Mode du XXe siècle

La mode féminine au début du XXe siècle était en grande partie une question de statut. La silhouette élégante était définie par le corset étroit sans-ventre, qui comprimait le ventre et donnait au corps une ligne en forme de S ; par les longueurs de jupe amples et par les cols hauts et rigides. Les motifs textiles s’inspirent de l’ornementation végétale de l’art nouveau. Les couturiers parisiens, tels que Jean-Philippe et Gaston Worth (fils du premier grand couturier célèbre Charles Frederick Worth), les sœurs Callot, Jacques Doucet et Jeanne Paquin, étaient à l’avant-garde de ces robes de société.

Ce style était diamétralement opposé par la « robe de santé », propagée par les défenseurs des droits des femmes, les femmes artistes et les médecins. Ce modèle pendait librement sans corset. Sa coupe en sac était rejetée par la plupart des femmes soucieuses de leur style, malgré les dessins d’artistes de l’art-nouveau comme Henry van de Velde.

Le tailleur commença à s’imposer comme un vêtement aux multiples facettes, devenant un symbole, finalement, de la mode démocratique. La femme d’affaires l’utilisait dans sa carrière et la dame de la société comme tenue de voyage et de loisirs. La veste était le plus souvent de coupe masculine, avec revers et poignets ; la redingote était parfois raccourcie au-dessus de la cheville. Les costumes étaient proposés par des fabricants ainsi que par des tailleurs huppés tels que John Redfern et Henry Creed. Avec l’avènement du costume, le chemisier est devenu l’élément central du style, avec des modèles aussi bien luxueusement décorés que simples. Des blouses kimono confortables, avec des manches découpées, pouvaient être portées sur des jupes. Les pardessus, ou paletots, empruntés à la mode masculine, et les carcoats ou dépoussiérants, satisfont le désir de vêtements fonctionnels. Vers 1908, le couturier parisien Paul Poiret crée un nouveau style appelé la vague. Inspiré par les Ballets Russes, il combine la « robe de santé », qui libère le corps, avec des éléments du costume asiatique. Paul Poiret avait des liens avec les ateliers de Vienne, mondialement connus, qui exploitaient leur propre département de mode.

D’origine anglaise, le style édouardien (du nom du roi Édouard VII) était le leader de la mode masculine internationale. La mode masculine était régie par des règles exactes, publiées par d’éminents tailleurs, indiquant quand et dans quelles circonstances chaque costume devait être porté.

La tenue d’affaires comprenait la veste de sport (sack coat) et la veste de costume plus élégante. Les suites de jour incorporaient la redingote (prince Albert). Le coupé était considéré comme adapté aux occasions plus privées et prestigieuses. La veste de smoking remplissait le rôle de tenue de soirée confortable et décontractée. Il existe également des ensembles sportifs spécialisés. Il était important de toujours choisir le bon chapeau : feutre mou, melon, homburg, canotier, panama ou haut-de-forme. Il y avait aussi beaucoup de manteaux différents à choisir, comme les paletots, les chesterfields, les raglans et les ulsters.

La mode 1910-1919

La mode internationale jusqu’en 1914 a été fortement influencée par le couturier français d’avant-garde Paul Poiret. Il a contribué à initier le style Art déco et a inspiré d’autres créateurs comme Erté et Mariano Fortuny, dont les robes delphos en soie plissée la plus fine étaient également mondialement connues. En 1910, Poiret a fait connaître la jupe cloche, qui, malgré sa coupe inconfortable, a été très à la mode pendant un court moment. Elle tombait librement, droit jusqu’au haut du mollet, mais était rétrécie, du dessous du genou jusqu’à l’ourlet, avec un empiècement si étroit qu’une dame ne pouvait que boitiller. Poiret propose également une robe-pantalon longue, mais peu de femmes osent être vues dans la rue avec les nouvelles jupes-culottes. Pour la tenue de soirée, Poiret a même suggéré un large pantalon de harem porté sous une longue tunique à l’ourlet retourné et raidi par un fil de fer.

De 1912 jusqu’au début de la Première Guerre mondiale, les tenues de soirée ont été marquées par la nouvelle mode de la danse sociale, le tango argentin. Les créations de Poiret semblaient faites sur mesure pour la nouvelle danse populaire : jupes étroitement enveloppées avec de hautes fentes sur le devant, tuniques brodées d’or et turbans avec des plumes dressées. Les hommes portent des robes coupées et des redingotes à la mode, parfois dans des couleurs vives comme le rouge foncé, ou avec des garnitures à carreaux. Les chapeaux d’accompagnement étaient surdimensionnés.

