Co to jest Fotomontaż – Definicja i historia

Jednym z najważniejszych aspektów fotografii jest jej fizyczny obraz. Chociaż w dzisiejszej erze cyfrowej wydaje się, że proces drukowania jest cenny tylko dla sztuki pięknej, fotografowie eksperymentowali z fizycznością medium od XIX wieku na wiele kreatywnych sposobów. Jednym z takich sposobów jest fotomontaż, rewolucyjny w swoim rodzaju, ponieważ dał artystom możliwość wyjścia poza śmiałe dążenie medium do przedstawiania rzeczywistości dokładnie taką, jaka ona jest. Technika ta sama w sobie oferowała nowe, a przynajmniej na nowo zinterpretowane światy na kliszy fotograficznej, dzieła sztuki, które łączyły wiele fotografii w jedną, aby sprzyjać świeżym wizjom i pomysłom.

Dzisiaj możemy mówić o sztuce fotomontażu zarówno w wersji drukowanej, jak i cyfrowej, o jej wielu możliwościach technicznych w obu tych sferach, a także o problemach etycznych, z jakimi boryka się we współczesnej sztuce, ale najpierw spróbujmy odpowiedzieć na pytanie: czym dokładnie jest fotomontaż?

Definicja fotomontażu : Fotografia kreatywna

Z definicji fotomontaż to kombinacja kilku ujęć połączonych razem dla efektu artystycznego lub w celu pokazania większej ilości tematu niż można pokazać w pojedynczym dziele sztuki. Obrazy zostały skomponowane przez cięcie, klejenie, układanie i nakładanie na siebie dwóch lub więcej zdjęć lub reprodukcji zdjęć razem, czasami w połączeniu z innymi materiałami niefotograficznymi, takimi jak tekst lub inne abstrakcyjne kształty. Proces tworzenia kolażu fotograficznego może być prześledzony wstecz do pierwszych prób drukowania w ciemni, kiedy fotografowie eksperymentowali z bezpośrednim drukowaniem przedmiotów umieszczonych na płytach fotograficznych lub technikami takimi jak podwójne naświetlanie i maskowanie. Oczywiście, sztuka „montowania zdjęć razem” nie musi wcale polegać na tworzeniu nowych obrazów – może również wykorzystywać znalezione i istniejące już odbitki, w zależności od intencji i celów artysty. W końcu, wraz z pojawieniem się komputerów, potrzeba posiadania fizycznych obrazów zniknęła całkowicie, jako że dzisiejsze przykłady sztuki fotomontażu są montowane w programach do edycji i często nigdy nie kończą się w formie drukowanej.

Fotomontaż kolażowy na przestrzeni historii

Prawdopodobnie najsłynniejszy fotomontaż pojawił się w połowie epoki wiktoriańskiej. Nazywany wtedy „drukiem łączonym”, został stworzony przez Oscara Rejlandera, pioniera fotografii, który był jednym z ekspertów w tej dziedzinie. Po jego kolażowym zdjęciu z 1857 roku The Two Ways of Life (Dwie drogi życia), w 1858 roku powstał Fading Away (Zanikanie) autorstwa innego artysty, Henry’ego Peacha Robinsona. Pod koniec stulecia powstało wiele innych dzieł sztuki, zwłaszcza w formie zabawnie wyglądających pocztówek, na których często widniała niewłaściwa głowa naklejona na inne ciało, czy też w formie dziwnych, niemożliwych do stworzenia stworzeń. Na początku I wojny światowej metoda ta nabrała pierwszego rozmachu – fotografowie z całej Europy produkowali pocztówki przedstawiające żołnierzy wyruszających do walki i odprowadzających ich bliskich. Bardziej szczegółowo, to berlińska grupa Dada rozwinęła ją jako narzędzie protestu przeciwko wojnie i innym kwestiom politycznym tego okresu, przekształcając ją w prawdziwą nowoczesną formę sztuki.

