FILM
En utilisant l’environnement sombre et sinistre des années 1970′ comme toile de fond, Scorsese a créé l’une des meilleures études de cas du cinéma
*Cette critique contient des spoilers.*
Martin Scorsese se faisait déjà un nom au début des années 1970′. Ses films Mean Streets et Alice Doesn’t Live Here Anymore ont attiré suffisamment d’attention pour qu’il soit sollicité par des producteurs et des scénaristes d’Hollywood dans l’espoir de collaborer avec lui sur un film. Bien que ces films aient été des succès relatifs, ils pâliront en comparaison de la mer d’éloges qui deviendra son chemin pour son prochain film.
L’histoire commence avec Paul Schrader, l’homme qui a écrit le scénario et étoffé le monde. Il a basé l’histoire sur ses expériences en vivant seul dans le centre-ville de New York. Il a décrit cette période de sa vie comme très dépressive et pleine de mauvaises idées. Il est important de souligner que c’était également une période sombre de l’histoire américaine. Des scandales tels que la guerre du Viêt Nam, le Watergate, la montée du pétrole et l’augmentation de la criminalité urbaine ont donné lieu à un sombre zeitgeist pour le peuple américain, dont beaucoup ne savaient pas comment l’avenir allait se dérouler. Cette image a été capturée de manière vivante dans divers films de l’époque, beaucoup déguisant leurs histoires pour échapper à la censure.
Opérant dans ces conditions, Schrager a procédé au magasinage du scénario et a trouvé le collaborateur parfait en Scorsese. Les deux hommes se sont immédiatement entendus et ont commencé à préparer le film. L’acteur Robert De Niro, qui a déjà travaillé avec Scorsese sur Mean Streets et qui a récemment reçu l’Oscar du meilleur second rôle dans Le Parrain, deuxième partie, a également été rapidement engagé pour le rôle. Avec la collaboration de base entre les trois mis en place, la tempête parfaite de la créativité a commencé.
Le film commence avec une bande sonore sinistre, composée par le grand Bernard Herrmann. La musique est accompagnée d’images des rues de New York et de taxis. La musique passe à une approche plus jazzée lorsqu’un gros plan des yeux d’un homme est révélé. C’est notre première indication que le film sera une étude d’un seul personnage, et il capture brillamment le ton et l’ambiance sombre qui prédominera l’histoire.
Notre première introduction complète du protagoniste principal Travis Bickle se fait dans le petit bureau sale d’un entrepôt de taxis. Lorsque Travis entre dans la pièce, de la fumée projetée provenant des égouts apparaît au-dessus de son corps. Scorsese a utilisé cet effet pour symboliser l’état mental de Travis : c’est un homme qui vient des profondeurs de l’enfer, ce que prouve encore sa remarque sur son service au Vietnam. Après un début difficile avec l’homme chargé de l’embaucher, Scorsese passe à un gros plan de Travis comme un moyen de démontrer davantage l’idée d’une bombe à retardement.
Le film accorde peu ou pas d’attention à un autre personnage que Travis. Tout tourne autour de lui et de sa solitude. Les gens qui l’entourent ne sont pas étoffés et semblent presque être un bruit de fond. Scorsese parvient à cette direction en plaçant toujours Travis dans le coin de chaque plan où il se trouve. Lors du dîner avec ses partenaires de taxi, il parle rarement et arrive toujours plus tard que la plupart des autres, car il travaille de longues heures. Il explique qu’il travaille plus de 70 heures par semaine et qu’il n’arrive toujours pas à dormir, épuisant presque toutes les pistes pour échapper à son tourment. Bien qu’il prétende mépriser les voyous de la ville, les junkies, les dealers, les proxénètes et les prostituées, il est en permanence en leur présence. Le film n’explique jamais directement les actions de Travis, comptant davantage sur le public pour former ses propres théories.
