Qu’est-ce que le photomontage – La définition et l’histoire

L’un des aspects les plus importants de la photographie est son image physique. Bien que dans l’ère numérique d’aujourd’hui, il semble que le processus d’impression n’ait de valeur que pour les beaux-arts, les photographes ont expérimenté la physicalité du médium depuis le 19e siècle de nombreuses façons créatives. L’une d’entre elles est le photomontage, révolutionnaire en soi car il a permis aux artistes d’aller au-delà de la quête audacieuse du médium pour représenter la réalité telle qu’elle est. En soi, cette technique offrait des mondes nouveaux, ou du moins réinterprétés sur une plaque photographique, des œuvres d’art qui combinaient plusieurs photographies en une seule afin de favoriser des visions et des idées nouvelles.

Aujourd’hui, nous pouvons parler de l’art du photomontage en version imprimée et numérique, de ses nombreuses possibilités techniques dans ces deux domaines ainsi que des questions éthiques auxquelles il est confronté dans l’art contemporain, mais d’abord, essayons de répondre à la question : qu’est-ce que le photomontage exactement ?

Définir le photomontage : la photographie créative

Par définition, le photomontage est une combinaison de plusieurs prises de vue réunies pour obtenir un effet artistique ou pour montrer plus du sujet que ce qui peut être montré dans une seule œuvre. Les images ont été composées en coupant, collant, arrangeant et superposant deux ou plusieurs photos ou reproductions de photos ensemble, parfois en combinaison avec d’autres matériaux non photographiques tels que du texte ou d’autres formes abstraites. Le processus de création d’une photo collage remonte aux premières tentatives d’impression en chambre noire, lorsque les photographes expérimentaient l’impression par contact direct d’objets placés sur des plaques photographiques, ou des techniques telles que la double exposition et le masquage. Bien sûr, l’art de « monter les photos ensemble » n’implique pas forcément la création de nouvelles images – il peut aussi bien utiliser des tirages trouvés et existants, selon les intentions et les objectifs de l’artiste. Enfin, avec l’avènement des ordinateurs, la nécessité d’avoir des images physiques a complètement disparu, car les exemples actuels d’art du photomontage sont assemblés au sein de logiciels d’édition et ne finissent souvent jamais sous une forme imprimée.

Collage Photo Through History

Peut-être que le photomontage le plus célèbre est apparu au milieu de l’ère victorienne. Alors appelé « impression combinée », il a été créé par Oscar Rejlander, un photographe pionnier qui était l’un des experts en la matière. Sa photo de collage de 1857, The Two Ways of Life, a été suivie en 1858 par Fading Away d’un autre artiste, Henry Peach Robinson. À la fin du siècle, de nombreuses autres œuvres d’art prennent vie, notamment sous la forme de cartes postales à l’aspect amusant qui présentent souvent la mauvaise tête collée sur un autre corps, ou la création de créatures étranges et impossibles. C’est au début de la Première Guerre mondiale que la méthode prend son premier essor, les photographes de toute l’Europe produisant des cartes postales montrant des soldats partant au combat avec leurs proches les accompagnant. Plus spécifiquement, c’est le groupe Dada de Berlin qui l’a développée comme outil de protestation contre la guerre et d’autres questions politiques de l’époque, la transformant en une véritable forme d’art moderne.

Le photomontage des dadaïstes berlinois

Dans un effort collectif, les dadaïstes berlinois ont utilisé des photographies réelles ou des reproductions photographiques pour souligner la destruction et les horreurs de la guerre. Utilisant des ciseaux et de la colle au lieu d’un pinceau traditionnel et se faisant appeler « monteurs » (mécaniciens), les dadaïstes s’appropriaient l’imagerie des médias de masse et créaient une critique acerbe et agressive des événements mondiaux. La grande variété de styles et de méthodes de travail les a aidés à dépeindre des images éveillées de la réalité et à attirer l’attention sur les conséquences étranges de nos propres actes, tout en s’attaquant aux notions et aux règles imposées de la création artistique traditionnelle. L’œuvre phare de cette période est Cut with a Kitchen Knife through the Last Weimar Beer-Belly Cultural Epoch of Germany de Hannah Höch (1919-20), qui, à partir de photos de personnalités telles qu’Albert Einstein et l’artiste allemande Käthe Kollwitz, fait une déclaration originale sur la vie moderne et l’art dans ce mouvement. Les œuvres de John Heartfield, un militant antinazi engagé, ainsi que celles de Kurt Schwitters, Raoul Hausmann et Johannes Baader, ont contribué à la création d’un langage visuel qui a ensuite inspiré un autre mouvement important du 20e siècle.