Fotomontaż berlińskich dadaistów

W zbiorowym wysiłku berlińscy dadaiści wykorzystali rzeczywiste fotografie lub reprodukcje fotograficzne, aby podkreślić zniszczenia i okropności wojny. Używając nożyczek i kleju zamiast tradycyjnego pędzla i nazywając siebie „monteurs” (mechanikami), dadaiści przywłaszczyli sobie obrazy z mass mediów i stworzyli ostrą, agresywną krytykę wydarzeń na świecie. Ogromna różnorodność stylów i sposobów pracy pomogła im w przedstawieniu budzących się obrazów rzeczywistości i zwróciła uwagę na niesamowite konsekwencje naszych własnych działań, a jednocześnie zaatakowała pojęcia i narzucone reguły tradycyjnego tworzenia sztuki. Najważniejszym dziełem sztuki z tego okresu jest obraz Hannah Höch „1919-20 Cut with a Kitchen Knife through the Last Weimar Beer-Belly Cultural Epoch of Germany”, w którym zdjęcia wybitnych postaci, takich jak Albert Einstein i niemiecka artystka Käthe Kollwitz, stanowią świeże spojrzenie na współczesne życie i sztukę w tym ruchu. Dzieła sztuki Johna Heartfielda, oddanego działacza antynazistowskiego, a także Kurta Schwittersa, Raoula Hausmanna i Johannesa Baadera, przyczyniły się do stworzenia języka wizualnego, który stał się inspiracją dla kolejnego ważnego ruchu XX wieku.

A Worldwide Influence

Jako dość uznane narzędzie twórcze, fotomontaż został szybko zaadoptowany przez surrealistów, których pociągała idea zabawy z rzeczywistością w nietypowy sposób. Wśród nich, mamy Salvadora Dalí i Man Ray jako wybitnych praktyków fotomontażu, którzy lubili odzwierciedlać działanie nieświadomego umysłu. Mniej więcej w tym samym czasie rosyjscy konstruktywiści, tacy jak El Lissitzky, Aleksander Rodczenko i Gustaw Kłucki, wykorzystywali fotografię kolażową do tworzenia propagandowych dzieł sztuki, co kontynuowano w kolejnych dekadach. W oblężonej Republice Hiszpanii język tej formy twórczości również rozkwitł, jako odpowiedź na wojnę domową, dzięki pracom grafika Josepa Renau. W Japonii awangardowa malarka Harue Koga również tworzyła obrazy w stylu fotomontażu na podstawie zdjęć z magazynów.

Odkryj dostępne dzieła Mana Raya na naszym rynku!

Po drugiej wojnie światowej i początku zimnej wojny popularność sztuki fotomontażu spadła, ponieważ publiczność była zmęczona tego rodzaju obrazami i zwróciła się ku ekscytującym cudom telewizji. Kolejne wielkie ożywienie nastąpiło jednak w latach 80. i wraz z polityką ruchu antynuklearnego w Europie. Duża część montażu w tym czasie była projektowana na transparenty podczas demonstracji, których celem było zaangażowanie się w bardzo graficzny i agresywny środek komunikacji – jak w pracach Petera Kennarda, który był niezadowolony z braku bezpośredniości malarstwa i którego fotomontaż pokazywał „nieujawnioną prawdę” kryjącą się za nierównościami ekonomicznymi, brutalnością policji i nuklearnym wyścigiem zbrojeń. Dziś te dzieła sztuki zawierają wszystko, od tekstu po dźwięk, dzięki ewolucji technologii cyfrowych i rozwojowi oprogramowania, zwłaszcza Adobe Photoshop.

Kreatywny Photoshop – fotomontaż

Techniki fotomontażu

Techniki fotomontażu znacząco ewoluowały w ciągu ostatniej dekady wraz z włączeniem komputerów do procesu tworzenia sztuki i wprowadzeniem oprogramowania do cyfrowej edycji obrazu. Pastele są teraz tworzone cyfrowo za pomocą różnych programów, takich jak Adobe Photoshop, Paint Shop Pro, Corel Photopaint, Pixelmator, Paint.NET lub GIMP. Programy te znacznie ułatwiły ten proces i pozwoliły ludziom przesunąć granice cyfrowego obrazu. Jednak w XIX i XX wieku tworzenie fotomontażu było całkowicie fizyczne i wymagało dużej wyobraźni oraz znacznie bardziej skomplikowanych procesów i technik.