Pendant la Première Guerre mondiale (1914-1918), les vêtements avaient tendance à être aussi simples que possible : des jupes modérément larges, n’atteignant pas tout à fait le pied, et des vestes qui descendaient jusqu’aux hanches. En 1915-1916, les crinolines de guerre – longueur des chevilles et bouffantes avec deux ou trois couches de jupe – sont en vogue ; un an plus tard, cependant, elles sont victimes de l’utilisation plus économique du tissu que permet la coupe en sac. La mode de 1918 est animée par de grandes poches latérales et des jupes qui se rétrécissent vers l’ourlet, créant ainsi le look tonneau de 1919. La plupart des salons de mode parisiens avaient fermé. Mais certaines femmes fortunées achètent à Gabrielle Chanel, à Deauville, de confortables tailleurs en jersey avec des pulls qui descendent jusqu’aux hanches et des jupes simples, établissant ainsi sa renommée. Aux États-Unis, notamment à New York, les fabricants de vêtements étaient actifs.

La nouveauté la plus importante de l’habillement féminin du XXe siècle s’est produite en dehors du monde de la mode. Les pantalons longs pour femmes ont été inaugurés, ni par la haute couture, ni par la mode de tous les jours, mais par les vêtements de travail des femmes, qui étaient encore principalement empruntés aux hommes. Juste après la guerre, les gens ont travaillé avec ce qui était disponible, en modifiant les uniformes et les bâches de l’armée ou d’autres restes, pour créer des vêtements civils.

Pendant la guerre, l’uniforme a remplacé tous les autres types de costume, et la plupart des tailleurs – s’ils sont restés en activité – se sont spécialisés dans sa fabrication. Après la guerre, les tailleurs ont eu recours à des modifications d’uniformes et à la transformation de matériaux recyclés – parfois fragiles – en costumes qui devaient être renforcés par du bougran, créant ainsi le costume amidonné. Les pantalons des hommes ont des jambes très étroites jusqu’à l’ourlet. Le trench-coat apparaît, courtoisie de la transition des vêtements militaires aux vêtements civils.

Les années 1920

Au cours des années 1920, la longueur de l’ourlet d’une jupe devient, pour la première fois, une question de mode sérieuse. Alors que les vêtements de 1920-1921 étaient encore de la longueur du mollet, et (vers 1923) même de la cheville pendant une courte période, après 1924, les femmes ont privilégié les jupes qui couvraient à peine le genou. En 1922-1923, la mode est influencée par la découverte de la tombe du pharaon égyptien Toutankhamon. Toutes celles qui pouvaient se le permettre achetaient une djellaba comme robe d’intérieur ou faisaient décorer leurs robes de soirée avec des ornements égyptiens. Sinon, les robes amples et flottantes étaient caractéristiques de l’époque. La plupart du temps, elles avaient une taille tombante et parfois un ourlet plissé ou des plis godets qui offraient une liberté de mouvement. Les vêtements de jour avaient des fermetures hautes, habillées de cols de baby-doll ou d’hommes.

Les vêtements de soirée et les toilettes de société élaborées correspondaient en coupe aux vêtements de jour. Les vêtements de soirée, cependant, présentaient un décolleté avant et arrière généreux, le décolleté avant étant sous-tendu par un slip de couleur chair. Il n’était pas moderne de montrer sa poitrine, et les seins étaient pressés à plat avec des bandes de tissu. La coupe simple de la robe du soir est compensée par des tissus coûteux en dentelle, en lamé d’or ou d’argent, des colliers de perles tombant librement, l’utilisation de franges en fourrure de singe et de nombreuses broderies. En 1927, la tendance à allonger l’ourlet de la robe du soir s’installe et la taille revient à sa place naturelle. En 1928, la robe du soir arrive déjà au mollet, tandis que la robe de jour reste au genou jusqu’en 1930 environ.

En haute couture, Gabrielle Chanel se fait connaître avec des robes, des costumes en jersey et des pulls en tricot. En 1926, elle annonce la  » petite robe noire « , une robe de soirée noire impressionnante par son élégance simple. Comme Chanel, Jean Patou privilégie les lignes claires et une élégance extrêmement simple, à commencer par sa propre collection pour les États-Unis. Jeanne Lanvin, en revanche, présente une ligne résolument féminine et romantique. Ses robes de style (basées sur des styles historiques), avec leurs larges paniers, sont devenues mondialement célèbres. Lanvin est également connue pour ses créations mère-enfant.

