La moda del siglo XX

La moda femenina de principios del siglo XX era en gran medida una cuestión de estatus. La silueta elegante estaba definida por el estrecho corsé de sans-ventre, que alejaba el vientre y daba al cuerpo una línea en forma de S; por los largos y amplios largos de las faldas; y por los altos cuellos rígidos. Los diseños textiles se inspiraron en la ornamentación vegetal del art nouveau. Los modistos parisinos, como Jean-Philippe y Gaston Worth (hijos del primer gran modisto Charles Frederick Worth), las hermanas Callot, Jacques Doucet y Jeanne Paquin, estaban a la vanguardia en este tipo de vestidos de sociedad.

A este estilo se oponía diametralmente el «vestido de salud», propagado por los defensores de los derechos de la mujer, las mujeres artistas y los médicos. Este diseño colgaba sin corsé. Su corte en forma de saco fue rechazado por la mayoría de las mujeres preocupadas por el estilo, a pesar de los diseños de artistas art-nouveau como Henry van de Velde.

El traje comenzó a establecerse como una prenda multifacética, convirtiéndose en un símbolo, finalmente, de la moda democrática. La mujer de negocios lo utilizaba en su carrera y la dama de sociedad como traje de viaje y de recreo. La chaqueta se estilaba sobre todo en un corte masculino con solapas y puños; la levita se acortaba ocasionalmente por encima del tobillo. Los trajes eran ofrecidos por fabricantes y sastres elegantes como John Redfern y Henry Creed. Con la llegada del traje, la blusa se convirtió en el elemento central de estilo, presentando tanto modelos lujosamente decorados como sencillos. Las cómodas blusas tipo kimono, con mangas recortadas, podían llevarse sobre las faldas. Los abrigos, o paletots, tomados de la moda masculina, y los carcoats o guardapolvos, satisfacían el deseo de una ropa funcional. Hacia 1908, el modisto parisino Paul Poiret creó un nuevo estilo llamado la vague. Inspirado en los Ballets Rusos, combinó el «vestido de la salud», que libera el cuerpo, con elementos de la vestimenta asiática. Paul Poiret estaba vinculado a los mundialmente conocidos Talleres de Viena, que contaban con su propio departamento de moda.

Originado en Inglaterra, el estilo eduardiano (llamado así por el rey Eduardo VII) fue el líder de la moda masculina internacional. La moda masculina estaba regulada por normas exactas, publicadas por prominentes sastres, sobre cuándo y en qué circunstancias debía llevarse cada traje.

El atuendo de negocios incluía la chaqueta deportiva (sack coat) y el traje chaqueta más elegante. Los trajes de día incorporaban la levita (Príncipe Alberto). El chaquetón se consideraba adecuado para ocasiones más privadas y prestigiosas. La chaqueta de fumador cumplía la función de atuendo nocturno cómodo e informal. También existían conjuntos deportivos especializados. Era importante elegir siempre el sombrero adecuado: de fieltro suave, bombín, homburg, canotier, panamá o sombrero de copa. También había muchos abrigos diferentes entre los que elegir, como paletots, chesterfields, raglanes y ulsters.

Moda 1910-1919

La moda internacional hasta 1914 estuvo muy influenciada por el vanguardista modisto francés Paul Poiret. Ayudó a iniciar el estilo Art Déco e inspiró a otros diseñadores como Erté y Mariano Fortuny, cuyos vestidos delphos de la más fina seda plisada fueron también mundialmente famosos. En 1910, Poiret dio a conocer la falda de cojera, que, a pesar de su corte incómodo, estuvo bastante de moda durante un corto periodo de tiempo. La falda caía suelta, recta hasta la pantorrilla, pero se estrechaba desde la rodilla hasta el tobillo, con un canesú tan estrecho que la mujer sólo podía cojear. Poiret también propuso un pantalón-vestido largo, pero pocas mujeres se atrevían a ser vistas en la calle con los nuevos jupes culottes. Para los trajes de noche, Poiret propuso incluso unos pantalones anchos de harén que se llevaban debajo de una túnica larga con un dobladillo alambrado y levantado.