Une influence mondiale

En tant qu’outil de création plutôt établi, le photomontage a été rapidement adopté par les surréalistes, qui étaient attirés par l’idée de jouer avec la réalité de manière inhabituelle. Parmi eux, nous avons Salvador Dalí et Man Ray comme praticiens éminents du photomontage qui aimaient refléter le fonctionnement de l’inconscient. À peu près à la même époque, les constructivistes russes comme El Lissitzky, Alexander Rodchenko et Gustav Klutsis ont utilisé la photo collage comme moyen de propagande artistique, ce qui s’est poursuivi dans les décennies suivantes. Dans la République d’Espagne assiégée, le langage de cette forme de créativité a également fleuri, en réponse à la guerre civile, à travers les œuvres du graphiste Josep Renau. Au Japon, le peintre d’avant-garde Harue Koga a également produit des peintures de style photomontage à partir d’images piochées dans des magazines.

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Après la Seconde Guerre mondiale et le début de la période froide, la popularité de l’art du photomontage a chuté, le public s’étant lassé de ce type d’imagerie et s’étant tourné vers les merveilles excitantes de la télévision. Cependant, son prochain grand renouveau est venu avec les années 1980 et la politique du mouvement antinucléaire en Europe. À cette époque, une grande partie du montage a été conçue pour des banderoles brandies lors de manifestations, dont le but était de s’engager dans un moyen de communication très graphique et agressif – comme on peut le voir dans les œuvres de Peter Kennard, qui était mécontent du manque d’immédiateté de la peinture et dont le montage photographique montrait la « vérité non révélée » derrière l’inégalité économique, la brutalité policière et la course aux armements nucléaires. Aujourd’hui, ces œuvres d’art contiennent tout, du texte au son, grâce à l’évolution des technologies numériques et au développement de logiciels, notamment Adobe Photoshop.

Création Photoshop – Montage photo

Techniques de montage photo

Les techniques de montage photo ont considérablement évolué au cours de la dernière décennie avec l’intégration des ordinateurs dans le processus de création artistique et l’introduction de logiciels d’édition d’images numériques. Les collages sont désormais créés numériquement par le biais de divers logiciels tels que Adobe Photoshop, Paint Shop Pro, Corel Photopaint, Pixelmator, Paint.NET ou GIMP. Ces programmes ont rendu le processus beaucoup plus facile et ont permis aux gens de repousser les limites de l’image numérique. Mais au cours des 19ème et 20ème siècles, la création du photomontage était complètement physique et elle impliquait beaucoup d’imagination et des processus et techniques beaucoup plus compliqués.

Impression combinée

La technique qui a ouvert la voie est l’impression combinée de Henry Peach Robinson. Elle consiste à utiliser les négatifs de deux ou plusieurs images photographiques pour en produire une seule. Cette méthode complexe est née du désir de transformer la photographie en art et de produire une imagerie idéalisée. En raison des limites de la sensibilité à la lumière du négatif et de la technologie des appareils photo, elle a été proposée pour la première fois par le photographe français Hippolyte Bayard afin de produire une image équilibrée avec une exposition correcte du sujet et de l’arrière-plan. Ouvrant une nouvelle fenêtre à la créativité, des photographes tels que Peach Robinson, Oscar Rejlander et William Frederic Lace Price l’ont adoptée pour produire des photomontages originaux. La photo étant considérée comme la vérité, le tirage combiné a suscité une vive controverse dans la communauté photographique de l’époque, car il déformait le monde réel. Cette façon de manipuler a complètement détruit  » la vérité  » entourant le médium et a complètement changé la façon dont les gens percevaient la fabrication de photos.