Les jupes courtes font apparaître les jambes, et donc les bas de rayonne, dans le tableau. Les bobs et les coupes de cheveux de type page-boy étaient aussi typiques de l’époque que les toques et les chapeaux cloche simples et bien ajustés. Le sport devient une tendance de mode : le tennis en jupe courte sans bas, le ski en combinaison norvégienne avec des culottes longues, la natation en maillot de bain une pièce sans renforts en os de baleine. Dans le spectre de la mode métropolitaine des années 1920, on trouve la garçonne en tailleur pantalon avec chapeau d’homme et même une coupe Eton. Le soir, le style gamin comportait un smoking (veste de smoking), ou un costume de smoking complet, et un monocle. Et la garçonne s’appropriait également les pyjamas d’homme pour le ménage et la nuit.

L’Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes, qui s’est tenue à Paris en 1925, a fait date et a donné plus tard le nom d’Art déco à cette période. Parmi les soixante-douze créateurs de mode, Sonia Delauney créa la plus grande sensation avec ses costumes et manteaux aux motifs de « contraste simultané des couleurs »

Après 1924, les costumes pour hommes avaient une taille légèrement effilée, et les pantalons s’élargissaient légèrement. Les Dandys étaient reconnaissables à leurs pantalons extrêmement larges, appelés  » sacs Oxford « , et à leurs chaussures à bigorneaux ou shimmy exagérément pointues. Pour le golf, la randonnée ou la chasse, les hommes portaient des vestes Norfolk et des plus fours.

Les années 1930

Au début des années 1930, les vêtements sont coupés pour être à nouveau moulants, avec la taille à sa place naturelle. Les corsages, avec des renforts en caoutchouc et en stretch, épousaient les courbes du corps. Les épaulettes et les revers larges, les cols décolletés avec volants, ainsi que les ceintures serrées, visent à affiner la taille. L’ourlet était allongé par des plis godet et des plis du genou au mollet, offrant une liberté de mouvement. Les robes du soir sont de préférence en satin chatoyant, et vont jusqu’au sol, souvent avec une petite traîne « sirène ». La mode est au décolleté plongeant dans le dos, avec de larges bretelles entrecroisées, et un col en cascade ou en cœur d’or. Le succès de cette nouvelle ligne soucieuse du corps peut être attribué à la créatrice parisienne Madeleine Vionnet et à son « invention » de la coupe en biais, grâce à laquelle le tissu, coupé en diagonale par rapport au tissage, adhérait au corps et s’évasait vers l’ourlet comme une cloche.

Elsa Schiaparelli n’était pas en reste sur le plan des idées. Dans ses collections, elle a travaillé avec des effets de trompe-l’œil ainsi que des allusions à des artistes surréalistes. Les larges épaules pagodes de Schiaparelli, inventées en 1933, ont eu une influence majeure sur la mode quotidienne. Les costumes, les vestes et les robes après 1933 étaient impensables sans épaules rembourrées.

Dans les pays fascistes (Italie, Espagne et Allemagne), la mode féminine devint un sujet d’agitation politique, comme l’illustre l’introduction de l’uniforme du club des filles allemandes (BDM, Bund Deutscher Mädchen). Les costumes alpins correspondent également aux goûts de l’Allemagne nationale-socialiste. Les manufactures berlinoises de renommée mondiale, qui avaient été aux mains des Juifs à plus de 80 %, furent, pour la plupart, ruinées (c’est-à-dire liquidées) en raison de la « purification aryenne ».

L’année 1936 fut l’une des plus innovantes en matière de mode masculine. Le costume à double boutonnage, avec quatre boutons au lieu de six, fit fureur, tout comme les chemises à motifs portées avec des costumes de flanelle grise. Les chemises arborent également les nouveaux cols kent et des cravates un peu plus larges, nouées en nœuds windsor. Dans les vêtements de jour, le costume gabardine à trois boutons et les chemises oxford à col boutonné étaient courants.

Les années 1940

Pendant la Seconde Guerre mondiale (1939-1945) et les premières années qui ont suivi, la mode a été dictée par le besoin de vêtements pratiques et simples et le rationnement des ressources et des matériaux. En Angleterre, le gouvernement encourageait les « vêtements utilitaires ». À Paris, pendant l’occupation allemande, seules quelques maisons de haute couture sont restées ouvertes. Dans tous les pays, des magazines et des brochures spéciales dispensent des conseils sur la façon de remodeler les vieux vêtements ou de fabriquer de nouveaux vêtements en combinant des pièces d’anciens vêtements. Les jupes et les manteaux deviennent plus courts, les costumes prennent le caractère d’uniformes et les épaules larges dominent plus que jamais. Les chapeaux et les chaussures sont souvent fabriqués à la main et les bas et chaussettes en laine remplacent la soie. Aux États-Unis, Claire McCardell crée la fureur avec ses robes « pop-over », ses justaucorps et ses « costumes de couche » en bord de mer.

