamla minnen. Genom att göra det håller du dig i nuet; ditt ego lever i det förflutna och i framtiden, och en skådespelare måste stanna i nuet!
Det här är en övning i personalisering som vi ombads göra på The Stella Adler Studio of Acting, och som du också kan hitta i hennes bok:
”Jag vill att du läser Profeten av Kahlil Gibran och att du tar en av hans idéer, parafraserar den, skriver ut den med dina egna ord och sedan kommer tillbaka hit, ställer dig på scenen och ger den till oss.”
Imaginering och givna omständigheter
Snarare än att vara fixerad vid dina egna upplevelser och ditt eget inre liv ber Stella Adler-”systemet” skådespelaren att undersöka manuskriptet med avseende på en karaktärs givna omständigheter. Därefter måste skådespelaren använda sin fantasi för att placera sig själv i dessa givna omständigheter.
”Du måste gå bortom dina egna dyrbara inre erfarenheter nu Din erfarenhet är inte densamma som Hamlets – om du inte också är en kunglig prins av Danmark. Karaktärens sanning finns inte i dig utan i de omständigheter som denna kungliga position medför. Hamlets handling, att bestämma sig för om han ska leva eller dö, måste passa hans omständigheter, inte dina. Din tidigare obeslutsamhet när det gäller vem du ska ta med dig till skolbalen räcker inte.”
Det är här som Stella Adlers ökända fokus på detaljer kommer in i bilden. När man föreställer sig de givna omständigheterna i ett ögonblick räcker det inte att till exempel säga ”de äter middag”. Vad äter de till middag? I vilket rum? Hur ser duken ut? Bestick? Stolarna? Bordet? Även om dessa omständigheter dikteras av pjäsen måste en skådespelare ha en fantasi som kan matcha pjäsens krav: ”Om du behöver ett citronträd men aldrig har sett ett, kommer du att skapa något slags citronträd åt dig själv, och ju mer detaljer du ger det, desto mer kommer du att acceptera att du har sett det”. Ju mer detaljer du kan mata din fantasi med, desto mer kommer du att kunna ”de-fictionalisera fiktionen”.
En övning som jag fick i studion är att välja en person som du har en relation med. Undersök detaljerna i ditt förflutna med denna person och välj en gåva som du vill ge dem i nuet. Denna gåva måste symbolisera kärnan i förhållandet. Teckna den, skriv om den, beskriv den, föreställ dig den tills du kan se den i alla detaljer i ditt huvud. Sedan måste du beskriva denna gåva för en publik. Du kommer att upptäcka att din förmåga att se den själv är direkt kopplad till att publiken tror på dig och kan se den själv.
Justifiering och handlingar
Justifiering är ”varför” allt som din karaktär gör; det är den underliggande orsaken till allt. Till att börja med måste en skådespelare motivera hur han eller hon rör sig i rummet och, vilket är viktigt, av vilken anledning. Eftersom platsens särdrag alltid kommer att vara kopplade till omständigheterna, informeras de val vi gör om hur vi rör oss i rummet av de givna omständigheterna i pjäsen. När vi låter omständigheterna i rummet diktera vad karaktären gör kommer allting att ha en anledning.
I Stella Adlers ”system” är handlingar den metod genom vilken en skådespelare rättfärdigar vad hans karaktär säger; det sätt du spelar din karaktär är genom att spela handlingar. Men vad är handlingar? Enkelt uttryckt är en handling ett verb som din karaktär utför mot en annan karaktär. Stella Adler har blivit berömd för att ha sagt att ”din talang ligger i dina val”; det är här som dessa val, och därmed din talang, verkligen lyser upp. För att utveckla din förmåga som skådespelare måste du bli mycket förtrogen med verb. Om du lär dig bättre verb (verb som ligger utanför ditt nuvarande ordförråd) kommer du att öka din förmåga att skapa specifika handlingar för dina karaktärer. Du kanske undrar varför handlingar alltid är verb. Det är viktigt att handlingar måste vara ”genomförbara”. Och verb, särskilt i gerundiumform, är nästan alltid genomförbara. Stella Adler betonar att en skådespelare kan göra saker som får dig att känna det du behöver känna, men du kan aldrig arbeta tvärtom. Att känna är en biprodukt av att göra, men det bör aldrig vara huvudfokus för en skådespelare. Genom att fokusera på handlingar håller en skådespelare kontakten med andra skådespelare, snarare än att fokusera på sig själv.
Bonus: Stella Adlers filosofiska principer
Mänsklighet
En av de mest otroliga sakerna med Stella Adler var hennes betoning på en skådespelares koppling till den stora världen, och det sociala ansvar som följer med det. Enligt Stella Adler är det avgörande att vara intresserad och engagerad i kultur, historia, politik och samhälle för att vara skådespelare och göra ett arbete som är meningsfullt. Som skådespelare kan vi ofta gå vilse i vår egen lilla värld, full av introspektion och självfokusering. Stella Adler krävde storlek av sina skådespelare, en storlek som bara kan komma från en koppling till mänskligheten.
Oberoende
I en bransch som ofta kan placera skådespelare längst ner i hierarkin uppmuntrade Stella Adler skådespelare att vara oberoende genom att ta med sig sin egen synvinkel och sitt eget uppdrag till sitt arbete som skådespelare. Hon varnade för samhällets tryck på framgång och erbjöd i stället en version av framgång som är självdefinierad; en skådespelare kan bara nå framgång när han eller hon kan tänka själv och sträva efter ett meningsfullt och bra arbete:
”I dag pressar samhällets influenser dig att bli framgångsrik före din tid. De drar ner dig. De har dragit ner er, ni stora, söta, magnifika, unga, potentiella konstnärer. Jag vill att ni ska kunna säga: ”De kan ge mig rollen eller de kan ta ifrån mig rollen. Jag vet att jag är en skådespelerska. Jag vet hur jag ska leva med mitt arbete, oavsett om de ger mig rollen eller inte. Jag vet det utan att de ger mig chansen.”
För mer information om Stella Adler:
Om du är intresserad av att lära dig mer om Stella Adlers ”system” kan jag inte nog rekommendera hennes bok ”Stella Adler: The Art of Acting” sammanställd & redigerad av Howard Kissel, med ett förord av Marlon Brando.