Autres techniques

A mesure que la fabrication de photos a évolué en tant que médium, de nouvelles méthodes ont commencé à émerger. Des créateurs tels que Romare Bearden ont utilisé la projection frontale. Dans ses projections montées, il utilisait des compositions de papier, de peinture et de photos qu’il plaçait sur des planches mesurant 8½ × 11 pouces. Les images étaient fixées avec une émulsion appliquée à la main, puis photographiées et agrandies. En ce qui concerne Dada, leur processus impliquait des ciseaux et de la colle. Dans le cadre de leur attaque radicale contre l’art, ils découpaient et collaient physiquement des images réelles et les combinaient en collages originaux. Avec les progrès des appareils photo analogiques, la double ou multiple exposition est devenue très populaire. Les photographes ouvraient l’obturateur de l’appareil plusieurs fois pour exposer le film à différentes images. Chaque image suivante étant superposée à la première, cela donnait naissance à des images fantomatiques de personnes et d’objets ajoutés à la scène originale.

Artistes célèbres du photomontage

Le photomontage en tant que forme d’art a attiré de nombreux artistes tout au long de l’histoire de l’art, des premiers photographes expérimentaux aux dadaïstes, en passant par les surréalistes et autres partisans de l’avant-garde. Le considérant comme un processus radical qui a souvent créé des controverses, les créatifs l’ont employé avec des intentions diverses, comme insuffler plus de créativité à la photographie, critiquer la société et refléter le changement social, remettre en question l’idée de ce qu’est l’art ou simplement déconstruire l’idée d’une photo. Permettant une créativité remarquable, mais étant également chargé politiquement, ce médium a été très diversifié dans sa pratique. Puisque de nombreuses personnalités ont été associées à cette méthode, examinons les noms des créateurs les plus significatifs qui l’ont défendue.

Oscar Rejlander

Pionnier de la photographie d’art et expert en photomontage, Oscar Rejlander est considéré comme le père de la photographie d’art. Après avoir appris les procédés du collodion humide et du papier ciré, il a commencé à travailler dans le domaine du portrait, mais a également créé d’importantes œuvres érotiques avec des modèles de cirque, des enfants des rues et des enfants prostitués. Après avoir largement expérimenté l’impression combinée, il a réalisé sa célèbre gravure intitulée The Two Ways of Life, composée de trente-deux images. Montrant deux garçons qui se voient offrir des conseils par le patriarche, la gravure a d’abord suscité une certaine controverse en raison de sa nudité partielle. Pourtant, le tirage est un succès et il est admis peu après à la Royal Photographic Society de Londres. Tout au long de sa carrière, il a continué à expérimenter la double exposition, la manipulation photographique et la retouche. Les idées et les méthodes de Rejlander ont été adoptées par d’autres photographes de l’époque.

Henry Peach Robinson

Henry Peach Robinson est surtout connu pour avoir été le pionnier du procédé d’impression combinée, un exemple précoce de photomontage. Ses photos et ses écrits pictorialistes ont fait de lui l’un des photographes les plus influents de la seconde moitié du XIXe siècle. Après avoir travaillé dans le domaine du portrait commercial, il a commencé à réaliser des photographies qui imitent les thèmes et les compositions des peintures de genre anecdotiques. La Juliette au flacon de poison est l’une de ses premières œuvres connues réalisées par tirage combiné, mais sa photo composite la plus célèbre est Fading Away, qui montre une jeune fille sur son lit de mort entourée de sa famille. Elle appartient à sa phase préraphaélite, au cours de laquelle il a tenté de capturer des moments de signification intemporelle dans un cadre « médiéval ». Il percevait la création de photos combinées comme aussi exigeante que la peinture pour l’artiste.

Hannah Höch

L’une des rares femmes associées à Dada, Hannah Höch a continuellement promu l’idée de femmes travaillant de manière créative dans la société. Dans ses photomontages, elle utilisait les éléments visuels d’autres personnes pour les transformer et les intégrer dans ses pièces plus grandes, où ces images initialement sans rapport formaient des récits perspicaces. C’est une stratégie que de nombreux dadaïstes et surréalistes ont adoptée. Tout en critiquant activement la société, ses œuvres pionnières de photomontage reflètent souvent les questions de genre et le rôle de la femme dans la société moderne. Elle a activement promu l’idée de la « nouvelle femme » à cette époque. Outre les photomontages, elle a souvent incorporé des readymades, remettant toujours en question la notion et l’idée même de l’art. Elle est également célèbre pour les poupées Dada qui étaient assez différentes de toutes les autres pièces associées à ce mouvement.