Desde 1912 hasta el estallido de la Primera Guerra Mundial, los trajes de noche estuvieron marcados por la nueva moda del baile social, el tango argentino. Las creaciones de Poiret parecían hechas a medida para el nuevo baile popular: faldas ceñidas con altas aberturas en la parte delantera, túnicas bordadas en oro y turbantes con plumas verticales. Los hombres llevaban el corte y la levita de moda, a veces en colores fuertes como el rojo oscuro, o con adornos de cuadros. Durante la Primera Guerra Mundial (1914-1918), la ropa tendía a ser lo más sencilla posible: faldas moderadamente anchas, que no llegaban al pie, y chaquetas hasta la cadera. En 1915-1916, se pusieron de moda las crinolinas de guerra -de largo al tobillo y esponjadas con dos o tres capas de falda-; un año después, sin embargo, fueron víctimas del uso más económico de la tela que proporcionaba el corte de saco. La moda de 1918 se animó con grandes bolsillos laterales y faldas que se estrechaban hacia el dobladillo, creando el aspecto de barril de 1919. La mayoría de los salones de moda de París habían cerrado. Pero algunas mujeres adineradas compraron cómodos trajes de jersey con jerseys hasta la cadera y faldas sencillas a Gabrielle Chanel en Deauville, consolidando así su fama. En Estados Unidos, especialmente en Nueva York, los fabricantes de ropa estaban activos.

La novedad más importante de la ropa femenina del siglo XX se produjo fuera del mundo de la moda. Los pantalones largos para las mujeres no fueron inaugurados ni por la alta costura ni por la moda cotidiana, sino por la ropa de trabajo femenina, que seguía siendo mayoritariamente prestada por los hombres. Justo después de la guerra, la gente trabajaba con lo que había, modificando los uniformes y las lonas del ejército u otros restos, para crear ropa civil.

Durante la guerra, el uniforme sustituyó a todos los demás tipos de traje, y la mayoría de los sastres -si es que seguían en activo- se especializaron en su fabricación. Después de la guerra, los sastres recurrieron a las alteraciones de los uniformes y a la reelaboración de materiales reciclados -a veces frágiles- en trajes que debían ser reforzados con bucles, creando así el llamado traje almidonado. Los pantalones de los hombres tenían las piernas muy estrechas hasta el dobladillo. Apareció la gabardina, gracias a la transición de la ropa militar a la civil.

Los años 20

Durante los años 20, la longitud del dobladillo de la falda se convirtió, por primera vez, en una cuestión seria de moda. Mientras que las prendas de 1920-1921 seguían siendo del largo de la pantorrilla, y (alrededor de 1923) incluso del largo del tobillo por un corto tiempo, después de 1924 las mujeres favorecieron las faldas que apenas cubrían la rodilla. En 1922-1923, la moda se vio influida por el descubrimiento de la tumba del faraón egipcio Tutankamón. Quien podía permitírselo, compraba una chilaba como vestido de casa o se hacía decorar los vestidos de noche con adornos egipcios. Por lo demás, los vestidos sueltos eran característicos de la época. En su mayoría tenían cinturas caídas y, a veces, un dobladillo plisado o pliegues de godet que proporcionaban libertad de movimiento. Los vestidos de día tenían cierres altos, aderezados con cuellos de muñeca o de hombre.

Los vestidos de noche y las elaboradas toilettes de sociedad se correspondían en su corte con los vestidos de día. Los trajes de noche, sin embargo, presentaban un generoso escote por delante y por detrás, el escote por delante subyacente con un slip de color carne. No era moderno mostrar el pecho, y los senos se apretaban con bandas de tela. El corte sencillo del vestido de noche se compensaba con tejidos caros de encaje, lamé dorado o plateado, collares de perlas colgantes sueltos, el uso de flecos de piel de mono y extensos bordados. En 1927, la tendencia a alargar el dobladillo del vestido de noche se impuso y la cintura volvió a su lugar natural. En 1928, el vestido de noche ya llegaba a la pantorrilla, mientras que el vestido de día siguió llegando a la rodilla hasta aproximadamente 1930.

En la alta costura, Gabrielle Chanel se dio a conocer con vestidos, trajes de jersey y jerseys de punto. En 1926 anunció el «pequeño vestido negro», un vestido de noche negro que impresionaba por su sencilla elegancia. Al igual que Chanel, Jean Patou favoreció las líneas claras y la elegancia extremadamente sencilla, empezando por su propia colección para Estados Unidos. Jeanne Lanvin, en cambio, presentó una línea decididamente femenina y romántica. Sus batas de estilo (basadas en estilos históricos), con sus amplias pinzas, se hicieron mundialmente famosas. Lanvin también era conocida por sus creaciones madre-hijo.