Une nouvelle époque de la mode est marquée le 12 février 1947, avec l’ouverture de la maison de Christian Dior. Il a appelé sa première collection de haute couture « Ligne Corolle » (ligne de calice), mais la presse de mode l’a appelée le « New Look », car presque tout y était nouveau. La veste de costume simple, les petits revers, la taille de guêpe étroite, qui mettait en valeur les hanches, et, surtout, les épaules étroites. Pour la première fois en plus de dix ans, il n’y avait pas d’épaulettes. Tout aussi nouveaux étaient la jupe extrêmement large jusqu’au mollet, les chapeaux plats à large bord (roues de wagon), les escarpins à talons hauts et les longs gants, qui conféraient à cette tenue de jour un flair d’une élégance impressionnante.

Au début, en raison du manque de matériaux nécessaires, le nouveau style ne pouvait être produit que lentement, mais bientôt d’innombrables couturières privées étaient occupées à réaliser le rêve du « New Look ». Au printemps 1948, la « Ligne Envol » de Dior suit, introduisant des jupes étroites avec la fameuse fente Dior, sous-tendues de tissu pour faciliter la marche. Les bas en nylon étaient très demandés, laissant les bas en rayonne et en laine brillants pour toujours dans le passé.

Après la guerre, une nouvelle invention de mode a créé une impression durable. Le 5 juillet, à Paris, l’ingénieur mécanicien français Louis Réard présente son maillot de bain deux pièces qu’il appelle le bikini. Bien qu’il existe déjà des maillots de bain deux pièces depuis 1928, le bikini de Réard se distingue par sa coupe extrêmement étroite. Le bikini, cependant, n’a pas été généralement accepté avant la fin des années 1960.

Les vêtements pour hommes ont joué un rôle plutôt limité ; les uniformes ont dominé. Les trenchs et les duffle coats (montys) étaient des manteaux passe-partout. Le zoot suit de la scène jazz américaine, avec sa longue redingote et son pantalon large, était considéré comme moderne.

Les années 1950

Dans les années 1950, Paris retrouve sa position de capitale de la mode. Christian Dior dicte les lignes – chaque saison, il en propose une autre : la ligne H de 1954, par exemple, qui rejette pour la première fois la taille étroite, et la célèbre ligne A de 1955. Mais les créateurs Pierre Balmain, Jacques Fath, Hubert de Givenchy, Cristobel Balenciaga et, en Italie, Emilio Schuberth et Emilio Pucci, sont tout aussi influents. En 1954, Chanel rouvre son salon et fait la publicité d’un tailleur immédiatement célèbre, avec une veste ample et une jupe légèrement évasée, en contraste direct avec le style plus rigide et plus ajusté de Dior. En 1957, à la mort de Christian Dior, Yves Saint Laurent lui emboîte le pas. Sa ligne de trapèze, ou de tente, dans laquelle il ose nier la silhouette féminine, est un premier succès sensationnel, bien que controversé.

Naturellement, les femmes ont d’autres préoccupations que les diktats de la mode de Dior, mais de nombreuses couturières privées prennent exemple sur l’une ou l’autre ligne de haute couture. Les magazines de mode adaptaient également les modes d’élite pour le consommateur moyen.

L’image de la mode en France et à l’étranger était définie par deux points fondamentaux : la ligne étroite avec sa forte conscience du corps et l’attention attirée sur la ligne des hanches par une ceinture froncée, et le large jupon oscillant et jeune. Tous deux cherchaient à créer une taille de guêpe de rêve, rétrécie comme par magie par un corset – la guepière – ou une gaine. En plus des costumes et des vestes, la robe chemise, avec sa coupe décontractée et sportive, son col chemise et ses manches à revers, était un vêtement adapté à toutes les occasions.

Dans les robes de cocktail, les femmes préféraient les modèles extrêmes comme la coupole de Dior ou le look ballon de Givenchy, dont la large jupe était fortement rentrée à l’ourlet. Les nouvelles matières synthétiques comme le nylon, le perlon, le dralon, le trevira, le térylène, l’élastique et le similicuir réalisent le rêve d’une mode pour tous. « Séchage à sec » et « laver et porter » sont les mots magiques de la publicité, reléguant le fer à repasser au passé. Pour les loisirs des adolescents, il y a les jeans, les pantalons capri et les ballerines. La chemise de nuit courte à la coupe enfantine avec culotte bouffante, appelée « baby doll », est une nouveauté. Les adolescents agressivement intellectuels étaient attirés par l’existentialisme français et portaient des cols roulés noirs, des vêtements serrés en cuir noir, et des bas noirs au lieu de nylons transparents.