John Heartfield

Pionnier de l’utilisation de l’art comme arme politique, John Heartfield a souvent incorporé des déclarations anti-nazies et anti-fascistes. Après avoir été initié à Dada, il a commencé à créer de l’art en médias mixtes avec la cacophonie d’éléments visuels qui transmettaient un message clair à son public. Il a développé une méthode unique où il s’appropriait et réutilisait des images pour créer des pièces ayant un effet politique puissant. Reflétant le chaos et l’incertitude que l’Allemagne a connus dans les années 1920 et 1930, ses pièces transformaient cette forme d’art en une puissante forme de communication de masse. Il choisissait des photos d’hommes politiques dans la presse et les désassemblait et les réarrangeait pour composer un sens radicalement différent. Sa pièce la plus célèbre, Guerre et cadavres : Le dernier espoir des riches de 1932 reflétait la dangereuse impulsion de l’Allemagne vers la guerre.

Kurt Schwitters

Ayant travaillé au sein de plusieurs genres tels que le constructivisme, le Bauhaus, De Stijl et le surréalisme et divers médias tels que la poésie, le son, la peinture, la sculpture, la typographie et le design graphique, Kurt Schwitters est surtout célèbre pour ses collages appelés Merz Pictures. Il a spécifiquement appelé ces collages Merz pour distinguer ces images du cubisme, de l’expressionnisme et même du dadaïsme. Au fil des ans, il a étendu ce nom à toutes ses activités, y compris la poésie, les installations et les performances. Ses pièces Merz étaient composées de matériaux de rebut tels que des étiquettes, des tickets de bus et des morceaux de bois cassés. Après 1923, il a commencé à réaliser de grandes constructions Merz dans sa maison de Hanovre, ce qu’on appelle le premier Merzbau. En 1937, ses œuvres sont interdites par le régime nazi, qui les qualifie d' »art dégénéré ». Après avoir fui en Norvège, il a construit son deuxième Merzbau.

Man Ray

Contributeur important du dadaïsme et du surréalisme, Man Ray a créé des photographies qui opéraient dans l’écart entre l’art et la vie. André Breton l’a décrit comme un « pré-surréaliste », car son art a largement influencé Marcel Duchamp et a joué un rôle très important dans la popularisation du surréalisme. Il a apporté d’importantes contributions à l’avant-garde, à la photographie de mode et de portrait, mais il est également très célèbre pour ses photomontages. Ces tirages jouent avec la féminité et la forme et expérimentent diverses techniques telles que les expositions multiples. Ses pièces les plus célèbres de ce type sont celles qui mettent en scène Alice Prin et Dora Maar. Avec Lee Miller, il réinvente la « solarisation », un procédé photographique qui consiste à enregistrer des images sur le négatif en inversant le sombre et le clair et vice versa. Il a également défendu les techniques ‘shadowgraph’, un procédé de fabrication d’images sans appareil photo utilisant du papier photosensible.

El Lissitzky

Utilisant l’art pour un changement social et politique, El Lissitzky était un peintre, designer et typographe russe. À la fin des années 1920 et au début des années 1930, Lissitzky a expérimenté les derniers médias tels que la typographie, la photographie et le photomontage. Cette période est considérée comme sa période la plus progressiste. Pour lui, la photographie était le moyen le plus efficace d’exprimer le remodelage dynamique de son pays. Il expérimente largement les photogrammes et le collage photographique et crée des montages sous forme de photos multicouches. En utilisant des expositions multiples lors de l’impression, il a exploité l’effet de transparence et de juxtaposition pour obtenir des compositions dynamiques. Le photomontage de l’annonce de la naissance de son fils présentait l’image superposée de l’enfant Jen au-dessus d’une cheminée d’usine, liant l’avenir de son fils au progrès industriel du pays. Son art a largement influencé les talents de De Stijl et les instructeurs du Bauhaus.

