Wat is fotomontage – De definitie en geschiedenis

Een van de belangrijkste aspecten van fotografie is het fysieke beeld. Hoewel het in het huidige digitale tijdperk lijkt alsof het afdrukproces alleen waardevol is voor de beeldende kunst, experimenteren fotografen al sinds de 19e eeuw op vele creatieve manieren met de lichamelijkheid van het medium. Een van die manieren is de fotomontage, die op zichzelf al revolutionair was omdat het kunstenaars de mogelijkheid bood verder te gaan dan het gewaagde streven van het medium om de werkelijkheid precies weer te geven zoals ze is. Op zich bood deze techniek nieuwe, of op zijn minst opnieuw geïnterpreteerde werelden op een fotografische plaat, kunstwerken die vele foto’s in één combineerden om zo nieuwe visies en ideeën te bevorderen.

Vandaag kunnen we het hebben over fotomontagekunst in zowel gedrukte als digitale versie, over de vele technische mogelijkheden binnen deze beide domeinen en over de ethische kwesties waarmee zij in de hedendaagse kunst wordt geconfronteerd, maar laten we eerst proberen de vraag te beantwoorden: wat is fotomontage precies?

Defining Photomontage : Creative Photography

Vanwege de definitie is fotomontage een combinatie van verschillende opnamen die worden samengevoegd voor een artistiek effect of om meer van het onderwerp te tonen dan in één enkel kunstwerk kan worden getoond. Beelden worden samengesteld door twee of meer foto’s of reproducties van foto’s samen te snijden, te lijmen, te rangschikken en te overlappen, soms in combinatie met ander niet-fotografisch materiaal zoals tekst of andere abstracte vormen. Het maken van een collage-foto gaat terug tot de eerste pogingen in de donkere kamer om foto’s af te drukken, toen fotografen experimenteerden met het rechtstreeks afdrukken van voorwerpen op fotografische platen, of met technieken zoals dubbele belichting en maskering. De kunst van het “samenvoegen van foto’s” hoeft natuurlijk helemaal niet in te houden dat er nieuwe foto’s worden gemaakt – er kunnen ook alleen maar gevonden en bestaande afdrukken worden gebruikt, afhankelijk van de intenties en doelstellingen van de kunstenaar. Tenslotte is met de komst van computers de noodzaak van fysiek beeldmateriaal geheel verdwenen, aangezien de huidige voorbeelden van fotomontagekunst worden samengesteld met behulp van bewerkingssoftware en vaak nooit in een gedrukte vorm terechtkomen.

Collage Photo Through History

De beroemdste fotomontage ontstond misschien wel in het midden van het Victoriaanse tijdperk. Het werd gemaakt door Oscar Rejlander, een baanbrekend fotograaf die een van de experts op dit gebied was. Zijn collagefoto The Two Ways of Life uit 1857 werd gevolgd door de Fading Away uit 1858 van een andere kunstenaar, Henry Peach Robinson. Tegen het einde van de eeuw kwamen vele andere kunstwerken tot leven, met name in de vorm van grappig ogende prentbriefkaarten waarop vaak het verkeerde hoofd op een ander lichaam was geplakt, of de creatie van vreemde, onmogelijke wezens. Aan het begin van de Eerste Wereldoorlog kwam de methode in een stroomversnelling, toen fotografen in heel Europa ansichtkaarten produceerden waarop soldaten te zien waren die naar de strijd vertrokken terwijl hun geliefden hen uitzwaaiden. Het was vooral de Berlijnse Dada-groep die de methode ontwikkelde als een middel om te protesteren tegen de oorlog en andere politieke kwesties uit die periode, en er een echte moderne kunstvorm van maakte.