Des accessoires soigneusement coordonnés faisaient partie de la tenue élégante de tous les jours. Les chaussures aux bouts arrondis et aux talons carrés ont évolué en 1955-1956 vers leur célèbre forme pointue et leurs talons aiguilles.

La mode allemande des sports d’hiver est devenue un modèle international. Le pantalon de ski de Maria Bogner, « le Bogner’s », est devenu un mot familier aux États-Unis, tout comme la première combinaison de ski élastique à une pièce, inventée par Bogner en 1955.

Après 1953, l’Italie, avec ses costumes soucieux du corps, a commencé à concurrencer la confection traditionnelle anglaise. Dans l’ensemble, la mode masculine était conservatrice : les chemises en nylon étaient blanches comme neige et les cravates étroites. La chemise hawaïenne est un vêtement de loisir populaire. Les Teddy Boys anglais, un groupe d’adolescents marginaux, portaient des vestes semblables à des redingotes et des pantalons extrêmement étroits ; leurs cheveux étaient coiffés en arrière sur le front en une vague avec de la lotion. Les toughs, en revanche, étaient connus par leurs tenues en cuir noir.

Les années 1960

Les années 1959 à 1963 ont été une période de transition entre le style résolument féminin des années 1950 et le style adolescent des années suivantes. Les adolescentes préféraient les jupons larges, tandis que les femmes d’âge mûr choisissaient des robes fourreaux étroites et, comme robe d’après-midi ou de cocktail, un look superposé extravagant, avec une jupe moulante superposée à une jupe tulipe plus courte. La véritable mode des années 1960 a commencé en 1964. Le « Swinging London » devient la métropole de la mode pour les jeunes. Mary Quant et ses robes smock longueur cuisse qui font la une des journaux. Son mini-style ne se veut pas élitiste, mais populaire ; elle commercialise donc ses propres bas mode, sans lesquels la mini est difficilement portable. La coiffure à angle vif de Vidal Sassoon est également nouvelle. Le pendant du look Mary Quant est le look exotique Biba de Barbara Hulanicki à Londres. Twiggy devient le mannequin le plus célèbre et le « haricot magique le plus cher du monde ». La minceur devient, à partir de ce moment-là, une exigence de beauté. En 1964, Rudi Gernreich présente son maillot de bain sans haut, qui correspond à la tendance à la libération sexuelle. Il invente également le soutien-gorge « sans soutien-gorge ».

Les créateurs parisiens ne participent qu’à contrecœur à l’anticonformisme de la jeunesse et au prêt-à-porter. Yves Saint Laurent présente des vêtements avec de grandes images pop-art appliquées en rose shocking, une collection Mondrian avec des lignes et des surfaces contrastées et, en 1966, le look transparent. Paco Rabanne fait sensation avec des mini robes fourreaux en disques de plastique et de métal et les créations de Pierre Cardin présentent des trous ronds, des « découpes », ainsi que des structures moulées. La mode d’André Courrège est le dernier cri de l’euphorie de l’ère spatiale. Ses moon maids, avec leurs pantalons stretch à paillettes argentées, leurs bottes synthétiques blanches et leurs lunettes de soleil blanches avec des fentes pour voir, représentent le futurisme pur. Son costume Courrèges, avec sa veste à coupe géométrique et son col à découpe angulaire, fait fureur. Pour tous les opposants à la mini-jupe, les pantalons sont populaires dans toutes les formes et longueurs imaginables, mais surtout les jeans. Les costumes pantalons ont remplacé le costume traditionnel. Souvent, une mini robe super courte est portée comme une tunique sur un pantalon. La largeur de la jambe du pantalon sous le genou s’élargit progressivement. Plus la « cloche » était large, plus elle était élégante.

Pendant un moment, en 1965, il a semblé que la jeune génération avait dit adieu à la mini-jupe, car la mode imitait le film « Dr Zhivago », avec des manteaux longs et des bonnets russes. Les looks hippie et beatnik, qui protestaient contre le consumérisme, s’opposaient idéologiquement et stylistiquement à la mode dominante, et mélangeaient et assortissaient les costumes paysans internationaux, comme les ponchos, les chapeaux péruviens, les bottes esquimaudes, les blouses indiennes et les vestes en peau de mouton afghanes. Les jeunes cousaient des fleurs sur des jeans, portaient des chapeaux flottants ou montraient leur corps nu, peint uniquement avec des fleurs. La créativité se donne libre cours, sous la devise « le fait main est chic » : Les t-shirts étaient batiks ou peints, les jeans brodés, les casquettes cousues, les ceintures à franges de cuir tressées, les bijoux en argent entortillés, les gilets crochetés, les pulls tricotés, mais le style hippie fut rapidement coopté par le marché.