Alexander Rodchenko

En tant qu’artiste d’avant-garde parmi les plus importants ayant mis son art au service d’une révolution politique, Alexandre Rodchenko a été un fondateur influent du mouvement constructiviste. Initialement impliqué dans la peinture, en 1921, il a commencé à se concentrer sur les objets de conception tridimensionnelle, les croquis d’architecture et la photographie. C’est par la photographie qu’il a connu le plus de succès. Il est célèbre pour ses compositions avant-gardistes et son approche expérimentale de la mise au point et du contraste. Impressionné par les dadaïstes allemands, Rodchenko a commencé à expérimenter le médium. Il a d’abord utilisé des images trouvées, mais a ensuite commencé à photographier ses propres images. Son photomontage a été publié pour la première fois en 1923 comme illustration du poème de Maïakovski intitulé About This. Ses travaux de création de photographies ont contribué de manière significative à la photographie européenne dans les années 1920.

John Stezaker

L’artiste conceptuel britannique John Stezaker crée des collages irrévérencieux en utilisant des portraits glamour des années 1950 mettant en scène des hommes en costume pimpants et des stars d’Hollywood. Il combine ces images comme des ready-made avec d’autres visages ou même des paysages pour créer un effet d’étrangeté et d’absurdité. Il réexamine diverses relations à l’image photographique, comme la documentation de la vérité, le fournisseur de la mémoire ou le symbole de la culture moderne. Grâce à des juxtapositions élégantes et astucieuses, il crée ses propres significations poignantes. Il fait surgir des idées radicales à partir d’images qui, autrement, séduiraient le spectateur lambda. Il évite le terme de photomontage au profit de celui de collage. Comme il l’a dit lui-même, « couper une photographie peut donner l’impression de couper la chair ». En 2012, il a reçu le prix de la photographie Deutsche Börse, et les avis mitigés des critiques à son égard prouvent que le photomontage est toujours perçu comme controversé.

Josep Renau

L’œuvre du peintre, affichiste et muraliste espagnol Josep Renau a toujours été politique. Il a rejoint le parti communiste en 1931 et, au milieu des années 1930, il a créé des affiches qui soutenaient la République espagnole contre l’armée de Franco. Après son exil au Mexique à la fin de la guerre civile espagnole, il a été fortement influencé par l’imagerie de la culture populaire des États-Unis. Il s’approprie l’imagerie de la publicité et des magazines populaires américains et la juxtapose dans des montages traitant du racisme, du sexisme, du pouvoir des médias et du consumérisme. Avec ces œuvres, il s’attaque directement à la culture américaine d’une manière spirituelle et intelligente. Cette série de collages a été exposée pour la première fois aux États-Unis à la fin des années 1980. Il est rarement mentionné avec les premiers partisans radicaux du photomontage, mais il a joué un rôle important dans le développement de cette forme.

Conseil de la rédaction : Hannah Höch : Portrait de vie : Une autobiographie collée

Hannah Höch : Life Portrait divise la composition monumentale en 38 sections individuelles, telles que Höch les a imaginées, et propose des textes explicatifs et des citations pertinentes pour compléter chaque section. L’une des rares publications en langue anglaise sur l’artiste, ce volume explore le dernier chef-d’œuvre de Höch et l’œuvre de toute une vie qu’il représente. Le dernier et le plus grand collage photographique de Höch, « Life Portrait », de près de 1,5 m sur 1,5 m, a été réalisé entre 1972 et 1973. Bien qu’elle n’ait pas cherché à l’origine à réaliser une œuvre autobiographique, le collage fonctionne comme une sorte d’autoportrait pour l’artiste, revenant sur sa vie et son travail tout en commentant de manière ironique et poétique les événements politiques, sociaux et artistiques clés des 50 années précédentes.

Exemples célèbres de photomontage, et éthique derrière

S’il peut y avoir une peinture abstraite, pourquoi n’y aurait-il pas une photo abstraite ? Parfois, bien sûr, il est assez évident qu’il y a une sorte de montage dans le jeu. Parfois, cependant, ce n’est pas aussi clair visuellement et c’est là que le problème commence. Un artiste peut-il modifier la réalité ? Est-ce vraiment de l’art alors ? Est-il éthique de faire une telle chose ? S’agit-il d’une utilisation abusive de l’art ? Lorsqu’un artiste joue avec le sens commun du spectateur, en présentant des photographies qui montrent clairement quelque chose d’impossible, comme les images de Scott Mutter montrant des personnes marchant à côté d’un avion pendant son vol au-dessus des nuages, il ne fait aucun doute que la valeur de l’art est élevée. Comme Mutter l’a décrit une fois, « les images sont une tentative de représenter quelque chose qui est une réalité. Pas une réalité physique, mais une représentation à travers une métaphore’.

