Qué es el fotomontaje – Definición e historia

Uno de los aspectos más importantes de la fotografía es su imagen física. Aunque en la era digital actual parece que el proceso de impresión sólo tiene valor para las bellas artes, los fotógrafos llevan experimentando con la fisicidad del medio desde el siglo XIX de muchas formas creativas. Una de ellas es el fotomontaje, revolucionario por derecho propio, ya que proporcionó a los artistas la oportunidad de ir más allá de la atrevida búsqueda del medio para representar la realidad exactamente como es. En sus propios términos, esta técnica ofrecía mundos nuevos, o al menos reinterpretados en una placa fotográfica, obras de arte que combinaban muchas fotografías en una sola con el fin de fomentar nuevas visiones e ideas.

Hoy podemos hablar del arte del fotomontaje tanto en versión impresa como digital, de sus múltiples posibilidades técnicas dentro de estos dos ámbitos, así como de las cuestiones éticas a las que se enfrenta en el arte contemporáneo, pero antes, vamos a intentar responder a la pregunta: ¿qué es exactamente el fotomontaje?

Definiendo el fotomontaje : Fotografía creativa

Por definición, el fotomontaje es una combinación de varias tomas unidas para conseguir un efecto artístico o para mostrar más del tema de lo que se puede mostrar en una sola obra. Las imágenes se componen cortando, pegando, arreglando y superponiendo dos o más fotos o reproducciones de fotos juntas, a veces en combinación con otro material no fotográfico como texto u otras formas abstractas. El proceso de creación de una foto collage se remonta a los primeros intentos de impresión en el cuarto oscuro, cuando los fotógrafos experimentaban con la impresión por contacto directo de objetos colocados en placas fotográficas, o con técnicas como la doble exposición y el enmascaramiento. Por supuesto, el arte de «montar las fotos juntas» no tiene por qué implicar la creación de nuevas imágenes, sino que también puede emplear impresiones encontradas y existentes, dependiendo de las intenciones y los objetivos del artista. Finalmente, con la llegada de los ordenadores, la necesidad de contar con imágenes físicas desapareció por completo, ya que los ejemplos actuales de arte de fotomontaje se ensamblan con software de edición y a menudo nunca acaban en forma impresa.

Fotografía de collage a lo largo de la historia

Tal vez el fotomontaje más famoso se produjo a mediados de la era victoriana. Llamado entonces «impresión combinada», fue creado por Oscar Rejlander, un fotógrafo pionero que fue uno de los expertos en la materia. Su foto collage de 1857, The Two Ways of Life, fue seguida por la de 1858, Fading Away, de otro artista, Henry Peach Robinson. A finales de siglo, muchas otras obras cobraron vida, concretamente en forma de tarjetas postales de aspecto gracioso que a menudo presentaban la cabeza equivocada pegada a un cuerpo diferente, o la creación de criaturas extrañas e imposibles. Al comienzo de la Primera Guerra Mundial, el método cobró su primer impulso, con fotógrafos de toda Europa que producían postales que mostraban a los soldados partiendo hacia la batalla con sus seres queridos despidiéndolos. Más concretamente, fue el grupo Dadá de Berlín el que lo desarrolló como herramienta de protesta contra la guerra y otras cuestiones políticas de la época, convirtiéndolo en una forma de arte moderno propiamente dicha.

El fotomontaje de los dadaístas berlineses

En un esfuerzo colectivo, los dadaístas berlineses utilizaron fotografías reales o reproducciones fotográficas para enfatizar la destrucción y los horrores de la guerra. Utilizando tijeras y pegamento en lugar de un pincel tradicional y llamándose a sí mismos «monteurs» (mecánicos), los dadaístas se apropiaron de las imágenes de los medios de comunicación de masas y crearon una crítica aguda y agresiva de los acontecimientos mundiales. La gran variedad de estilos y formas de trabajar les ayudó a representar imágenes despiertas de la realidad y a llamar la atención sobre las espeluznantes consecuencias de nuestro propio hacer, a la vez que atacaban las nociones y reglas impuestas de la creación artística tradicional. La obra de arte seminal de este periodo es la obra de Hannah Höch 1919-20 Corte con un cuchillo de cocina a través de la última época cultural de la cerveza de Weimar en Alemania, que recoge imágenes de figuras prominentes como Albert Einstein y la artista alemana Käthe Kollwitz para hacer una nueva declaración sobre la vida moderna y el arte en el movimiento. Las obras de John Heartfield, un dedicado activista antinazi, así como las de Kurt Schwitters, Raoul Hausmann y Johannes Baader, contribuyeron a la creación de un lenguaje visual que pasó a inspirar otro importante movimiento del siglo XX.