Les costumes à col montant de Pierre Cardin, sans revers ni col ou avec de petits cols mandarins (ou « Nehru »), créèrent une furie et furent adoptés par les Beatles. Les mods anglais sont plus radicaux, avec leurs parkas et leurs chaussures Clark. La coiffure « mop top » des Beatles est devenue un conflit générationnel. Après 1965, les hommes préfèrent le look ethnique coloré des hippies. Le pull à col roulé et plus tard le T-shirt se substituèrent à la chemise.

Les années 1970

« Fais ce que tu veux », telle était la devise de la mode au début des années 1970. L’idéal des hippies,  » nous sommes tous égaux « , donnait le ton à des looks unisexes et folkloriques. Le fait main est à la mode, qu’il s’agisse de chemises en batik, de châles tricotés, de bonnets crochetés ou de pulls en laine de mouton filée à la main. La sobriété est à la mode et les vêtements de seconde main ne sont plus réservés aux nécessiteux. Le soutien-gorge lui-même est victime de la libération générale de toutes les contraintes. Les féministes parlent de la « poitrine libérée ». Les directives de la haute couture font défaut ; même les créateurs parisiens se trouvent en crise. La mode se doit d’être multiple, simple, originale et individuelle, et la longueur des ourlets varie entre mini, midi et maxi selon la fantaisie et l’humeur. Le romantisme moderne – la vague de la nostalgie – donne lieu à des mini-robes (encore à la mode jusqu’en 1973), des tops enveloppants, des manches à ailettes et à volants et des jupes à clochettes. Les cheveux sont longs et légèrement ondulés ou enroulés en boucles en tire-bouchon. Les faux cils ou les lignes peintes font apparaître des yeux de star comme par magie.

Pratiquement aucune autre mode n’a fait autant sensation que les pantalons chauds en 1971-1972. Ils étaient non seulement portés comme des shorts d’été super courts, mais aussi destinés à l’hiver avec des chaussettes de laine épaisses. Les pantalons chauds étaient compensés par les maxi-manteaux et les chaussures à plateforme. Des pantalons de toutes sortes ont permis d’atténuer les conflits de longueur. On trouve des pantalons moulants jusqu’aux genoux, des gauchos larges, des culottes, des culottes, des pantalons de harem, des pantalons à tuyau d’évacuation jusqu’aux chevilles, des pantalons larges à la Marlene Dietrich et, jusqu’en 1974, des pantalons à clochettes. Le jean est devenu le vêtement universel, traversant toutes les frontières de classe et d’âge. Les vestes, les pulls, les gilets et les T-shirts sont très ajustés au corps. Les pull-overs arborent des motifs spirituels tels que des arbres, des maisons ou des voitures. Les vêtements de fête de longueur maxi (les tenues de soirée étaient exclues) présentaient des motifs audacieux tels que des graphiques de Vasarely, du pop-art ou des images de Hundertwasser.

Après 1974, une série de looks se succèdent sans constituer un seul style unifié. En 1975, on trouve des caftans et le look chinois avec des vestes courtes matelassées. En 1976, le look moyen-oriental domine, avec des tuniques sur des pantalons de harem, et, plus tard, le look superposé. Un maître du mélange folklorique est le créateur japonais Kenzo (Takada), dont la boutique parisienne « Jungle Jap » a eu une influence décisive. La mode traditionnelle, en revanche, était plutôt conservatrice et mettait en vedette la jupe plissée en parapluie (ou à godets), qui arrivait juste en dessous du genou.

En 1976, la presse de la mode a rapporté avec euphorie la collection « Ballets Russes-Opéra » d’Yves Saint Laurent. Il s’agissait d’un élégant look paysan avec de longues et larges jupes en soie chatoyante et des vestes boléro dans des combinaisons de couleurs inattendues comme le rouge, le lilas, l’orange et le rose, de délicates blouses transparentes à larges manches et des turbans dorés.

À partir de 1977, les vêtements punk exercent une forte influence sur la mode pendant les années suivantes. La génération anti-bourgeoise et « no-future » choquait par son look brutal : épingles à nourrice à travers les joues et les lobes d’oreilles, colliers de chiens et lames de rasoir en guise de colliers, yeux diaboliquement maquillés, lèvres noires, jeans et T-shirts déchirés, bas résilles déchirés et bottes Doc Marten’s résistantes. Leurs cheveux, qui contrastaient avec leurs tenues grises et noires, se distinguaient des « normaux » par leurs mèches vertes et rouges et leur coiffure en épi (mohawk). Les initiés se rencontraient dans la boutique de Vivienne Westwood et Malcolm McLaren sur King’s Road, appelée « Sex » en 1974 puis, plus tard, « Seditionaries » en 1978.