The Photomontage of the Berlin Dadists

In een collectieve poging gebruikten de Berlijnse Dadaïsten echte foto’s of fotografische reproducties om de vernietiging en de gruwelen van de oorlog te benadrukken. Met behulp van schaar en lijm in plaats van een traditionele verfkwast en zichzelf “monteurs” noemend, eigenden de Dadaïsten zich beelden uit de massamedia toe en creëerden een scherpe, agressieve kritiek op de wereldgebeurtenissen. De grote verscheidenheid aan stijlen en manieren van werken hielp hen om ontwakende beelden van de werkelijkheid weer te geven en vestigde de aandacht op de griezelige gevolgen van ons eigen doen en laten, terwijl deze tegelijkertijd de begrippen en opgelegde regels van het traditionele kunst maken aanvielen. Het baanbrekende kunstwerk uit deze periode is Hannah Höch’s 1919-20 Cut with a Kitchen Knife through the Last Weimar Beer-Belly Cultural Epoch of Germany, waarin foto’s van prominente figuren als Albert Einstein en de Duitse kunstenares Käthe Kollwitz een fris statement maken over het moderne leven en de kunst in de beweging. Kunstwerken van John Heartfield, een toegewijde anti-nazi activist, en die van Kurt Schwitters, Raoul Hausmann en Johannes Baader, droegen bij aan de creatie van een visuele taal die een andere belangrijke beweging van de 20e eeuw zou inspireren.

Een wereldwijde invloed

Als een vrij gevestigd creatief instrument werd de fotomontage al snel overgenomen door de surrealisten, die zich aangetrokken voelden tot het idee om op ongebruikelijke wijze met de werkelijkheid te spelen. Onder hen hebben we Salvador Dalí en Man Ray als prominente beoefenaars van de fotomontage die er plezier in hadden de werking van de onbewuste geest weer te geven. Rond dezelfde tijd gebruikten de Russische constructivisten zoals El Lissitzky, Alexander Rodchenko en Gustav Klutsis collagefoto’s voor propagandakunstwerken, die in de daaropvolgende decennia werden voortgezet. In de belegerde Republiek Spanje bloeide deze vorm van creativiteit ook op, als reactie op de Burgeroorlog, door het werk van graficus Josep Renau. In Japan produceerde de avant-garde schilder Harue Koga ook fotomontage-stijl schilderijen, gebaseerd op foto’s uit tijdschriften.

Ontdek beschikbare werken van Man Ray op onze marktplaats!

Na de Tweede Wereldoorlog en het begin van het Koude Oorlog nam de populariteit van fotomontagekunst af, omdat het publiek genoeg kreeg van dit soort beelden en zich richtte op de opwindende wonderen van de televisie. De volgende grote opleving kwam echter met de jaren 1980 en de politiek van de anti-nucleaire beweging in Europa. Veel van de montage in deze tijd werd ontworpen voor spandoeken die tijdens demonstraties werden gehouden, met als doel een zeer grafische en agressieve manier van communiceren – zoals te zien is in het werk van Peter Kennard, die niet gelukkig was met het gebrek aan directheid van de schilderkunst en die met zijn fotomontage de “ongeopenbaarde waarheid” achter de economische ongelijkheid, het politiegeweld en de nucleaire wapenwedloop liet zien. Vandaag bevatten deze kunstwerken alles van tekst tot geluid, dankzij de evolutie van digitale technologieën en softwareontwikkeling, vooral Adobe Photoshop.

Creatieve Photoshop – Fotomontage

Fotomontagetechnieken

Fotomontagetechnieken zijn het afgelopen decennium aanzienlijk geëvolueerd met de integratie van de computers in het creatieproces van kunst en de introductie van digitale beeldbewerkingssoftware. De paste-ups worden nu digitaal gemaakt met behulp van verschillende software zoals Adobe Photoshop, Paint Shop Pro, Corel Photopaint, Pixelmator, Paint.NET of GIMP. Deze programma’s hebben het proces veel gemakkelijker gemaakt en mensen in staat gesteld de grenzen van het digitale beeld te verleggen. Maar in de 19e en 20e eeuw was de creatie van de fotomontage volledig fysiek en was er veel verbeeldingskracht en veel ingewikkeldere processen en technieken voor nodig.