Druk kombinowany

Techniką, która utorowała drogę, był druk kombinowany Henry’ego Peacha Robinsona. Polega ona na wykorzystaniu negatywów dwóch lub więcej obrazów fotograficznych do wytworzenia jednego. Ta złożona metoda wyłoniła się z pragnienia przekształcenia fotografii w sztukę piękną i produkcji wyidealizowanych obrazów. Ze względu na ograniczenia światłoczułości negatywu i technologii aparatu, została ona po raz pierwszy zaproponowana przez francuskiego fotografa Hippolyte’a Bayarda w celu uzyskania zrównoważonego obrazu z odpowiednią ekspozycją zarówno tematu, jak i tła. Otwierając kolejne okno dla kreatywności, fotografowie tacy jak Peach Robinson, Oscar Rejlander i William Frederic Lace Price wykorzystali ją do stworzenia oryginalnych fotomontaży. Ponieważ zdjęcie było uważane za prawdę, druk kombinowany wzbudził wiele kontrowersji w środowisku fotograficznym tamtej epoki, ponieważ przeinaczał rzeczywisty świat. Ten sposób manipulacji całkowicie zniszczył „prawdę” otaczającą medium i całkowicie zmienił sposób, w jaki ludzie postrzegali tworzenie zdjęć.

Inne techniki

W miarę jak tworzenie zdjęć ewoluowało jako medium, zaczęły pojawiać się nowe metody. Twórcy tacy jak Romare Bearden używali projekcji przedniej. W swoich zamontowanych projekcjach używał kompozycji z papieru, farby i zdjęć, które umieszczał na tablicach o wymiarach 8½ × 11 cali. Obrazy były utrwalane za pomocą ręcznie nakładanej emulsji, a następnie fotografowane i powiększane. Jeśli chodzi o dadaistów, ich proces polegał na używaniu nożyczek i kleju. Jako radykalny atak na sztukę, fizycznie wycinali i wklejali rzeczywiste obrazy i łączyli je w oryginalne kolaże. Wraz z rozwojem aparatów analogowych, podwójna lub wielokrotna ekspozycja stała się bardzo popularna. Fotografowie otwierali migawkę aparatu kilka razy, aby naświetlić kliszę z różnymi obrazami. Z każdym kolejnym obrazem nakładanym na pierwszy, rodziły się upiorne obrazy ludzi i przedmiotów, które były dodawane do oryginalnej sceny.

Słynni artyści fotomontażu

Fotomontaż jako forma sztuki przyciągał wielu artystów w całej historii sztuki, od wczesnych eksperymentalnych fotografów, dadaistów, surrealistów i innych zwolenników awangardy. Postrzegając go jako radykalny proces, który często wywoływał kontrowersje, twórcy wykorzystywali go z różnymi intencjami, takimi jak nadanie fotografii większej kreatywności, krytyka społeczeństwa i odzwierciedlenie zmian społecznych, kwestionowanie idei tego, czym jest sztuka lub po prostu dekonstrukcja idei zdjęcia. Pozwalając na niezwykłą kreatywność, ale także będąc obciążonym politycznie, medium to było bardzo zróżnicowane w praktyce. Ponieważ z metodą tą związanych było wiele wybitnych postaci, przyjrzyjmy się najbardziej znaczącym twórcom, którzy byli jej orędownikami.

Oscar Rejlander

Pionier fotografii artystycznej i ekspert w dziedzinie fotomontażu, Oscar Rejlander jest uważany za ojca fotografii artystycznej. Po zapoznaniu się z procesami mokrego kolodionu i papieru woskowego rozpoczął pracę nad portretem, ale stworzył również znaczące dzieła erotyczne z modelami cyrkowymi, dziećmi ulicy i nieletnimi prostytutkami. Po szeroko zakrojonych eksperymentach z drukiem kombinowanym, stworzył swoją niesławną odbitkę Dwie drogi życia, składającą się z trzydziestu dwóch obrazów. Przedstawiający dwóch chłopców, którym patriarcha udziela wskazówek, wywołał początkowo spore kontrowersje z powodu częściowej nagości. Mimo to odniósł sukces i wkrótce potem został przyjęty do Royal Photographic Society of London. W swojej karierze Rejlander nadal eksperymentował z podwójną ekspozycją, manipulacją fotograficzną i retuszem. Pomysły i metody Rejlandera zostały przyjęte przez innych fotografów epoki.