Una influencia mundial

Como herramienta creativa bastante consolidada, el fotomontaje fue rápidamente adoptado por los surrealistas, a quienes les atraía la idea de jugar con la realidad de forma inusual. Entre ellos, tenemos a Salvador Dalí y Man Ray como destacados practicantes del fotomontaje que disfrutaban reflejando el funcionamiento de la mente inconsciente. Alrededor de la misma época, los constructivistas rusos como El Lissitzky, Alexander Rodchenko y Gustav Klutsis utilizaron la fotografía de collage como medio de trabajo artístico propagandístico, que continuó en las décadas siguientes. En la asediada República de España, el lenguaje de esta forma de creatividad también floreció, como respuesta a la Guerra Civil, a través de las obras del artista gráfico Josep Renau. En Japón, el pintor vanguardista Harue Koga también produjo cuadros de estilo fotomontaje basados en imágenes extraídas de revistas.

¡Descubra las obras disponibles de Man Ray en nuestro mercado!

Después de la Segunda Guerra Mundial y el comienzo de la Guerra Fría, la popularidad del arte del fotomontaje disminuyó, ya que el público se cansó de este tipo de imágenes y se decantó por las emocionantes maravillas de la televisión. Sin embargo, su siguiente gran resurgimiento llegó con los años 80 y la política del movimiento antinuclear en Europa. Gran parte del montaje de esta época se diseñó para las pancartas de las manifestaciones, cuyo objetivo era un medio de comunicación muy gráfico y agresivo, como se ve en las obras de Peter Kennard, descontento con la falta de inmediatez de la pintura y cuyo montaje fotográfico mostraba la «verdad no revelada» tras la desigualdad económica, la brutalidad policial y la carrera armamentística nuclear. Hoy en día, estas obras de arte contienen desde texto hasta sonido, gracias a la evolución de las tecnologías digitales y el desarrollo de software, especialmente Adobe Photoshop.

Técnicas de fotomontaje

Técnicas de fotomontaje

Las técnicas de fotomontaje han evolucionado significativamente en la última década con la integración de los ordenadores en el proceso de creación de arte y la introducción de software de edición de imágenes digitales. Los montajes se crean ahora digitalmente a través de diversos programas informáticos como Adobe Photoshop, Paint Shop Pro, Corel Photopaint, Pixelmator, Paint.NET o GIMP. Estos programas han facilitado mucho el proceso y han permitido a la gente ampliar los límites de la imagen digital. Pero durante los siglos XIX y XX, la creación del fotomontaje era completamente física e implicaba mucha imaginación y procesos y técnicas mucho más complicados.

Impresión combinada

La técnica que abrió el camino fue la impresión combinada de Henry Peach Robinson. Consiste en el uso de negativos de dos o más imágenes fotográficas para producir una sola. Este complejo método surgió del deseo de transformar la fotografía en arte y producir imágenes idealizadas. Debido a las limitaciones de la sensibilidad lumínica del negativo y de la tecnología de las cámaras, fue propuesto por primera vez por el fotógrafo francés Hippolyte Bayard con el fin de producir una imagen equilibrada con una exposición adecuada tanto del sujeto como del fondo. Abriendo otra ventana a la creatividad, fotógrafos como Peach Robinson, Oscar Rejlander y William Frederic Lace Price lo adoptaron para producir originales fotomontajes. Dado que una foto se consideraba la verdad, la impresión combinada inspiró mucha controversia en la comunidad fotográfica de la época, ya que tergiversaba el mundo real. Esta forma de manipulación destruyó por completo «la verdad» que rodeaba al medio y cambió por completo la forma en que la gente percibía la realización de fotografías.