Combinatiedruk

De techniek die de weg vrijmaakte was de combinatiedruk van Henry Peach Robinson. Het gaat om het gebruik van negatieven van twee of meer fotografische beelden om één enkel beeld te produceren. Deze complexe methode kwam voort uit de wens om fotografie om te zetten in beeldende kunst en geïdealiseerde beelden te produceren. Wegens de beperkingen van de lichtgevoeligheid van het negatief en de cameratechnologie, werd deze methode voor het eerst voorgesteld door de Franse fotograaf Hippolyte Bayard om een evenwichtig beeld te verkrijgen met een juiste belichting van zowel het onderwerp als de achtergrond. Fotografen als Peach Robinson, Oscar Rejlander en William Frederic Lace Price openden een nieuw venster voor creativiteit en maakten er originele fotomontages mee. Aangezien een foto als de waarheid werd beschouwd, veroorzaakte combinatiedruk veel controverse in de fotografische gemeenschap van die tijd, omdat het een verkeerde voorstelling van de echte wereld gaf. Deze manier van manipuleren vernietigde ‘de waarheid’ rond het medium volledig en veranderde de manier waarop mensen tegen het maken van foto’s aankeken.

Andere technieken

Naarmate het maken van foto’s zich als medium ontwikkelde, kwamen er nieuwe methoden bij. Creatieven als Romare Bearden gebruikten de frontale projectie. In zijn gemonteerde projecties gebruikte hij composities van papier, verf en foto’s die hij op planken plaatste die 8½ × 11 inch groot waren. De beelden werden gefixeerd met een met de hand aangebrachte emulsie en later gefotografeerd en uitvergroot. Wat Dada betreft, hun proces bestond uit schaar en lijm. Als radicale aanval op de kunst knipten en plakten ze afbeeldingen uit elkaar en combineerden die tot originele collages. Met de vooruitgang van analoge camera’s, werd dubbele of meervoudige belichting erg populair. Fotografen openden de sluiter van de camera meerdere keren om de film met verschillende beelden te belichten. Door elk volgend beeld over het eerste heen te leggen, ontstonden spookachtige beelden van mensen en voorwerpen die aan de oorspronkelijke scène werden toegevoegd.

Bekende fotomontagekunstenaars

De fotomontage als kunstvorm heeft in de loop van de kunstgeschiedenis veel kunstenaars aangetrokken, van vroege experimentele fotografen, dadaïsten, surrealisten en andere avant-garde aanhangers. Omdat ze het zagen als een radicaal proces dat vaak controverses veroorzaakte, hebben creatieven het gebruikt met verschillende bedoelingen, zoals fotografie meer creativiteit te geven, de maatschappij te bekritiseren en de sociale verandering te weerspiegelen, het idee van wat kunst is in vraag te stellen of gewoon het idee van een foto te deconstrueren. Door de opmerkelijke creativiteit, maar ook de politieke lading, was dit medium in de praktijk zeer divers. Aangezien veel prominente figuren met de methode in verband werden gebracht, laten we eens kijken naar de belangrijkste creatieve namen die de methode hebben verdedigd.

Oscar Rejlander

Een baanbrekend kunstfotograaf en een expert in fotomontage, Oscar Rejlander wordt beschouwd als de vader van de kunstfotografie. Nadat hij de natte-collodion- en waspapierprocessen had geleerd, begon hij te werken met portretten, maar hij maakte ook belangrijke erotische kunstwerken met circusmodellen, straatkinderen en kinderprostituees. Na veelvuldig te hebben geëxperimenteerd met combinatiedruk, maakte hij zijn beruchte prent The Two Ways of Life, bestaande uit tweeëndertig afbeeldingen. De prent, waarop twee jongens te zien zijn die door de patriarch worden begeleid, veroorzaakte aanvankelijk nogal wat controverse vanwege de gedeeltelijke naaktheid. Toch werd de prent een succes en werd hij kort daarna toegelaten tot de Royal Photographic Society of London. Hij bleef gedurende zijn hele carrière experimenteren met dubbele belichting, fotografische manipulatie en retouchering. Rejlander’s ideeën en methoden werden overgenomen door andere fotografen uit die tijd.

Henry Peach Robinson

Henry Peach Robinson is vooral bekend als pionier van het proces van combinatiedruk als een vroeg voorbeeld van fotomontage. Zijn picturalistische foto’s en geschriften maakten hem tot een van de invloedrijkste fotografen van de tweede helft van de 19e eeuw. Nadat hij in de commerciële portretfotografie had gewerkt, begon hij foto’s te maken die thema’s en composities van de anekdotische genreschilderijen imiteerden. Zijn vroegst bekende werken die met combinatiedruk tot stand kwamen was Juliet with the Poison Bottle, maar zijn beroemdste compositiefoto is Fading Away waarop een meisje op haar sterfbed te zien is, omringd door haar familie. Het behoort tot zijn prerafaëlitische fase waarin hij trachtte momenten van tijdloze betekenis vast te leggen in een ‘middeleeuwse’ setting. Hij beschouwde het maken van combinatiefoto’s als even veeleisend als het schilderen voor de kunstenaar.