Las faldas cortas hicieron que las piernas, y por tanto las medias de rayón, entraran en escena. Los cortes de pelo tipo bob y page-boy eran tan típicos de la época como los toques sencillos y ajustados y los sombreros tipo cloche. El deporte se convirtió en una tendencia de moda: el tenis con una falda corta sin medias, el esquí con un traje noruego con bragas largas, la natación con un traje de baño de una pieza sin refuerzos de ballena. El espectro de la moda metropolitana de los años 20 incluía a la garçonne (chico femenino) con un traje de pantalón con sombrero de hombre e incluso un cultivo de Eton. Por la noche, el estilo de la garçonne incluía un smoking (chaqueta de esmoquin), o un traje de fumador completo, y un monóculo. Y la garçonne también se apropió de los pijamas masculinos para su uso doméstico y nocturno.

La Exposition International des Arts Décoratifs et Industrials Moderne, celebrada en París en 1925, fue un acontecimiento que marcó una época y que más tarde dio el nombre de Art Deco al periodo. Entre los setenta y dos diseñadores de moda, Sonia Delauney causó la mayor sensación con sus trajes y abrigos con patrones de «contraste simultáneo de colores»

A partir de 1924, los trajes de hombre tenían una cintura ligeramente cónica y los pantalones se ensanchaban ligeramente. Los dandys eran reconocibles por sus pantalones extremadamente anchos, conocidos como «bolsas Oxford», y por sus zapatos de punta exagerada o shimmy. Para jugar al golf, ir de excursión o cazar, los hombres llevaban chaquetas Norfolk y cuatros más.

La década de 1930

A principios de la década de 1930, la ropa volvió a cortarse de forma ajustada, con la cintura en su lugar natural. Los corpiños, con gomas y refuerzos elásticos, abrazaban las curvas del cuerpo. Las hombreras y las solapas anchas, los cuellos de los hombros con volantes, así como los cinturones ajustados, pretendían hacer que la cintura pareciera más delgada. El dobladillo se alargaba con pliegues de godet y pliegues desde la rodilla hasta la pantorrilla, proporcionando libertad de movimiento. Los vestidos de noche eran preferentemente de satén brillante y llegaban hasta el suelo, a menudo con una pequeña cola de «sirena». Estaba de moda el escote en la espalda, con tirantes anchos entrecruzados, y el cuello en cascada o en forma de corazón. El éxito de la nueva línea de moda se debe a la diseñadora parisina Madeleine Vionnet y a su «invención» del corte al bies, por el que la tela, cortada en diagonal, se pegaba al cuerpo y se ensanchaba hacia el dobladillo como una campana.

Elsa Schiaparelli no se quedó atrás en cuanto a ideas. En sus colecciones, trabajó con efectos de trampantojo, así como con alusiones a artistas surrealistas. Los anchos hombros en pagoda de Schiaparelli, inventados en 1933, tuvieron una gran influencia en la moda cotidiana. Los trajes, chaquetas y vestidos posteriores a 1933 eran impensables sin hombros acolchados.

En los países fascistas (Italia, España y Alemania), la moda femenina se convirtió en una cuestión de agitación política, como ejemplifica la introducción del uniforme del Club de Chicas Alemanas (BDM, Bund Deutscher Mädchen). Los trajes alpinos también se ajustaban a los gustos de la Alemania nacionalsocialista. Las famosas fábricas de Berlín, que habían estado en más de un 80 por ciento en manos de los judíos, se arruinaron en su mayoría (es decir, se liquidaron) debido a la «limpieza aria».

El año 1936 fue uno de los más innovadores en la moda masculina. El traje de doble botonadura, con cuatro botones en lugar de seis, causó furor, al igual que las camisas estampadas que se llevaban con los trajes de franela gris. Las camisas también presentaban los nuevos cuellos kent y cravattes algo más anchos, anudados en nudos windsor. En la ropa de día, eran comunes los trajes de gabardina de tres botones y las camisas oxford con cuellos abotonados.

La década de 1940

Durante la Segunda Guerra Mundial (1939-1945) y los primeros años posteriores, la moda fue dictada por la necesidad de ropa práctica y sencilla y el racionamiento de recursos y materiales. En Inglaterra, el gobierno fomentó la «ropa utilitaria». En París, durante la ocupación alemana, sólo unas pocas casas de alta costura permanecieron abiertas. En todos los países, revistas y folletos especiales daban consejos sobre cómo remodelar la ropa vieja o cómo hacer prendas nuevas combinando piezas de las antiguas. Las faldas y los abrigos se acortaron, los trajes adquirieron el carácter de uniformes y los hombros anchos dominaron más que nunca. Los sombreros y los zapatos se hacían a menudo a mano y las medias de lana sustituían a las de seda. En Estados Unidos, Claire McCardell causó furor con sus vestidos «pop-over», los leotardos y los «trajes de pañales» junto al mar.»