En 1978, les créateurs parisiens de prêt-à-porter, surtout Claude Montana, ont introduit le look militaire et punk sur les podiums. Les larges épaules « puissantes » et les vêtements surdimensionnés initient une nouvelle silhouette de mode qui deviendra le style caractéristique des années 1980.

Le livre américain de 1975, Dress for Success de John T. Molloy, donnait à l’exilé de la culture hippie des conseils sur la manière de se commercialiser avec les bons vêtements, sur le pouvoir de la chemise blanche, sur la manière d’interpréter les codes des motifs de cravate, et sur la manière de réussir dans le « big business ». Deux ans plus tard, en 1977, la suite de Molloy suivit, The Woman’s Dress for Success Book.

Les années 1980

La silhouette de la mode des années 1980 était définie par des manches gigot (gigot de mouton) surdimensionnées et volumineuses et de larges épaules rembourrées qui coïncidaient avec la lutte pour l’égalité des droits des femmes. Même les tenues de soirée, qui privilégient les décolletés et les tailles étroites, doivent avoir des épaules rembourrées. Les ourlets ne sont plus un problème. Les adolescentes portent des mini-robes amples, mais en général, les jupes vont du dessous du genou au mollet. Les femmes portaient des vestes masculines, des vestes courtes à clochettes ou des vestes larges à épaulettes, de type « box », avec des pantalons. Dans le même temps, la mode est devenue un signe de prestige et un symbole de statut, mieux représenté par les marques, et une préférence pour le cuir, la fourrure et les accessoires de couleur dorée.

Les designers d’avant-garde japonais, qui ont attiré une bonne partie de l’attention en Europe au cours des années 1980, contrastaient fortement avec cette tendance. Dans la tradition des vêtements japonais, Yohji Yamamoto drape des écheveaux de tissu de manière lâche autour du corps. En 1981, la société de mode « Comme des Garçons » de Rei Kawakubo a remis en question toute l’esthétique de la mode occidentale. Elle a déchiqueté des jupes en bandes volantes, déchiré des tissus, les a noués ensemble et les a superposés en croix. Le noir et le gris dominent. Issey Miyake était connu pour son utilisation très expérimentale des matériaux et des méthodes, démontrée par ses corsages en rotin inspirés des armures d’entraînement des samouraïs en 1982, et sa première collection « Pleats Please » de 1989.

En 1983, Karl Lagerfeld devient le créateur de la maison de haute couture Chanel. Il retravaille le légendaire tailleur Chanel pour qu’il soit nouveau et décomplexé, et ajoute des jupes en cuir et des tailleurs-pantalons. Les créateurs parisiens ont proposé une nouvelle conscience du corps comme alternative à la folie du surdimensionnement. Thierry Mugler a étincelé avec des costumes corsetés et des vêtements de sirène, Jean-Paul Gaultier avec du velours moulant et des poitrines de grenade, et Azzedine Alaïa avec des vêtements accrocheurs à lacets.

Le style des créateurs américains est devenu synonyme de sportswear et de chic épuré. Ralph Lauren a donné à la tradition un lifting moderne avec son concept de « country-style ». Donna Karan était chérie pour sa  » mode fonctionnelle pour toute la journée  » avec des bodys en jersey au lieu de chemisiers. Calvin Klein était considéré comme l’inventeur des jeans de marque.

La scène musicale fournissait de plus en plus de modèles de style. L’icône pop Madonna était fascinante comme une Marilyn Monroe contemporaine. Son apparition dans un corset a été l’impulsion de la mode des sous-vêtements en tant que vêtements de dessus, mettant en vedette des bustiers et des corsets.

La folie du fitness a exercé la plus grande influence sur la mode quotidienne à la fin des années 1980. Les jambières de la danseuse de ballet, les leggings de l’adepte de l’aérobic et les pantalons du coureur cycliste sont apparus dans la mode quotidienne. Les leggings disponibles dans les motifs les plus fous, les couleurs les plus criardes et les tissus extensibles les plus brillants, étaient portés avec des blazers ou de longs pulls.

Vers la fin de la décennie, le long blazer avec une jupe droite jusqu’au genou et des bas noirs opaques est devenu la tenue classique des femmes d’affaires. La mode du soir, et le renouveau de la robe de cocktail, est, en revanche, résolument féminine. Christian Lacroix, dont le premier défilé haute couture en 1987 a apporté une frénésie de couleurs, est devenu le maître des robes de cocktail avec des tutus courts et désinvoltes et des jupes ballons.