Otras técnicas

A medida que la realización de fotografías evolucionó como medio, comenzaron a surgir nuevos métodos. Creadores como Romare Bearden utilizaron la proyección frontal. En sus proyecciones montadas, utilizaba composiciones de papel, pintura y fotos que colocaba en tableros que medían 8½ × 11 pulgadas. Las imágenes se fijaban con una emulsión aplicada a mano y posteriormente se fotografiaban y ampliaban. En lo que respecta a Dada, su proceso implicaba tijeras y pegamento. En su asalto radical al arte, cortaban y pegaban físicamente imágenes reales y las combinaban en originales collages. Con el avance de las cámaras analógicas, la doble o múltiple exposición se hizo muy popular. Los fotógrafos abrían el obturador de la cámara varias veces para exponer la película con diferentes imágenes. Con cada imagen posterior superpuesta sobre la primera, se originaban imágenes fantasmales de personas y objetos que se añadían a la escena original.

Artistas famosos del fotomontaje

El fotomontaje como forma de arte ha atraído a muchos artistas a lo largo de la historia del arte, desde los primeros fotógrafos experimentales, los dadaístas, los surrealistas y otros defensores de la vanguardia. Al considerarlo un proceso radical que a menudo creaba controversias, los creativos lo han empleado con diversas intenciones, como infundir más creatividad a la fotografía, criticar a la sociedad y reflejar el cambio social, cuestionar la idea de lo que es el arte o simplemente deconstruir la idea de una foto. Al permitir una notable creatividad, pero también al tener una gran carga política, este medio fue muy diverso en la práctica. Puesto que son muchas las figuras destacadas que se han asociado al método, echemos un vistazo a los nombres de los creativos más significativos que lo defendieron.

Oscar Rejlander

Pionero de la fotografía artística y experto en fotomontaje, Oscar Rejlander es considerado el padre de la fotografía artística. Tras aprender los procesos de colodión húmedo y papel encerado, comenzó a trabajar en el retrato, pero también creó importantes obras de arte erótico con modelos de circo, niños de la calle y niñas prostitutas. Después de experimentar ampliamente con la impresión combinada, realizó su infame grabado Los dos caminos de la vida, compuesto por treinta y dos imágenes. El grabado, que muestra a dos niños a los que el patriarca ofrece orientación, causó inicialmente una gran controversia por su desnudez parcial. Aun así, la impresión acabó siendo un éxito y poco después fue admitido en la Real Sociedad Fotográfica de Londres. Continuó experimentando con la doble exposición, la manipulación fotográfica y el retoque a lo largo de su carrera. Las ideas y los métodos de Rejlander fueron adoptados por otros fotógrafos de la época.

Henry Peach Robinson

Henry Peach Robinson es más conocido por ser el pionero del proceso de impresión combinada como ejemplo temprano de fotomontaje. Sus fotos y escritos pictorialistas le convirtieron en uno de los fotógrafos más influyentes de la segunda mitad del siglo XIX. Después de trabajar en el retrato comercial, empezó a hacer fotografías que imitaban los temas y las composiciones de los cuadros de género anecdótico. Sus primeras obras conocidas creadas mediante impresión combinada fueron Julieta con la botella de veneno, pero su fotografía compuesta más famosa es Fading Away, que muestra a una chica en su lecho de muerte rodeada de su familia. Pertenece a su fase prerrafaelista, en la que intentó capturar momentos de importancia intemporal en un entorno «medieval». Percibía la creación de fotos combinadas tan exigente como la pintura para el artista.

Hannah Höch

Una de las pocas mujeres asociadas al dadaísmo, Hannah Höch promovió continuamente la idea de que las mujeres trabajaran creativamente en la sociedad. En sus fotomontajes, utilizaba los elementos visuales de otras personas para transformarlos e integrarlos en sus piezas más grandes, donde estas imágenes inicialmente no relacionadas formaban narrativas perspicaces. Es una estrategia que adoptaron muchos dadaístas y surrealistas. Como criticaba activamente a la sociedad, sus obras pioneras de fotomontaje reflejaban a menudo cuestiones de género y el papel de la mujer en la sociedad moderna. Promovió activamente la idea de la «Nueva Mujer» de la época. Además de los fotomontajes, a menudo incorporaba readymades, cuestionando siempre la noción y la idea del arte en sí. También es famosa por las Muñecas Dadá, que eran muy diferentes de cualquier otra pieza asociada a este movimiento.