Images physiquement modifiées

Si vous prenez, par exemple, un écrivain et artiste associé à Dada à Berlin, Johannes Baader, avec son collage sur une page de livre avec inscription à l’encre de 1920, comme l’une des pièces d’art de photomontage les plus célèbres du mouvement, vous verrez clairement le changement physique que l’artiste a fait avec une image, afin de former une photo-imagerie idéalisée. Sachant que les dadaïstes utilisaient en fait des ciseaux et de la colle pour couper et coller les photographies, et qu’ils intégraient des textes écrits sur les collages imprimés, il ne fait aucun doute que les photographies originales étaient manipulées et modifiées. Mais, lorsqu’il s’agit de techniques numériques, elles sont beaucoup plus sophistiquées, et en outre – beaucoup plus difficiles à attraper.

Culture du couper-coller

Aujourd’hui, « la culture dans laquelle nous vivons est devenue une sorte de culture du couper-coller », comme l’a décrit Daniel Herrmann, conservateur à la Whitechapel Gallery de Londres. Il est vrai que nous sommes submergés par la quantité d’informations que nous recevons et partageons chaque minute de chaque jour. Le collage est devenu le représentant de cet état de la production culturelle. Il offre une alternative à un monde d’images toujours changeantes et fluides et rappelle aux gens la tactilité, la texture et la réalité du monde dans lequel nous vivons », a souligné Daniel Herrmann. D’autre part, Laura Hoptman, conservatrice au département de peinture et de sculpture du Musée d’art moderne de New York, affirme que le collage peut également être caractérisé comme une façon de « vivre l’information simultanément ». Il existe un  » nuage horizontal d’informations « , comme l’appelle Laura Hoptman, faisant référence aux données mélangées avec lesquelles nous fonctionnons tous au cours de notre vie.

Un maître de cocktails, mais pas un barman

Un artiste espagnol contemporain Antonio Mora, avec une expérience dans l’industrie du design en travaillant comme directeur artistique, voit son propre art comme des solutions verticales. Il se qualifie de maître des cocktails, mais ne doit pas être confondu avec un barman. Il crée des cocktails à partir d’images en utilisant des photos trouvées sur des blogs, des magazines en ligne et partout dans la sphère numérique, puis il les fusionne. Ses êtres hybrides sont devenus un exemple épique d’une manière originale d’utiliser un photomontage et une manipulation de photos pour faire de l’art pur à partir du mélange.

Imagerie avec l’effet « Wow »

Un autre véritable maître de la manipulation de photos est Thomas Barbey, un artiste suisse basé aux États-Unis. Bien avant l’existence de Photoshop, il prenait des photos de tous les coins de la Terre qu’il avait visités. Aujourd’hui, il n’utilise toujours pas d’éditeurs de photos numériques pour monter ses photos. Il « fait sa magie » dans la chambre noire. Et que fait-il ? Il crée des photomontages tellement surréalistes que les plus férus de technologie de l’industrie créative envieraient ses compétences. Parmi les images célèbres de cet artiste, on trouve des skis sur une table, un couple sous l’eau, un piano zébré, un canal de Venise dans une église, et bien d’autres choses encore. Il travaille uniquement en noir et blanc et crée des manipulations de photos uniques dans le seul but de faire de l’art. Ses œuvres ont été exposées dans de nombreux musées du monde entier et les collectionneurs d’art se disputent littérairement les œuvres qu’ils veulent posséder. Actuellement, ses photomontages font partie des collections privées de plus de 20 collectionneurs d’art. Thomas Barbey intrigue les amateurs d’art car il ne réalise pas un collage ordinaire. Il mélange en fait plusieurs négatifs, dont certains ont des décennies de plus que d’autres. Le but ultime est de réaliser une image qui étonnera honnêtement le spectateur. Comme l’artiste l’a déclaré lui-même, s’il regarde sa propre image et que la première réaction est « Et alors ? », il la détruit et recommence différemment jusqu’à ce qu’il obtienne l’effet « wow ». Et, vraiment, ses photomontages épatent vraiment les gens.