Una nueva época en la moda se marcó el 12 de febrero de 1947, con la inauguración de la casa de Christian Dior. Su primera colección de alta costura se llamó «Ligne Corolle» (línea de cálices), pero la prensa de la moda la llamó «New Look», porque casi todo era nuevo. El sencillo traje de chaqueta, las pequeñas solapas, la estrecha cintura de avispa, que resaltaba las caderas, y, sobre todo, los estrechos hombros. Por primera vez en más de una década, no había hombreras. Igual de novedosos eran la falda extremadamente ancha hasta la pantorrilla, los sombreros planos de ala ancha (ruedas de carro), los zapatos de tacón alto y los guantes largos, que daban a esta ropa de día un toque impresionantemente elegante.

Al principio, debido a la falta de materiales necesarios, el nuevo estilo sólo pudo producirse lentamente, pero pronto innumerables costureras privadas se ocuparon de hacer realidad el sueño del «New Look». En la primavera de 1948, le sigue la «Ligne Envol» (línea lápiz) de Dior, que introduce faldas estrechas con la famosa abertura Dior, recubiertas de material para facilitar la marcha. Las medias de nylon son muy solicitadas, dejando para siempre en el pasado las medias de rayón brillante y de lana.

Después de la guerra, un nuevo invento de la moda crea una impresión duradera. El 5 de julio, en París, el ingeniero mecánico francés Louis Réard presentó su traje de baño de dos piezas al que llamó bikini. Aunque ya existían trajes de baño de dos piezas desde 1928, el bikini de Réard destacaba por su corte extremadamente escaso. Sin embargo, el bikini no tuvo una aceptación generalizada hasta finales de la década de 1960.

La ropa masculina desempeñó un papel bastante limitado; predominaban los uniformes. Las gabardinas y los abrigos de lona (montys) eran abrigos de todo tipo. El traje zoot de la escena del jazz estadounidense, con su larga levita y sus pantalones anchos, se consideraba moderno.

Los años 50

En los años 50, París recuperó su posición como capital de la moda. Christian Dior dicta las líneas: cada temporada presenta otra: la línea H de 1954, por ejemplo, que rechaza por primera vez la cintura estrecha, y la famosa línea A de 1955. No menos influyentes fueron los diseñadores Pierre Balmain, Jacques Fath, Hubert de Givenchy, Cristobel Balenciaga y, en Italia, Emilio Schuberth y Emilio Pucci. En 1954, Chanel reabrió su salón y anunció un traje instantáneamente famoso con una chaqueta suelta y una falda ligeramente acampanada, en contraste directo con el estilo más rígido y entallado de Dior. En 1957, con la muerte de Christian Dior, Yves Saint Laurent siguió sus pasos. Su línea trapecio, o tienda de campaña, en la que se atrevió a negar la figura femenina, fue un sensacional, aunque controvertido, éxito de debut.

Naturalmente, las mujeres tenían otras preocupaciones además de los dictados de la moda de Dior, pero muchas costureras privadas tomaron ejemplo de una u otra línea de alta costura. También las revistas de moda adaptaron las modas de la élite para el consumidor medio.

El panorama de la moda en el país y en el extranjero se definió por dos puntos básicos: la línea estrecha con su fuerte conciencia del cuerpo y la atención atraída a la línea de la cadera por una cintura fruncida, y la amplia enagua oscilante y juvenil. Ambos intentaban crear una cintura de avispa de ensueño, estrechada mágicamente por un corsé -la guepière- o faja. Además de los trajes y las chaquetas, el vestido camisero, con su corte desenfadado y deportivo, su cuello camisero y sus mangas con puño, era una prenda adecuada para todas las ocasiones.

En los vestidos de cóctel, las mujeres preferían los diseños extremos, como la cúpula de Dior o el look globo de Givenchy, cuya amplia falda se recogía con fuerza en el dobladillo. Los nuevos materiales sintéticos, como el nylon, el perlón, el dralón, el trevira, el tergal, el elástico y la imitación de cuero, hacen realidad el sueño de la moda para todos. «Drip dry» y «wash and wear» eran las palabras mágicas de la publicidad, relegando la plancha al pasado. Para el ocio de los adolescentes, estaban los vaqueros, los pantalones capri y las bailarinas. El camisón corto de corte infantil con bombachos, llamado baby doll, era una novedad. Los adolescentes agresivamente intelectuales se sentían atraídos por el existencialismo francés y llevaban jerseys de cuello alto negros, ropa de cuero negra ajustada y medias negras en lugar de medias de nylon transparentes.