John Heartfield

Pionero en el uso del arte como arma política, John Heartfield incorporó a menudo declaraciones antinazis y antifascistas. Tras conocer el dadaísmo, empezó a crear arte en medios mixtos con una cacofonía de elementos visuales que transmitían un mensaje claro a su público. Desarrolló un método único en el que se apropiaba y reutilizaba imágenes para crear piezas con un poderoso efecto político. Reflejando el caos y la incertidumbre que vivió Alemania durante los años 20 y 30, sus piezas transformaron esta forma de arte en una poderosa forma de comunicación de masas. Elegía fotos de políticos de la prensa y las desmontaba y reordenaba para componer un significado radicalmente distinto. Su pieza más famosa, Guerra y cadáveres: La última esperanza de los ricos, de 1932, reflejaba el peligroso impulso de Alemania hacia la guerra.

Kurt Schwitters

Habiendo trabajado dentro de varios géneros como el constructivismo, la Bauhaus, De Stijl y el surrealismo y varios medios como la poesía, el sonido, la pintura, la escultura, la tipografía y el diseño gráfico, Kurt Schwitters es más famoso por sus collages llamados Merz Pictures. Llamó específicamente a estos collages Merz para distinguirlos del cubismo, el expresionismo e incluso el dadaísmo. Con los años, extendió este nombre a todas sus actividades, incluidas la poesía, las instalaciones y la performance. Sus piezas Merz se componían de materiales de desecho, como etiquetas, billetes de autobús y trozos de madera rota. A partir de 1923, empezó a hacer grandes construcciones Merz en su casa de Hannover, las llamadas primeras Merzbau. Sus obras fueron prohibidas como «arte degenerado» por el régimen nazi en 1937. Tras huir a Noruega, construyó su segunda Merzbau.

Man Ray

Contribuyente importante del dadaísmo y el surrealismo, Man Ray creó fotografías que operaban en la brecha entre el arte y la vida. André Breton lo describió como un «presurrealista», ya que su arte influyó en gran medida en Marcel Duchamp y ha sido muy importante para popularizar el surrealismo. Hizo importantes contribuciones a la fotografía de vanguardia, de moda y de retratos, pero también es muy famoso por sus fotomontajes. Estas impresiones juegan con la feminidad y la forma y experimentan con diversas técnicas, como las exposiciones múltiples. Sus piezas más famosas de este tipo son las protagonizadas por Alice Prin y Dora Maar. Con Lee Miller, reinventó la «solarización», un proceso fotográfico que registra imágenes en el negativo invirtiendo la oscuridad con la luz y viceversa. También defendió la técnica del «shadowgraph», un proceso de creación de imágenes sin cámara utilizando papel sensible a la luz.

El Lissitzky

Utilizando el arte para un cambio social y político, El Lissitzky fue un pintor, diseñador y tipógrafo ruso. Durante los últimos años de la década de 1920 y los primeros de la de 1930, Lissitzky experimentó con los medios más modernos, como la tipografía, la fotografía y el fotomontaje. Se considera que este es su periodo más progresista. Para él, la fotografía era la forma más eficaz de expresar la dinámica de su país. Experimentó ampliamente con los fotogramas y el collage fotográfico y creó montajes en forma de fotos de varias capas. Utilizando exposiciones múltiples en la impresión, explotó el efecto de la transparencia y la yuxtaposición para lograr composiciones dinámicas. El fotomontaje del anuncio del nacimiento de su hijo presentaba la imagen superpuesta del niño Jen sobre la chimenea de una fábrica, vinculando el futuro de su hijo con el progreso industrial del país. Su arte influyó en gran medida en los talentos de De Stijl y en los instructores de la Bauhaus.