En réponse aux campagnes massives de défense des droits des animaux, le port de la fourrure est devenu une « question de conscience », rendant à la mode les fausses fourrures colorées et les manteaux en duvet matelassé.

La nouvelle mode masculine de Yohji Yamamoto, avec ses vestes fluides et sans col, proposait une alternative au costume d’affaires conventionnel à épaulettes du yuppie. Giorgio Armani a mené l’essor de la mode masculine milanaise, et le fabricant allemand Boss a obtenu une reconnaissance internationale pour sa mode masculine.

En 1982, Calvin Klein a révolutionné les sous-vêtements masculins, faisant d’un simple slip côtelés pour homme un article de créateur en imprimant son nom sur la ceinture élastique. En 1985, l’androgynie est devenue une déclaration de mode provocante ; Jean-Paul Gaultier a créé des jupes pour l’homme conscient de son corps.

Les années 1990

La mode est devenue une question de « quel créateur ? » avec des styles extrêmement variés. Au début des années 1990, les créateurs belges Anne Demeulemeester et Martin Margiela ont amorcé une nouvelle orientation stylistique avec l’avènement du grunge et du look poor-boy, faisant d’Anvers, qui abritait également les créateurs Dries Van Noten, Dirk Bikkembergs et Walter Van Beirendock, le nouveau centre de la mode. La créatrice anglaise Vivianne Westwood reçoit enfin une reconnaissance internationale pour ses réinterprétations audacieuses de styles historiques. Les nouveaux venus londoniens John Galliano et Alexander McQueen se sont imposés comme stylistes en chef, respectivement chez Christian Dior et Givenchy à Paris. Jean-Paul Gaultier a continué à connaître un grand succès avec ses collections de sous-vêtements, notamment avec Madonna au centre. La palette de mode du créateur italien Gianni Versace s’étend des motifs néo-baroques au style bondage, tandis que la maison Gucci, sous la direction du Texan Tom Ford, combine purisme et érotisme. Miuccia Prada a pris le relais, avec son style « mauvais goût », et une relance réussie des styles passés. Giorgio Armani est resté le maître du purisme, tandis que Dolce & Gabbana a célébré l’érotisme des femmes avec de la lingerie noire et des imprimés animaliers. Jill Sanders, de Hambourg, a perfectionné son minimalisme pour obtenir une renommée internationale. Le créateur autrichien Helmut Lang s’est établi à New York ; son look de couches transparentes et ses lignes mini-malistes ont donné un nouvel élan à la mode. Aux côtés des créateurs, les top-modèles, comme Claudia Schiffer, Naomi Campbell, Linda Evangelista et Cindy Crawford, étaient au centre de tous les événements de mode.

Dans la mode quotidienne, les leggings, de toutes les couleurs et de tous les motifs, ont dominé au début de la décennie. Portés sous des jupes élégamment transparentes, arrivant au mollet, et de longs blazers aux blocages multicolores, les leggings couvraient discrètement les jambes. Le look transparent est apparu quelque peu dans la mode grand public, superposé à des bodys, bustiers et soutiens-gorge en dentelle. Vers la fin de la décennie, les chemises froissées, les ourlets en lambeaux et les coutures à l’envers sont acceptés. Le sac baguette, rendu public par Fendi, a amené le sac à main, après deux décennies de sacs à dos, sur le devant de la scène de la mode.

La commercialisation des noms de marque est devenue de plus en plus importante : les adultes privilégiant Louis Vuitton, Hermès ou Escada, et les adolescents des deux sexes privilégiant les marques de vêtements de sport comme Diesel, Chiemsee, Burton, Nike, Adidas ou Levis. Le fabricant de mode italien Benetton a suscité de vives controverses à propos de sa publicité.

La mode masculine a également été de plus en plus déterminée par des créateurs aux styles clairement différenciés, allant des costumes aux coupes amples de Giorgio Armani aux costumes à col relativement haut et aux pantalons étroits avec une bande de satin sur les coutures des jambes tournées vers l’extérieur de Hemut Lang, conscients de leur corps. Les pantalons bouffants et les chemises extra-larges restent populaires auprès de la jeune génération. Le pantalon cargo a été introduit en 1999 comme vêtement de sport.

Voir aussi Giorgio Armani ; Art nouveau et Art déco ; Pierre Cardin ; Gabrielle (coco) Chanel ; Corset ; Christian Dior ; Europe et Amérique : histoire du vêtement (400-1900 C. E.).E.) ; Jean-Paul Gaultier ; Haute Couture ; Karl Lagerfeld ; Helmut Lang ; Jean Patou ; Paul Poiret ; Mary Quant ; Yves Saint Laurent ; Costume d’affaires ; Modes Youthquake.

Bibliographie

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