Los accesorios cuidadosamente coordinados formaban parte de la ropa cotidiana con estilo. Los zapatos con puntas redondeadas y tacones cuadrados evolucionaron en 1955-1956 a su famosa forma puntiaguda y tacones de aguja.

La moda deportiva invernal alemana se convirtió en un modelo internacional. Los pantalones de esquí de Maria Bogner, «los Bogner», se convirtieron en una palabra muy conocida en Estados Unidos, al igual que el primer mono de esquí elástico de una sola pieza, inventado por Bogner en 1955.

A partir de 1953, Italia, con sus trajes de corte ajustado, empezó a competir con la sastrería tradicional inglesa. En general, la moda masculina era conservadora: las camisas de nailon eran blancas como la nieve y las corbatas estrechas. La camisa hawaiana era una prenda de ocio muy popular. Los Teddy Boys ingleses, un grupo de adolescentes con flecos, llevaban chaquetas tipo levita y pantalones extremadamente estrechos; se peinaban hacia atrás sobre la frente en una onda con loción. Los «toughs», por su parte, eran conocidos por sus trajes de cuero negro.

La década de los 60

Los años que van de 1959 a 1963 fueron un periodo de transición del estilo decididamente lady-like de los años 50 al estilo adolescente de los años siguientes. Las adolescentes se inclinaban por las enaguas de amplio vuelo, mientras que la mujer madura elegía los vestidos de vaina estrechos y, como vestido de tarde o de cóctel, un look extravagante en capas, con una falda ajustada en capas bajo una falda tulipán más corta. La verdadera moda de los 60 comenzó en 1964. El «Swinging London» se convirtió en la metrópolis de la moda de los jóvenes. Mary Quant y sus vestidos de bata hasta el muslo fueron noticia. Su estilo mini no pretendía ser elitista, sino popular; así, comercializó sus propias medias de moda, sin las cuales la mini era apenas ponible. El peinado de Vidal Sassoon, con un ángulo pronunciado, también fue una novedad. La contrapartida del look de Mary Quant era el exótico look Biba de Barbara Hulanicki de Londres. Twiggy se convirtió en la maniquí más famosa y en la «más cara del mundo». La delgadez se convirtió, a partir de ese momento, en un requisito de belleza. En 1964, Rudi Gernreich presentó su traje de baño en topless, que correspondía a la tendencia de liberación sexual. También inventó el sujetador «sin corpiño».

Los diseñadores parisinos participaron en el anticonvencionalismo juvenil y en el prêt-à-porter sólo a regañadientes. Yves Saint Laurent presentó prendas con grandes apliques de arte pop en rosa chillón, una colección Mondrian con líneas y superficies contrastadas y, en 1966, el look transparente. Paco Rabanne causó un gran revuelo con minivestidos de plástico y discos metálicos, y las creaciones de Pierre Cardin presentaban agujeros redondos, «cutouts», así como estructuras moldeadas. La moda de André Courrège fue el último grito de la euforia espacial. Sus «moon maids» con pantalones elásticos de lentejuelas plateadas, botas sintéticas blancas y gafas de sol blancas con aberturas para ver, representaban el puro futurismo. Su traje Courrèges, con su chaqueta de corte geométrico y su cuello recortado en ángulo, estaba de moda. Para todos los detractores de la minifalda, los pantalones eran populares en todas las formas y longitudes imaginables, pero sobre todo los vaqueros. Los trajes de pantalón ocuparon el lugar del traje tradicional. A menudo se llevaba un minivestido supercorto a modo de túnica sobre los pantalones. La anchura de la pernera del pantalón por debajo de la rodilla fue aumentando progresivamente. Cuanto más ancha era la «campana», más se estilaba.

Por un momento, en 1965, parecía que la generación más joven había dicho adiós a la minifalda, ya que la moda imitaba la película «Dr. Zhivago», con abrigos largos y gorros rusos. Los looks hippie y beatnik, que protestaban contra el consumismo, se oponían ideológica y estilísticamente a la moda dominante, y mezclaban y combinaban trajes de campesinos internacionales, como ponchos, sombreros peruanos, botas esquimales, blusas indias y chaquetas de piel de oveja afganas. Los jóvenes cosían flores en los vaqueros, llevaban sombreros flexibles o mostraban sus cuerpos desnudos, pintados sólo con flores. Se dio rienda suelta a la creatividad, bajo el lema «lo hecho a mano es chic»: Las camisetas se batieron o pintaron, los vaqueros se bordaron, las gorras se cosieron, los cinturones con flecos de cuero se trenzaron, las joyas de plata se enroscaron, los chalecos se hicieron de ganchillo, los jerseys se tejieron, pero el estilo hippie fue rápidamente cooptado por el mercado.