Alexander Rodchenko

Como uno de los más importantes artistas de vanguardia que puso su arte al servicio de la revolución política, Alexander Rodchenko fue un influyente fundador del movimiento constructivista. Aunque inicialmente se dedicó a la pintura, en 1921 comenzó a concentrarse en los objetos de diseño tridimensional, los bocetos arquitectónicos y la fotografía. La fotografía fue lo que más éxito le reportó. Fue famoso por sus composiciones vanguardistas y su enfoque experimental del enfoque y el contraste. Impresionado por los dadaístas alemanes, Rodchenko empezó a experimentar con el medio. Primero utilizó imágenes encontradas, pero más tarde empezó a fotografiar sus propias imágenes. Su fotomontaje se publicó por primera vez como ilustración del poema About This de Mayakovsky en 1923. Sus trabajos en la creación de fotografías contribuyeron significativamente a la fotografía europea de la década de 1920.

John Stezaker

El artista conceptual británico John Stezaker crea collages irreverentes a partir de glamurosos retratos de los años 50 en los que aparecen elegantes hombres trajeados y estrellas de Hollywood. Combina estas imágenes como readymades con otros rostros o incluso paisajes para lograr el efecto de lo extraño y absurdo. Reexamina diversas relaciones con la imagen fotográfica, como la documentación de la verdad, el proveedor de memoria o el símbolo de la cultura moderna. Mediante elegantes e inteligentes yuxtaposiciones, crea sus propios y conmovedores significados. Conjura ideas radicales a partir de imágenes que, de otro modo, atraerían al espectador cotidiano. Evita el término fotomontaje en favor del collage. Como él mismo afirma, «cortar una fotografía puede ser como cortar la carne». En 2012 recibió el premio de fotografía de la Deutsche Börse, y las opiniones dispares de la crítica al respecto demuestran que el fotomontaje se sigue percibiendo de forma controvertida.

Josep Renau

La obra del pintor, cartelista y muralista español Josep Renau siempre fue política. Se afilió al Partido Comunista en 1931 y a mediados de los años 30 creó carteles que apoyaban a la República Española contra el ejército de Franco. Después de su exilio en México tras el final de la Guerra Civil española, se vio muy influenciado por la imaginería de la cultura popular de Estados Unidos. Se apropió de las imágenes de la publicidad y las revistas populares estadounidenses y las yuxtapuso en montajes que trataban del racismo, el sexismo, el poder de los medios de comunicación y el consumismo. Con estas obras, atacaba directamente a la cultura estadounidense de una forma ingeniosa e inteligente. Esta serie de collages se expuso por primera vez en Estados Unidos a finales de la década de 1980. Rara vez se le menciona con los primeros defensores radicales del fotomontaje, pero ha desempeñado un papel importante en el desarrollo de esta forma.

Consejo del editor: Hannah Höch: Life Portrait: A Collaged Autobiography

Hannah Höch: Life Portrait divide la monumental composición en 38 secciones individuales, tal y como Höch la imaginó, y ofrece textos explicativos y citas relevantes para complementar cada sección. Este volumen, una de las pocas publicaciones en inglés sobre la artista, explora la última obra maestra de Höch y el trabajo de toda una vida que representa. El último fotocollage de Höch -y el más grande, de casi 1,5 metros-, «Retrato de vida», fue creado entre 1972 y 1973. Aunque en un principio no se propuso hacer una obra autobiográfica, el collage funciona como una especie de autorretrato de la artista, que mira hacia atrás en su vida y su obra, a la vez que comenta de forma irónica y poética los principales acontecimientos políticos, sociales y artísticos de los 50 años anteriores.

Ejemplos de fotomontajes famosos, y la ética que hay detrás

Si puede haber una pintura abstracta, ¿por qué no va a haber una foto abstracta? A veces, por supuesto, es bastante obvio que hay algún tipo de montaje en el juego. Otras veces, sin embargo, no está tan claro desde el punto de vista visual, y ahí es donde empieza el problema. ¿Puede un artista alterar la realidad? ¿Es realmente arte entonces? ¿Es ético hacer algo así? ¿Es un mal uso del arte? Cuando un artista juega con el sentido común del espectador, presentando fotografías que muestran claramente algo imposible como las imágenes de Scott Mutter de personas caminando junto al avión durante su vuelo por encima de las nubes, no hay duda de que el valor del arte es alto. Como describió Mutter en una ocasión, «las imágenes son un intento de representar algo que es una realidad. No una realidad física, sino una representación a través de la metáfora’.