Henry Peach Robinson

Henry Peach Robinson jest najbardziej znany z pionierskiego procesu druku łączonego jako wczesny przykład fotomontażu. Jego piktorialistyczne zdjęcia i pisma uczyniły go jednym z najbardziej wpływowych fotografów drugiej połowy XIX wieku. Po pracy w komercyjnym portrecie, zaczął tworzyć fotografie, które naśladowały tematy i kompozycje anegdotycznego malarstwa rodzajowego. Najwcześniejszym znanym dziełem powstałym w wyniku druku kombinowanego była Julia z butelką trucizny, ale najsłynniejszym zdjęciem kompozytowym jest Fading Away przedstawiające dziewczynę na łożu śmierci w otoczeniu rodziny. Należy ona do jego fazy prerafaelickiej, w której starał się uchwycić momenty o ponadczasowym znaczeniu w „średniowiecznej” scenerii. Tworzenie zdjęć kombinowanych uważał za równie wymagające dla artysty jak malowanie.

Hannah Höch

Jedna z nielicznych kobiet związanych z dadaizmem, Hannah Höch nieustannie promowała ideę kobiet pracujących twórczo w społeczeństwie. W swoich fotomontażach wykorzystywała elementy wizualne innych osób, przekształcając je i włączając do swoich większych prac, gdzie te początkowo niepowiązane ze sobą obrazy tworzyły wnikliwe narracje. Jest to strategia, którą stosowało wielu dadaistów i surrealistów. Jako że aktywnie krytykowała społeczeństwo, jej pionierskie prace fotomontażowe często odzwierciedlały kwestie płci i roli kobiety w nowoczesnym społeczeństwie. Aktywnie promowała ideę „nowej kobiety” w tej epoce. Poza fotomontażami, często stosowała readymades, zawsze kwestionując pojęcie i ideę sztuki jako takiej. Zasłynęła również z Lalek Dada, które różniły się od innych dzieł związanych z tym ruchem.

John Heartfield

Pionier wykorzystania sztuki jako broni politycznej, John Heartfield często włączał antynazistowskie i antyfaszystowskie wypowiedzi. Po zapoznaniu się z dadaizmem, zaczął tworzyć sztukę w mieszanych mediach z kakofonią elementów wizualnych, które przekazywały jasny komunikat do odbiorców. Opracował unikalną metodę, w której przywłaszczał i ponownie wykorzystywał obrazy, aby stworzyć dzieła o silnym efekcie politycznym. Odzwierciedlając chaos i niepewność, których Niemcy doświadczyły w latach 20. i 30. ubiegłego wieku, jego prace przekształciły tę formę sztuki w potężną formę masowej komunikacji. Wybierał zdjęcia polityków z prasy, rozmontowywał je i zmieniał ich układ, aby skomponować radykalnie zmienione znaczenie. Jego najsłynniejsza praca Wojna i trupy: The Last Hope of the Rich z 1932 roku odzwierciedlała niebezpieczny impuls Niemiec w kierunku wojny.

Kurt Schwitters

Pracując w ramach kilku gatunków, takich jak konstruktywizm, Bauhaus, De Stijl i surrealizm oraz różnych mediów, takich jak poezja, dźwięk, malarstwo, rzeźba, typografia i projektowanie graficzne, Kurt Schwitters jest najbardziej znany ze swoich kolaży zwanych Obrazami Merz. Nazwał te kolaże Merz, aby odróżnić je od kubizmu, ekspresjonizmu, a nawet dadaizmu. Z biegiem lat rozszerzył tę nazwę na wszystkie swoje działania, w tym poezję, instalacje i performance. Jego prace Merz były tworzone z materiałów odpadowych, takich jak etykiety, bilety autobusowe i kawałki połamanego drewna. Po 1923 roku zaczął tworzyć duże konstrukcje Merz w swoim domu w Hanowerze, tzw. pierwszy Merzbau. Jego prace zostały w 1937 roku zakazane przez reżim nazistowski jako „sztuka zdegenerowana”. Po ucieczce do Norwegii zbudował swój drugi Merzbau.