Los trajes de cuello alto de Pierre Cardin sin solapas ni cuellos o con pequeños cuellos mandarín (o «Nehru») crearon furor y fueron adoptados por los Beatles. Más radicales eran los mods ingleses, para quienes las parkas y los zapatos Clark eran típicos. El peinado «mop top» de los Beatles se convirtió en un conflicto generacional. A partir de 1965, los hombres se decantaron por el colorido look étnico hippie. El jersey de cuello de tortuga y, más tarde, la camiseta sustituyeron a la camisa.

Los años 70

«Haz lo que quieras», era el lema de la moda de principios de los años 70. El ideal de los hippies, «todos somos iguales», marcó la pauta de los looks unisex y folclóricos. Lo hecho a mano estaba de moda, desde las camisas de batik, los chales de punto y los gorros de ganchillo, hasta los jerséis de lana de oveja hilada a mano. La infravaloración estaba de moda y la ropa de segunda mano ya no era sólo para los necesitados. El propio sujetador fue víctima de la liberación general de todas las restricciones. Las feministas hablaban del «pecho liberado». La alta costura no da indicaciones; incluso los diseñadores parisinos se encuentran en crisis. La moda tenía que ser variada, sin complicaciones, original e individual, y la longitud del dobladillo variaba entre mini, midi y maxi según el capricho y el estado de ánimo. El romanticismo moderno -la ola de la nostalgia- se tradujo en minivestidos (todavía de moda hasta 1973), tops envolventes, mangas con alas y volantes, y faldas de campana. El pelo era largo y se ondulaba suavemente o se enrollaba en rizos en espiral. Las pestañas postizas o las líneas pintadas evocaban mágicamente unos ojos de estrella.

Casi ninguna otra moda causó tanta sensación como los hot pants en 1971-1972. No sólo se llevaban como shorts supercortos de verano, sino también pensados para el invierno con gruesos calcetines de lana. Los hot pants se compensaban con los queridos maxi abrigos y los zapatos de plataforma alta. Los pantalones de todo tipo proporcionaban un alivio a las disputas por la longitud. Había pantalones ajustados hasta la rodilla, gauchos anchos, bragas, culottes, pantalones de harén, pantalones hasta el tobillo, pantalones anchos de Marlene Dietrich y, hasta 1974, pantalones anchos de campana. Los pantalones vaqueros se convirtieron en la prenda universal, traspasando todos los límites de clase y edad. Las chaquetas, los jerseys, los chalecos y las camisetas se ceñían al cuerpo. Los jerseys tenían motivos ingeniosos como árboles, casas o coches. Las prendas de fiesta de largo maxi (la ropa de noche estaba descartada) tenían estampados atrevidos como los gráficos de Vasarely, el arte pop o las imágenes de Hundertwasser.

Después de 1974, se sucedieron una serie de looks sin constituir un estilo único y unificado. En 1975 hubo caftanes y el look chino con chaquetas cortas acolchadas. En 1976 dominó el look de Oriente Medio, con túnicas sobre pantalones de harén, y, más tarde, el look a capas. Un maestro de la mezcla folclórica fue el diseñador japonés Kenzo (Takada), cuya boutique parisina «Jungle Jap» tuvo una influencia decisiva. La moda dominante, en cambio, era más bien conservadora, con la falda plisada (o corneada), que llegaba justo por debajo de la rodilla.

En 1976, la prensa de la moda se hizo eco con euforia de la colección de Yves Saint Laurent «Ballets Russes-Opéra». Se trataba de un elegante look campesino con largas y amplias faldas de seda brillante y chaquetas tipo bolero en inesperadas combinaciones de colores como el rojo, el lila, el naranja y el rosa, delicadas blusas transparentes con mangas anchas y turbantes dorados.

A partir de 1977, la ropa punk ejerció una fuerte influencia en la moda durante los años siguientes. La generación antiburguesa y «sin futuro» escandalizaba con su aspecto brutal: imperdibles en las mejillas y lóbulos de las orejas, collares de perro y cuchillas de afeitar como collares, ojos diabólicamente maquillados, labios negros, vaqueros y camisetas rotas, medias de rejilla rotas y duras botas Doc Marten. Su pelo, en contraste con sus atuendos grises y negros, se diferenciaba de los «normales» por sus mechas verdes y rojas y su peinado en punta (mohawk). Los «insiders» se reunían en la tienda de Vivienne Westwood y Malcolm McLaren en King’s Road, llamada «Sex» en 1974 y, más tarde, «Seditionaries» en 1978.