Imágenes físicamente alteradas

Si se toma, por ejemplo, a un escritor y artista asociado al dadaísmo en Berlín, Johannes Baader, con su collage sobre la página de un libro con inscripción en tinta de 1920, como una de las piezas de arte de fotomontaje más famosas del movimiento, se verá claramente el cambio físico que el artista hizo con una imagen, para formar una foto-imagen idealizada. Teniendo en cuenta que los dadaístas utilizaban tijeras y pegamento para cortar y pegar las fotografías, además de integrar textos escritos sobre los collages impresos, no cabe duda de que las fotografías originales estaban manipuladas y alteradas. Pero, cuando se trata de técnicas digitales, son mucho más sofisticadas, y además – mucho más difíciles de pillar.

Cultura de cortar y pegar

Hoy en día, «la cultura en la que vivimos se ha convertido en una especie de cultura de cortar y pegar», como la describió Daniel Herrmann, conservador de la Galería Whitechapel de Londres. Es cierto, estamos abrumados por la cantidad de información que recibimos y compartimos cada minuto de cada día. El collage se ha convertido en un representante de ese estado de producción cultural. Ofrece una alternativa a un mundo de imágenes siempre cambiante y fluido y recuerda a la gente la tactilidad, la textura y la realidad del mundo en que vivimos», señaló Daniel Herrmann. Por otro lado, Laura Hoptman, conservadora del departamento de pintura y escultura del Museo de Arte Moderno de Nueva York, afirma que el collage también puede caracterizarse como una forma de «experimentar la información simultáneamente». Hay una «nube horizontal de información», como la llama Laura Hoptman, refiriéndose a los datos mezclados con los que todos operamos a lo largo de nuestras vidas.

Un maestro de la coctelería, pero no un barman

Un artista español contemporáneo, Antonio Mora, con experiencia en la industria del diseño trabajando como director de arte, ve su propio arte como soluciones verticales. Se llama a sí mismo un maestro de la coctelería, pero no debe ser confundido con un barman. Hace cócteles a partir de imágenes, utilizando imágenes encontradas en blogs, revistas online y en cualquier lugar de la esfera digital, y luego las fusiona. Sus seres híbridos se convirtieron en un ejemplo épico de una manera original de cómo utilizar un fotomontaje y la manipulación de fotos para hacer arte puro de la mezcla.

Imaginación con el efecto ‘Wow’

Otro auténtico maestro de la manipulación fotográfica es Thomas Barbey, un artista suizo afincado en Estados Unidos. Mucho antes de que existiera Photoshop, ya tomaba fotos de todos los rincones de la Tierra que había visitado. Hoy en día, todavía no utiliza editores de fotos digitales para montar fotografías. Hace su magia en el cuarto oscuro. ¿Y qué hace? Crea fotomontajes tan surrealistas que la gente más experta de la industria creativa envidiaría sus habilidades. Algunas de las imágenes famosas de este artista incluyen esquiar sobre una mesa, una pareja bajo el agua, un piano de cebra, un canal de Venecia dentro de una iglesia, y mucho, mucho más. Sólo trabaja en blanco y negro, y crea manipulaciones fotográficas únicas con el único propósito de hacer arte. Su obra ha sido expuesta en muchos museos de todo el mundo, y los coleccionistas de arte se pelean literariamente por sus obras que quieren poseer. Actualmente, sus fotomontajes están en las colecciones privadas de más de 20 coleccionistas de arte. Thomas Barbey intriga a los amantes del arte porque no hace un collage corriente. En realidad, mezcla varios negativos, algunos de ellos con décadas de antigüedad. El objetivo final es hacer un cuadro que asombre honestamente al espectador. Como el propio artista declaró, si mira su propia imagen y la primera reacción es «¿Y qué?», la destruye y vuelve a hacerla de forma diferente hasta conseguir el efecto «wow». Y, verdaderamente, sus fotomontajes realmente asombran a la gente.