Hannah Höch

Een van de zeldzame vrouwen die met Dada in verband werden gebracht, Hannah Höch promootte voortdurend het idee van vrouwen die creatief in de maatschappij werken. In haar fotomontages gebruikte ze visuele elementen van anderen om ze te transformeren en te integreren in haar grotere werken, waarbij deze aanvankelijk ongerelateerde beelden inzichtelijke verhaallijnen zouden vormen. Dit is een strategie die veel dadaïsten en surrealisten hebben toegepast. Omdat ze actief kritiek uitte op de maatschappij, weerspiegelden haar baanbrekende fotomontages vaak genderkwesties en de rol van de vrouw in een moderne samenleving. Ze promootte actief het idee van de ‘Nieuwe Vrouw’ in die tijd. Naast fotomontages verwerkte ze vaak readymades, waarbij ze altijd het begrip en idee van kunst zelf in twijfel trok. Ze is ook beroemd om de Dada Poppen die heel anders waren dan alle andere stukken die met deze beweging geassocieerd werden.

John Heartfield

Een pionier in het gebruik van kunst als een politiek wapen, John Heartfield verwerkte vaak anti-nazi en anti-fascistische uitspraken. Nadat hij kennis had gemaakt met Dada, begon hij kunst te maken in gemengde technieken met een kakofonie van visuele elementen die een duidelijke boodschap overbrachten aan zijn publiek. Hij ontwikkelde een unieke methode waarbij hij zich foto’s toe-eigende en hergebruikte om stukken met een krachtig politiek effect te creëren. Als weerspiegeling van de chaos en onzekerheid die Duitsland in de jaren ’20 en ’30 doormaakte, veranderden zijn stukken deze vorm van kunst in een krachtige vorm van massacommunicatie. Hij koos foto’s van politici uit de pers en haalde ze uit elkaar en herschikte ze om een radicaal andere betekenis te componeren. Zijn beroemdste werk War and Corpses: The Last Hope of the Rich uit 1932 weerspiegelde Duitslands gevaarlijke neiging tot oorlog.

Kurt Schwitters

Hij werkte binnen verschillende genres zoals constructivisme, Bauhaus, De Stijl en surrealisme en verschillende media zoals poëzie, geluid, schilderkunst, beeldhouwkunst, typografie en grafisch ontwerp, maar Kurt Schwitters is het beroemdst om zijn collages, de zogenaamde Merz Pictures. Hij noemde deze collages specifiek Merz om ze te onderscheiden van het kubisme, expressionisme en zelfs dadaïsme. In de loop der jaren breidde hij deze naam uit tot al zijn activiteiten, waaronder poëzie, installaties en performance. Zijn Merz-stukken waren samengesteld uit afvalmaterialen zoals etiketten, buskaartjes en stukjes gebroken hout. Na 1923 begon hij met het maken van grote Merz-constructies in zijn huis in Hannover, de zogenaamde eerste Merzbau. Zijn werken werden in 1937 door het naziregime verboden als ‘ontaarde kunst’. Nadat hij naar Noorwegen was gevlucht, bouwde hij zijn tweede Merzbau.

Man Ray

Een belangrijke bijdrager aan het dadaïsme en surrealisme, Man Ray maakte foto’s die opereerden in de kloof tussen kunst en leven. Andre Breton beschreef hem als een ‘pre-Surrealist’ omdat zijn kunst Marcel Duchamp grotendeels beïnvloedde en zeer belangrijk was voor de popularisering van het surrealisme. Hij heeft belangrijke bijdragen geleverd aan de avant-garde, mode- en portretfotografie, maar hij is ook zeer beroemd om zijn fotomontages. Deze afdrukken spelen met vrouwelijkheid en vorm en experimenteren met verschillende technieken zoals meervoudige belichting. Zijn bekendste werken van dit type zijn die met Alice Prin en Dora Maar. Met Lee Miller vond hij de ‘solarisatie’ opnieuw uit, een fotografisch proces waarbij beelden op het negatief worden vastgelegd, waarbij donker wordt omgekeerd door licht en omgekeerd. Hij was ook een voorvechter van de ‘shadowgraph’ techniek, een proces waarbij zonder camera beelden worden gemaakt op lichtgevoelig papier.