Man Ray

Znaczący wkład w dadaizm i surrealizm, Man Ray tworzył fotografie, które operowały w szczelinie między sztuką a życiem. Andre Breton określił go jako „pre-surrealistę”, ponieważ jego sztuka w dużej mierze wpłynęła na Marcela Duchampa i była bardzo ważna w popularyzacji surrealizmu. Wniósł znaczący wkład w rozwój fotografii awangardowej, modowej i portretowej, ale znany jest również z fotomontaży. Odbitki te bawią się kobiecością i formą oraz eksperymentują z różnymi technikami, takimi jak wielokrotna ekspozycja. Do jego najsłynniejszych prac tego typu należą te z udziałem Alice Prin i Dory Maar. Wraz z Lee Millerem odkrył na nowo „solaryzację”, proces fotograficzny polegający na zapisie obrazu na negatywie, w którym ciemne zostaje odwrócone od jasnego i odwrotnie. Był również orędownikiem technik 'shadowgraph’, procesu tworzenia obrazów bez użycia aparatu fotograficznego przy użyciu papieru światłoczułego.

El Lissitzky

Używając sztuki do zmiany społecznej i politycznej, El Lissitzky był rosyjskim malarzem, projektantem i typografem. W późnych latach 20. i wczesnych 30. XX wieku Lissitzky eksperymentował z najnowszymi mediami, takimi jak typografia, fotografia i fotomontaż. Ten okres uważany jest za jego najbardziej postępowy. Fotografia była dla niego najskuteczniejszym sposobem wyrażenia dynamicznego przekształcania się jego kraju. Szeroko eksperymentował z fotogramami i kolażem fotograficznym, tworzył montaże w formie wielowarstwowych zdjęć. Stosując wielokrotne naświetlanie w druku, wykorzystywał efekt przezroczystości i zestawienia do uzyskania dynamicznych kompozycji. W fotomontażu z zapowiedzi narodzin syna nałożył wizerunek niemowlęcia Jena na komin fabryczny, wiążąc przyszłość syna z postępem przemysłowym kraju. Jego sztuka w znacznym stopniu wpłynęła na talenty De Stijl i instruktorów Bauhausu.

Aleksander Rodczenko

Jako jeden z najważniejszych artystów awangardowych, który umieścił swoją sztukę w służbie rewolucji politycznej, Aleksander Rodczenko był wpływowym założycielem ruchu konstruktywistycznego. Początkowo zajmował się malarstwem, ale w 1921 roku zaczął koncentrować się na trójwymiarowych obiektach projektowych, szkicach architektonicznych i fotografii. Największy sukces odniósł dzięki fotografii. Słynął z awangardowych kompozycji i eksperymentalnego podejścia do ostrości i kontrastu. Będąc pod wrażeniem niemieckich dadaistów, Rodczenko zaczął eksperymentować z medium. Początkowo korzystał z obrazów znalezionych, później zaczął robić własne zdjęcia. Jego fotomontaż po raz pierwszy został opublikowany jako ilustracja do wiersza Majakowskiego O tym w 1923 roku. Jego prace przy tworzeniu zdjęć znacząco przyczyniły się do rozwoju fotografii europejskiej w latach 20. XX wieku.

John Stezaker

Brytyjski artysta konceptualny John Stezaker tworzy niepoważne kolaże, wykorzystując pełne przepychu portrety z lat 50. przedstawiające elegancko ubranych mężczyzn i gwiazdy Hollywood. Łączy te zdjęcia jako readymades z innymi twarzami, a nawet krajobrazami, aby uzyskać efekt niesamowitości i absurdu. Ponownie bada różne relacje z obrazem fotograficznym, takie jak dokumentacja prawdy, przekaziciel pamięci czy symbol współczesnej kultury. Poprzez eleganckie i sprytne zestawienia tworzy własne, przejmujące znaczenia. Wyczarowuje radykalne idee z obrazów, które w innych okolicznościach mogłyby oczarować zwykłego widza. Unika terminu fotomontaż na rzecz kolażu. Jak sam stwierdził, „przecinanie fotografii może być jak przecinanie ciała”. W 2012 roku otrzymał nagrodę fotograficzną Deutsche Börse, a mieszane recenzje krytyków na jej temat świadczą o tym, że fotomontaż wciąż postrzegany jest kontrowersyjnie.