Más allá de la imaginación

Una persona más que ha dedicado su carrera al fotomontaje específico y se ha hecho respetar en todo el mundo por el trabajo es Laurence Demaison. Trabaja principalmente con la fotografía analógica, explorando sus posibilidades técnicas. Experimentando con largas exposiciones, el flash y el negativo, Demaison cuestiona los límites del medio creando tomas intrigantes que nos muestran cómo una cámara puede engañar al ojo humano. Lleva más de 22 años creando autorretratos, pero esas tomas no son sobre ella, como explica. Las fotografías que hace, Demaison las llama «fantasmas de papel». Hay una buena razón para ello, ya que el sujeto desaparece y revela todo un mundo diferente más allá de la imaginación del espectador.

Manipulación de la realidad

Cuando hablamos de fotomontaje, no podemos dejar de lado algunas partes importantes de las disciplinas fotográficas. Son la fotografía documental y el fotoperiodismo. Te preguntarás qué tiene que ver el fotomontaje con las bellas artes, cuando su objetivo es captar la realidad tal y como es y retratar el mundo que nos rodea en toda su crudeza, sin el deseo de ser percibido como arte. Pero hay ciertas preocupaciones de base moral en relación con el uso específico de la fotografía. Se trata de una forma un poco diferente de alterar las fotografías, en la que el fotomontaje se produce incluso antes de hacer la foto. No hay nada malo en que un fotógrafo pague a sus modelos por posar para él, ¿verdad? Sí, si se trata de una sesión de fotos para una campaña de moda. Sin embargo, esto podría ser un problema si se trata del trabajo de creación de imágenes documentales. En lugar de representar la realidad tal y como es, pagar a los modelos podría crear el mundo que el artista quiere que veamos. Lo mismo ocurre con la modificación de la escena para que se vea como el fotógrafo quiere que se vea. ¿Por qué querría un fotógrafo de documentales alterar el escenario? En primer lugar, para provocar las emociones de los espectadores. Cuanto mayor sea el impacto visual, mayor será el valor de la foto. Por lo tanto, algunos de los fotógrafos documentales y fotoperiodistas que existen manipulan la realidad de esa manera, lo cual es muy discutible en una serie de profesiones. Ciertamente, se trata de un tipo específico de fotomontaje, lo quieran admitir o no. Y en cuanto a la ética, esta cuestión es muy discutible: ¿es arte, entonces, o es mentira?

Sugerencia de los editores: Fotomontaje entre las guerras 1918-1939

Esta publicación íntegramente en inglés ofrece una fascinante visión del nacimiento del proceso de fotomontaje, concretamente en Alemania y la Unión Soviética en la década de 1920. El amplio abanico de carteles, collages, maquetas, tarjetas postales, revistas y libros que aparecen en este catálogo de la exposición da fe de la enorme influencia del fotomontaje en la política, la protesta social y la publicidad, al tiempo que demuestra la popularidad de la técnica entre los miembros de la vanguardia durante estas dos décadas. Los ensayos de esta publicación, de gran riqueza visual, examinan los textos contemporáneos que la práctica del fotomontaje inspiró y exploran aquellas cualidades del fotomontaje que condujeron a la que fue posiblemente la exposición más importante dedicada a esta técnica artística en el Kunstgewerbemuseum de Berlín en 1931.

Escrito por Angie Kordic, Elena Martinique y Nadia Herzog.

Imágenes destacadas en el deslizador: David Hockney – Pearblossom Highway, 1986; el retrato de Tony Blair de Peter Kennard; Josep Renau – Hoy más que nunca VICTORIA, 1938; obra de John Stezaker; Alexander Rodchenko – Young Gliders, 1933; El Lissintzky – Trabajador de la construcción en La URSS en construcción nº 2, 1933; Kurt Schwitters – La propuesta, 1942. Todas las imágenes se utilizan únicamente con fines ilustrativos.