A mesure que le film progresse, l’état mental de Travis commence lentement à se détériorer rapidement. Il tente de se réformer en sortant avec une femme nommée Betsy, qui travaille dans la campagne pour élire Charles Palantine à la présidence. Leurs premiers échanges sont amicaux, mais les choses tournent au vinaigre lorsque Travis l’emmène voir un film porno. Le film est ambivalent quant aux actions de Travis. Nous ne savons pas s’il a fait cela par malice ou par un horrible QI social. Ce désastre aggrave encore sa spirale descendante.
Travis commence à se mettre en forme et à chercher activement des ennuis. Il exprime à son collègue Wizard qu’il a de très mauvaises idées en tête comme un appel à l’aide, mais rien de fructueux ne sort de la conversation. Au point de rupture, il commence à acheter des armes et à créer des étuis sophistiqués à partir de tiroirs de bureau. C’est ici que l’histoire commence à se concentrer intensément sur les actions fatigantes de Travis, en mettant l’accent sur l’abattage d’un voleur armé. Bien que l’action vienne à la défense d’un employé de magasin, elle le laisse dans un état désemparé, comme le montre l’un des moments les plus mémorables du film, où il regarde fixement son écran de télévision tandis que la chanson « Late For the Sky » de Jackson Browne joue en fond sonore.
Tout l’enfer commence à se déchaîner dans le climax du film. Travis, après avoir passé beaucoup de temps à observer les agissements d’une enfant prostituée nommée Iris, décide d’agir dans l’espoir de l’éloigner de cette vie. Il rencontre quelques obstacles sur son chemin, dont Sport, son proxénète, et après un certain temps, il décide de prendre des mesures extrêmes. Dans l’une des fins les plus incroyables de l’histoire du cinéma, Travis se déchaîne pour tenter de sauver Iris. Parfaitement filmé et chorégraphié, ce moment sert de catalyseur pour Travis en tant que personnage, lui donnant le désir d’être vu et admiré.
Cependant, le film ne s’arrête pas là. Travis survit à la fusillade, et reprend rapidement son travail de chauffeur de taxi. Il retrouve Betsy, cette fois en des termes plus amicaux. La fin du film est ambivalente, Travis fixant de manière inquiétante un objet inconnu dans son rétroviseur. Schrader et Scorsese affirment tous deux avec insistance qu’elle est censée représenter l’état constant de paranoïa et de ressentiment de Travis, indiquant qu’il ne va toujours pas bien.
Partie de ce qui fait de Taxi Driver un film si attrayant est l’absence de direction ou d’intention claire. Le film est complètement porté par l’ambiance qu’il dépeint, presque à la faute, mais il fonctionne parfaitement pour illustrer l’humeur ambivalente de l’époque. La ville de New York était au bord de la faillite, et les rues étaient remplies de taux de criminalité élevés et de mauvaises conditions de vie. Elle reflétait l’état général du pays, qui nourrissait encore des ressentiments à l’égard du passé. Scorsese a canalisé toute cette rage et cette fureur dans l’histoire condensée d’un homme proche du point de rupture à cause de son environnement, capturant le désespoir d’une telle situation presque à la perfection.
Le film a été sélectionné en compétition au Festival de Cannes 1976 et a reçu la Palme d’or. Il est accueilli avec d’autres éloges en Amérique, recevant un accueil universel et consacrant Scorsese comme l’un des meilleurs cinéastes de son temps. Près de 45 ans après sa sortie, Taxi Driver reste une pierre angulaire du cinéma. Il dépeint l’ambiance d’une époque et la juxtapose à des thèmes universels. Il n’est pas aussi compliqué que des films comme Memento, mais il est certainement empreint d’une approche « show don’t tell » où le spectateur est laissé libre d’organiser le puzzle. Ce statut n’aurait pas été possible sans la superbe réalisation de Martin Scorsese, qui a conçu un film sans égal en termes de description de la lente descente vers la folie.
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