Josep Renau

Praca hiszpańskiego malarza, projektanta plakatów i muralisty Josepa Renau była zawsze polityczna. W 1931 roku wstąpił do partii komunistycznej, a w połowie lat 30. tworzył plakaty wspierające Republikę Hiszpańską przeciwko armii Franco. Po wygnaniu w Meksyku, po zakończeniu hiszpańskiej wojny domowej, znalazł się pod silnym wpływem amerykańskiej kultury popularnej. Przywłaszczył sobie obrazy z amerykańskich reklam i popularnych magazynów i zestawił je w montażach poruszających tematykę rasizmu, seksizmu, siły mediów i konsumpcjonizmu. Za pomocą tych prac w dowcipny i inteligentny sposób bezpośrednio atakował amerykańską kulturę. Ta seria kolaży została po raz pierwszy wystawiona w USA pod koniec lat 80. Rzadko wymienia się go wśród wczesnych radykalnych zwolenników fotomontażu, ale odegrał on znaczącą rolę w rozwoju tej formy.

Editors’ Tip: Hannah Höch: Life Portrait: A Collaged Autobiography

Hannah Höch: Life Portrait dzieli monumentalną kompozycję na 38 odrębnych części, tak jak wyobrażała ją sobie Höch, i oferuje teksty objaśniające oraz odpowiednie cytaty uzupełniające każdą z nich. Jako jedna z niewielu anglojęzycznych publikacji na temat artystki, tom ten zgłębia ostatnie arcydzieło Höcha i dzieło jego życia, które reprezentuje. Ostatni – i największy, bo mający prawie 4 x 5 stóp – fotokolaże Höch, „Portret życia”, powstawał w latach 1972-1973. Choć początkowo Höch nie zamierzała stworzyć dzieła autobiograficznego, kolaż ten funkcjonuje jako rodzaj autoportretu artystki, która spogląda wstecz na swoje życie i pracę, a jednocześnie ironicznie i poetycko komentuje kluczowe wydarzenia polityczne, społeczne i artystyczne z ostatnich 50 lat.

Słynne przykłady fotomontażu i stojąca za nim etyka

Jeśli może istnieć abstrakcyjny obraz, dlaczego nie miałoby istnieć abstrakcyjne zdjęcie? Czasami, oczywiście, jest to dość oczywiste, że w grze jest jakiś rodzaj montażu. Czasami jednak nie jest to tak oczywiste i tu zaczyna się problem. Czy artysta może zmienić rzeczywistość? Czy to naprawdę jest sztuka? Czy takie działanie jest etyczne? Czy jest to nadużywanie sztuki? Kiedy artysta igra ze zdrowym rozsądkiem odbiorcy, prezentując fotografie, na których wyraźnie widać coś niemożliwego, jak w przypadku zdjęć Scotta Muttera, przedstawiających ludzi przechodzących obok samolotu podczas jego lotu nad chmurami, nie ma wątpliwości, że wartość sztuki jest wysoka. Jak opisał to kiedyś Mutter, „obrazy są próbą przedstawienia czegoś, co jest rzeczywistością. Nie fizyczną rzeczywistością, ale reprezentacją poprzez metaforę”.

Physically Altered Images

Jeśli weźmiemy na przykład pisarza i artystę związanego z dadaizmem w Berlinie, Johannesa Baadera, z jego kolażem na stronie książki z atramentowym napisem z 1920 roku, jako jednym z najsłynniejszych fotomontażowych dzieł sztuki tego ruchu, wyraźnie widać fizyczną zmianę, jakiej artysta dokonał w obrazie, aby uformować wyidealizowane foto-obrazy. Pamiętając, że dadaiści używali nożyczek i kleju do cięcia i wklejania fotografii, a także wkomponowywali teksty pisane w wydrukowane kolaże, nie ma wątpliwości, że oryginalne fotografie zostały zmanipulowane i zmienione. Ale jeśli chodzi o techniki cyfrowe, są one o wiele bardziej wyrafinowane, a co więcej – o wiele trudniejsze do wychwycenia.