Bey Beyond Imagination

Une autre personne qui a consacré sa carrière au photomontage spécifique et est devenue respectée dans le monde entier pour ce travail est Laurence Demaison. Elle travaille principalement avec la photographie analogique, explorant ses possibilités techniques. En expérimentant les longues expositions, le flash et le négatif, Demaison remet en question les limites du médium en créant des clichés intrigants qui nous montrent comment un appareil photo peut tromper l’œil humain. Depuis plus de 22 ans, elle crée des autoportraits, mais ces clichés ne parlent pas d’elle, comme elle l’explique. Les photographies qu’elle réalise, Demaison les appelle les « fantômes de papier ». Il y a une bonne raison à cela, car le sujet disparaît et révèle un tout autre monde au-delà de l’imagination du spectateur.

Manipulation de la réalité

Lorsque nous parlons de photomontage, nous ne pouvons pas négliger certaines parties importantes des disciplines de la photographie. Il s’agit de la photographie documentaire et du photojournalisme. Vous pouvez vous demander ce que cela a à voir avec le photomontage, et avec les beaux-arts d’ailleurs, alors que leur but est de capturer la réalité telle qu’elle est et de dépeindre le monde qui nous entoure dans toute sa crudité, sans le désir d’être perçu comme de l’art. Mais il existe certaines préoccupations d’ordre moral concernant l’utilisation spécifique de la photographie. Il s’agit d’une manière un peu différente de modifier les photographies, où le photomontage a lieu avant même que la photo ne soit prise. Il n’y a rien de mal à ce qu’un photographe paie ses modèles pour qu’ils posent pour lui, non ? Oui, s’il s’agit d’une séance de photos pour une campagne de mode. Mais cela peut poser problème s’il s’agit d’un travail de création d’images documentaires. Au lieu de dépeindre la réalité telle qu’elle est, payer les modèles pourrait créer le monde que l’artiste veut nous faire voir. Il en va de même pour la modification de la scène pour la faire apparaître comme le photographe le souhaite. Pourquoi un photographe documentaire voudrait-il modifier le décor ? Tout d’abord, pour provoquer les émotions des spectateurs. Plus l’impact visuel est grand, plus la valeur de la photo est élevée. Certains photographes documentaires et photojournalistes manipulent donc la réalité de cette manière, ce qui est très contestable dans toute une série de professions. Il s’agit certainement d’un type spécifique de photomontage, qu’ils veuillent l’admettre ou non. Et quand il s’agit d’éthique, cette question est fortement discutable – Est-ce de l’art, alors, ou est-ce un mensonge ?

Conseil de la rédaction : Photomontage entre les guerres 1918-1939

Cette publication entièrement en anglais offre un aperçu fascinant de la naissance du procédé de photomontage spécifiquement en Allemagne et en Union soviétique dans les années 1920. Le large éventail d’affiches, de collages, de maquettes, de cartes postales, de magazines et de livres présentés dans ce catalogue d’exposition atteste de l’énorme influence du photomontage dans la politique, la protestation sociale et la publicité, tout en démontrant la popularité de la technique parmi les membres de l’avant-garde au cours de ces deux décennies. Les essais de cette publication visuellement riche examinent les textes contemporains que la pratique du photomontage a inspirés et explorent ces qualités du photomontage qui ont conduit à ce qui était sans doute la plus importante exposition consacrée à cette technique artistique au Kunstgewerbemuseum de Berlin en 1931.

Écrit par Angie Kordic, Elena Martinique et Nadia Herzog.

Des images en vedette dans le curseur : David Hockney – Pearblossom Highway, 1986 ; portrait de Tony Blair par Peter Kennard ; Josep Renau – Hoy más que nunca VICTORIA, 1938 ; œuvre de John Stezaker ; Alexander Rodchenko – Young Gliders, 1933 ; El Lissintzky – Ouvrier de construction en URSS dans Construction n°2, 1933 ; Kurt Schwitters – La proposition, 1942. Toutes les images sont utilisées à des fins d’illustration uniquement.