El Lissitzky

El Lissitzky was een Russische schilder, ontwerper en typograaf die kunst gebruikte voor sociale en politieke veranderingen. Eind jaren twintig, begin jaren dertig experimenteerde Lissitzky met de nieuwste media, zoals typografie, fotografie en fotomontage. Dit wordt beschouwd als zijn meest vooruitstrevende periode. Fotografie was voor hem de meest efficiënte manier om uitdrukking te geven aan de dynamische herinrichting van zijn land. Hij experimenteerde veel met fotogrammen en fotocollages en creëerde montages in de vorm van meerlagige foto’s. Door het gebruik van meervoudige belichting bij het afdrukken, benutte hij het effect van transparantie en juxtapositie om dynamische composities te bereiken. De fotomontage van het geboortekaartje van zijn zoon bevatte een gesuperponeerd beeld van de baby Jen boven een fabrieksschoorsteen, waarmee hij de toekomst van zijn zoon verbond met de industriële vooruitgang van het land. Zijn kunst had een grote invloed op de talenten van De Stijl en de Bauhaus-instructeurs.

Alexander Rodchenko

Als een van de belangrijkste avant-garde kunstenaars die zijn kunst in dienst stelde van een politieke revolutie, was Alexander Rodchenko een invloedrijke grondlegger van de Constructivistische beweging. Aanvankelijk hield hij zich bezig met schilderkunst, maar in 1921 ging hij zich toeleggen op driedimensionale designobjecten, architecturale schetsen en fotografie. Met foto’s had hij het meeste succes. Hij was beroemd om zijn avant-gardistische composities en experimentele benadering van focus en contrast. Onder de indruk van de Duitse dadaïsten begon Rodchenko te experimenteren met het medium. Eerst gebruikte hij gevonden beelden, maar later begon hij zijn eigen beelden te schieten. Zijn fotomontage werd voor het eerst gepubliceerd als illustratie bij Mayakovsky’s gedicht About This in 1923. Zijn fotomontages leverden een belangrijke bijdrage aan de Europese fotografie in de jaren 1920.

John Stezaker

De Britse conceptuele kunstenaar John Stezaker maakt oneerbiedige collages op basis van glamoureuze portretten uit de jaren 1950 met geklede mannen en Hollywoodsterren. Hij combineert deze foto’s als readymades met andere gezichten of zelfs landschappen om het effect van het unheimliche en absurde te creëren. Hij onderzoekt opnieuw verschillende relaties tot het fotografische beeld, zoals de documentatie van de waarheid, de leverancier van het geheugen of het symbool van de moderne cultuur. Door elegante en slimme juxtaposities vormt hij zijn eigen aangrijpende betekenissen. Hij tovert radicale ideeën uit beelden die anders de alledaagse kijker zouden bekoren. Hij vermijdt de term fotomontage ten gunste van de collage. Zoals hij zelf zegt, “het snijden in een foto kan voelen als het snijden door vlees”. In 2012 ontving hij de Deutsche Börse fotografieprijs, en de gemengde kritieken van de critici daarop bewijzen dat fotomontage nog steeds als controversieel wordt ervaren.

Josep Renau

Het werk van de Spaanse schilder, afficheontwerper en muralist Josep Renau was altijd politiek. Hij sloot zich in 1931 aan bij de Communistische Partij en halverwege de jaren dertig ontwierp hij affiches die de Spaanse Republiek steunden tegen het leger van Franco. Na zijn ballingschap in Mexico, na het einde van de Spaanse Burgeroorlog, werd hij sterk beïnvloed door de populaire cultuur van de VS. Hij eigende zich het beeldmateriaal uit de Amerikaanse reclame en populaire tijdschriften toe en plaatste ze naast elkaar in montages over racisme, seksisme, de macht van de media en consumentisme. Met deze werken viel hij de Amerikaanse cultuur rechtstreeks aan, op een geestige en slimme manier. Deze collageserie werd voor het eerst tentoongesteld in de VS aan het eind van de jaren tachtig. Hij wordt zelden genoemd bij de vroege radicale voorvechters van de fotomontage, maar hij heeft wel een belangrijke rol gespeeld in de ontwikkeling van deze vorm.