Kultura wytnij-wklej

W dzisiejszych czasach „kultura, w której żyjemy, stała się taką swoistą kulturą wytnij-wklej”, jak to określił Daniel Herrmann, kurator z Whitechapel Gallery w Londynie. To prawda, jesteśmy przytłoczeni ilością informacji, które otrzymujemy i którymi dzielimy się w każdej minucie każdego dnia. Kolaż stał się reprezentantem tego stanu produkcji kulturowej. Stanowi alternatywę dla nieustannie zmieniającego się, płynnego świata obrazów i przypomina ludziom o dotykalności, fakturze i realności świata, w którym żyjemy” – zauważył Daniel Herrmann. Z drugiej strony, Laura Hoptman, kuratorka w dziale malarstwa i rzeźby w Museum of Modern Art w Nowym Jorku, twierdzi, że kolaż można również scharakteryzować jako sposób na „jednoczesne doświadczanie informacji”. Istnieje „pozioma chmura informacji”, jak nazywa to Laura Hoptman, odnosząc się do mieszanych danych, z którymi wszyscy operujemy w naszym życiu.

A Cocktail Master, but not a Bartender

Współczesny hiszpański artysta Antonio Mora, z doświadczeniem w branży projektowej, pracujący jako dyrektor artystyczny, postrzega swoją sztukę jako rozwiązania pionowe. Nazywa siebie mistrzem koktajli, ale nie należy go mylić z barmanem. Robi koktajle z obrazów, wykorzystując zdjęcia znalezione na blogach, w magazynach internetowych i w całej sferze cyfrowej, a następnie łącząc je ze sobą. Jego hybrydowe istoty stały się epickim przykładem oryginalnego sposobu użycia fotomontażu i manipulacji zdjęciami w celu stworzenia czystej sztuki z mieszaniny.

Imagery with the 'Wow’ Effect

Kolejnym prawdziwym mistrzem manipulacji zdjęciami jest Thomas Barbey, szwajcarski artysta mieszkający w Stanach Zjednoczonych. Na długo przed pojawieniem się Photoshopa robił on zdjęcia z każdego zakątka Ziemi, który odwiedził. Dziś nadal nie używa cyfrowych edytorów zdjęć do montażu fotografii. Swoją magię „tworzy” w ciemnym pokoju. I co robi? Tworzy tak surrealistyczne fotomontaże, że najbardziej obeznani z technologią ludzie z branży kreatywnej pozazdrościliby mu umiejętności. Niektóre ze słynnych obrazów tego artysty to narty na stole, podwodna para, pianino zebra, wenecki kanał w kościele i wiele, wiele innych. On pracuje tylko w czerni i bieli, a on tworzy unikalne manipulacje fotograficzne wyłącznie jako cel robienia sztuki pięknej. Jego prace były wystawiane w wielu muzeach na całym świecie, a kolekcjonerzy sztuki toczą literackie boje o jego dzieła, które chcą posiąść. Obecnie jego fotomontaże znajdują się w prywatnych kolekcjach ponad 20 kolekcjonerów sztuki. Thomas Barbey intryguje miłośników sztuki, ponieważ nie tworzy on zwykłego kolażu. W rzeczywistości miesza kilka negatywów, niektóre z nich są starsze od innych o kilkadziesiąt lat. Ostatecznym celem jest stworzenie obrazu, który szczerze zadziwi widza. Jak mówi sam artysta, jeśli patrzy na swoje zdjęcie i pierwszą reakcją jest „I co z tego?”, niszczy je i robi wszystko od nowa, inaczej, aż osiągnie efekt „wow”. I, rzeczywiście, jego fotomontaże naprawdę robią wrażenie na ludziach.