En 1978, los diseñadores parisinos de prêt-à-porter, sobre todo Claude Montana, llevaron el look militar y punk a la pasarela. Los hombros anchos y «poderosos» y las prendas de gran tamaño iniciaron una nueva silueta de moda que se convertiría en el estilo característico de la década de 1980.

El libro estadounidense de 1975, Dress for Success (Vestir para el éxito), de John T. Molloy, daba al exiliado de la cultura hippie consejos sobre cómo comercializar con la ropa adecuada, sobre el poder de la camisa blanca, sobre cómo interpretar los códigos de los patrones de las corbatas y sobre cómo triunfar en los «grandes negocios». Dos años más tarde, en 1977, le siguió la secuela de Molloy, The Woman’s Dress for Success Book.

La década de 1980

La silueta de la moda de la década de 1980 se definió por las mangas gigot (pierna de cordero) sobredimensionadas y voluminosas y los hombros anchos y acolchados que coincidieron con la lucha por la igualdad de derechos de la mujer. Incluso los trajes de noche, que enfatizaban los escotes y las cinturas estrechas, debían tener hombros acolchados. Los dobladillos ya no eran un problema. Las adolescentes llevaban minivestidos sueltos, pero en general las faldas se extendían desde debajo de la rodilla hasta la pantorrilla. Las mujeres llevaban chaquetas masculinas, chaquetas cortas de campana o chaquetas anchas de caja con pantalones. Al mismo tiempo, la moda se convirtió en un signo de prestigio y en un símbolo de estatus, representado sobre todo por las marcas y la preferencia por el cuero, las pieles y los accesorios de color dorado.

Los diseñadores japoneses de vanguardia, que llamaron mucho la atención en Europa durante la década de 1980, contrastaban fuertemente con esta tendencia. Siguiendo la tradición de la indumentaria japonesa, Yohji Yamamoto drapeaba madejas de tela sin apretar alrededor del cuerpo. En 1981, la firma de moda «Comme des Garçons» de Rei Kawakubo puso en tela de juicio toda la estética de la moda occidental. Desmenuzó las faldas en tiras onduladas, rasgó el material, lo anudó y lo colocó en capas transversales. El negro y el gris dominaban. Issey Miyake era conocido por su uso altamente experimental de materiales y métodos, como demuestran sus corpiños de ratán inspirados en las armaduras de práctica de los samuráis en 1982, y su primera colección «Pleats Please» de 1989.

En 1983, Karl Lagerfeld se convirtió en el diseñador de la casa de alta costura Chanel. Reformuló el legendario traje de Chanel para que fuera nuevo y sin complicaciones, y añadió faldas de cuero y trajes de pantalón. Los diseñadores parisinos ofrecieron una nueva conciencia corporal como alternativa a la moda del oversize. Thierry Mugler brilló con trajes de corsé y ropa de sirena, Jean-Paul Gaultier con terciopelo ceñido a la piel y pechos de granada, y Azzedine Alaïa con prendas ceñidas con cordones.

El estilo de los diseñadores estadounidenses se convirtió en sinónimo de ropa deportiva y elegancia limpia. Ralph Lauren dio a la tradición un moderno lavado de cara con su concepto de «estilo campestre». Donna Karan fue apreciada por su funcional «moda para todo el día», con bodys de jersey en lugar de blusas. Calvin Klein fue considerado el inventor de los vaqueros de diseño.

La escena musical proporcionó cada vez más modelos de estilo. El icono del pop Madonna fascinaba como una Marilyn Monroe contemporánea. Su aparición con un corsé impulsó la moda de la ropa interior como ropa interior, con bustiers y corsés.

La moda del fitness ejerció la mayor influencia en la moda cotidiana a finales de la década de 1980. Los calentadores de la bailarina de ballet, los leggings del aficionado al aeróbic y los pantalones del ciclista aparecieron en la moda cotidiana. Los leggings, disponibles en los estampados más salvajes, los colores más chillones y los tejidos elásticos más brillantes, se llevaban con americanas o jerséis largos.

Hacia el final de la década, la americana larga con falda recta hasta la rodilla y medias negras opacas se convirtió en el clásico atuendo femenino de negocios. La moda de noche, y el renacimiento del vestido de cóctel, fueron, por el contrario, rotundamente femeninos. Christian Lacroix, cuyo primer desfile de alta costura en 1987 trajo consigo un frenesí de color, se convirtió en el maestro de los vestidos de cóctel con alegres tutús cortos y faldas globo.