Beyond Imagination

Jeszcze jedną osobą, która poświęciła swoją karierę specyficznemu fotomontażowi i stała się za tę pracę szanowana na całym świecie jest Laurence Demaison. Zajmuje się ona przede wszystkim fotografią analogową, badając jej możliwości techniczne. Eksperymentując z długimi czasami naświetlania, lampą błyskową i negatywem, Demaison kwestionuje granice medium, tworząc intrygujące ujęcia, które pokazują nam, jak aparat może oszukać ludzkie oko. Od ponad 22 lat tworzy autoportrety, ale jak sama wyjaśnia, nie są to zdjęcia o niej. Fotografie, które wykonuje, Demaison nazywa „papierowymi fantomami”. Nie bez powodu, ponieważ obiekt znika i odsłania zupełnie inny świat, wykraczający poza wyobraźnię widza.

Manipulacja Rzeczywistością

Mówiąc o fotomontażu, nie możemy pominąć kilku ważnych części dyscyplin fotograficznych. Są to fotografia dokumentalna i fotoreportaż. Można się zastanawiać, co to ma wspólnego z fotomontażem, a tym bardziej ze sztuką piękną, skoro ich celem jest uchwycenie rzeczywistości taką, jaka ona jest i przedstawienie otaczającego nas świata w całej jego surowości, bez chęci bycia postrzeganym jako sztuka. Istnieją jednak pewne moralnie uzasadnione obawy dotyczące specyficznego użycia fotografii. Chodzi o nieco inny sposób zmiany fotografii, gdzie fotomontaż ma miejsce jeszcze przed zrobieniem zdjęcia. Nie ma nic złego w tym, że fotograf płaci swoim modelom za pozowanie dla niego, prawda? Racja, jeśli jest to sesja zdjęciowa do kampanii mody. Może to być jednak problem, jeśli chodzi o pracę nad obrazem dokumentalnym. Zamiast przedstawiać rzeczywistość taką, jaka jest, płacące modelki mogłyby kreować świat, jaki artysta chce, żebyśmy widzieli. To samo dotyczy zmiany sceny, aby wyglądała tak, jak chce tego fotograf. Dlaczego fotograf dokumentalista chciałby zmieniać scenerię? Po pierwsze, aby sprowokować emocje widzów. Im większy efekt wizualny, tym wyższa wartość zdjęcia. Tak więc niektórzy z fotografów dokumentalnych i fotoreporterów w taki sposób manipulują rzeczywistością, co jest bardzo dyskusyjne w wielu zawodach. Jest to z pewnością specyficzny rodzaj fotomontażu, czy chcą się do tego przyznać, czy nie. A jeśli chodzi o etykę, to kwestia ta jest mocno dyskusyjna – czy jest to zatem sztuka, czy kłamstwo?

Editors’ Tip: Photomontage Between the Wars 1918-1939

Ta w całości anglojęzyczna publikacja oferuje fascynujący przegląd narodzin procesu fotomontażu w Niemczech i Związku Radzieckim w latach dwudziestych XX wieku. Bogaty wybór plakatów, kolaży, makiet, pocztówek, czasopism i książek zaprezentowanych w katalogu wystawy świadczy o ogromnym wpływie fotomontażu na politykę, protest społeczny i reklamę, a także o popularności tej techniki wśród członków awangardy w tych dwóch dekadach. Eseje zawarte w tej bogatej wizualnie publikacji analizują współczesne teksty, które inspirowały praktykę fotomontażu i badają te cechy fotomontażu, które doprowadziły do prawdopodobnie najważniejszej wystawy poświęconej tej technice artystycznej w Kunstgewerbemuseum w Berlinie w 1931 roku.

Pisane przez Angie Kordic, Elenę Martinique i Nadię Herzog.

Featured images in slider: David Hockney – Pearblossom Highway, 1986; portret Tony’ego Blaira autorstwa Petera Kennarda; Josep Renau – Hoy más que nunca VICTORIA, 1938; grafika Johna Stezakera; Aleksander Rodczenko – Młodzi szybownicy, 1933; El Lissintzky – Robotnik budowlany w ZSRR w Budownictwie nr 2, 1933; Kurt Schwitters – Propozycja, 1942. Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych.

.