En respuesta a las masivas campañas por los derechos de los animales, el uso de pieles se convirtió en una «cuestión de conciencia», poniendo de moda las pieles falsas de colores y los abrigos de plumón acolchados.

La nueva moda masculina de Yohji Yamamoto, con sus chaquetas fluidas y sin cuello, ofrecía una alternativa al convencional traje de negocios con hombros de los yuppies. Giorgio Armani lideró el auge de la moda masculina milanesa, y el fabricante alemán Boss alcanzó el reconocimiento internacional por su moda masculina.

En 1982, Calvin Klein revolucionó la ropa interior masculina, convirtiendo los simples calzoncillos acanalados en un artículo de diseño al imprimir su nombre en la cintura elástica. En 1985, la androginia se convirtió en una provocadora declaración de moda; Jean-Paul Gaultier creó faldas para el hombre consciente de su cuerpo.

La década de 1990

La moda se convirtió en una cuestión de «¿qué diseñador?» con estilos extremadamente variados. A principios de los 90, los diseñadores belgas Anne Demeulemeester y Martin Margiela iniciaron una nueva dirección de estilo con la llegada del look grunge y de chico pobre, convirtiendo a Amberes, que albergaba también a los diseñadores Dries Van Noten, Dirk Bikkembergs y Walter Van Beirendock, en el nuevo centro de la moda. La diseñadora inglesa Vivianne Westwood obtuvo finalmente el reconocimiento internacional por sus atrevidas reinterpretaciones de estilos históricos. Los recién llegados a Londres, John Galliano y Alexander McQueen, se establecieron como diseñadores principales de, respectivamente, Christian Dior y Givenchy en París. Jean-Paul Gaultier siguió teniendo mucho éxito con sus modas de ropa interior, especialmente con Madonna en el centro. La paleta de la moda del diseñador italiano Gianni Versace abarcaba desde los patrones neobarrocos hasta el estilo bondage, mientras que la casa Gucci, bajo la dirección del tejano Tom Ford, combinaba purismo y erotismo. Miuccia Prada se puso al día, con su estilo de «mal gusto», y un exitoso relanzamiento de estilos pasados. Giorgio Armani siguió siendo el maestro del purismo, mientras que Dolce & Gabbana celebraba el erotismo femenino con lencería negra y estampados animales. Jill Sanders, de Hamburgo, perfeccionó su minimalismo hasta alcanzar el éxito internacional. El diseñador austriaco Helmut Lang se estableció en Nueva York; su look de capas transparentes y sus líneas mini-malistas dieron un nuevo impulso a la moda. Junto a los diseñadores, las supermodelos, como Claudia Schiffer, Naomi Campbell, Linda Evangelista y Cindy Crawford, ocuparon un lugar central en todos los eventos de moda.

En la moda cotidiana, los leggings, en todos los colores y patrones, dominaron a principios de la década. Llevados bajo elegantes faldas transparentes hasta la pantorrilla y chaquetas largas en bloques multicolores, los leggings cubrían discretamente las piernas. Las transparencias aparecieron en cierto modo en la moda general, superpuestas a trajes de encaje, bustiers y sujetadores. Hacia el final de la década, se aceptaron las camisas arrugadas, los dobladillos rasgados y las costuras al revés. El bolso baguette, publicitado por Fendi, llevó el bolso de mano, después de dos décadas de mochilas, al centro de la escena de la moda.

El marketing de las marcas se hizo cada vez más importante: los adultos preferían Louis Vuitton, Hermes o Escada, y los adolescentes de ambos sexos preferían marcas de ropa deportiva como Diesel, Chiemsee, Burton, Nike, Adidas o Levis. El fabricante de moda italiano Benetton suscitó acaloradas controversias sobre su publicidad.

La moda masculina también estaba cada vez más determinada por diseñadores con estilos claramente diferenciados, que iban desde los trajes de corte holgado de Giorgio Armani hasta los trajes de cuello relativamente alto y los pantalones estrechos con una banda de raso en las costuras de las piernas hacia fuera de Hemut Lang. Los pantalones anchos y las camisas extragrandes siguieron siendo populares entre la generación más joven. Los pantalones cargo se introdujeron en 1999 como ropa deportiva.

Véase también Giorgio Armani; Art Nouveau y Art Deco; Pierre Cardin; Gabrielle (coco) Chanel; Corsé; Christian Dior; Europa y América: Historia del Vestido (400-1900 C.E.); Jean-Paul Gaultier; Alta Costura; Karl Lagerfeld; Helmut Lang; Jean Patou; Paul Poiret; Mary Quant; Yves Saint Laurent; Traje de negocios; Modas juveniles.

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