Tip van de redactie: Hannah Höch: Life Portrait: A Collaged Autobiography

Hannah Höch: Life Portrait verdeelt de monumentale compositie in 38 afzonderlijke delen, zoals Höch het zich had voorgesteld, en biedt toelichtende teksten en relevante citaten om elk deel aan te vullen. Dit boek, een van de weinige Engelstalige publicaties over de kunstenaar, verkent Höchs laatste meesterwerk en het levenswerk dat het vertegenwoordigt. Höchs laatste – en grootste – fotocollage, “Levensportret”, werd gemaakt tussen 1972 en 1973. Hoewel het oorspronkelijk niet haar bedoeling was een autobiografisch werk te maken, fungeert de collage als een soort zelfportret voor de kunstenares. Ze blikt terug op haar leven en werk, terwijl ze ook op ironische en poëtische wijze commentaar levert op belangrijke politieke, sociale en artistieke gebeurtenissen van de voorbije 50 jaar.

Bekende voorbeelden van fotomontages, en de ethiek erachter

Als er een abstract schilderij kan zijn, waarom zou er dan geen abstracte foto kunnen zijn? Soms is het natuurlijk vrij duidelijk dat er een soort montage in het spel is. Maar soms is het visueel niet zo duidelijk en daar begint het probleem. Kan een kunstenaar de werkelijkheid veranderen? Is het dan echt kunst? Is het ethisch verantwoord om zoiets te doen? Is het misbruik van kunst? Wanneer een kunstenaar speelt met het gezonde verstand van de kijker, door foto’s te laten zien die duidelijk iets onmogelijks laten zien, zoals de beelden van Scott Mutter van mensen die naast het vliegtuig lopen tijdens zijn vlucht boven de wolken, dan is er geen twijfel mogelijk dat de waarde van kunst hoog is. Zoals Mutter eens beschreef, “beelden zijn een poging om iets weer te geven dat een realiteit is. Geen fysieke werkelijkheid, maar een voorstelling door middel van metafoor’.

Physically Altered Images

Als je bijvoorbeeld een schrijver en kunstenaar neemt die geassocieerd werd met Dada in Berlijn, Johannes Baader, met zijn collage op een boekpagina met inktinscriptie uit 1920, als een van de beroemdste fotomontagekunstwerken van de beweging, dan zie je duidelijk de fysieke verandering die de kunstenaar aanbracht met een foto, om zo geïdealiseerde foto-beelden te vormen. Aangezien de dadaïsten schaar en lijm gebruikten om foto’s te knippen en te plakken, en ook geschreven teksten in de collages verwerkten, lijdt het geen twijfel dat de originele foto’s werden gemanipuleerd en veranderd. Maar als het om digitale technieken gaat, zijn ze veel geraffineerder, en bovendien – veel moeilijker te betrappen.

Cut-and-Paste Culture

De cultuur waarin we vandaag de dag leven is zo’n soort cut-and-paste-cultuur geworden, zoals Daniel Herrmann, een curator van de Whitechapel Gallery in Londen, het omschreef. Het is waar, we worden overweldigd door de hoeveelheid informatie die we elke minuut van de dag ontvangen en delen. Collage is een vertegenwoordiger geworden voor die toestand van culturele productie. Het biedt een alternatief voor een immer verschuivende, immer vloeibare beeldwereld en herinnert mensen aan tactiliteit, textuur en de realiteit van de wereld waarin we leven”, aldus Daniel Herrmann. Anderzijds zegt Laura Hoptman, curator bij de afdeling schilderkunst en beeldhouwkunst van het Museum of Modern Art in New York, dat de collage ook kan worden gekarakteriseerd als een manier om ‘informatie tegelijkertijd te ervaren’. Er is een ‘horizontale wolk van informatie’, zoals Laura Hoptman het noemt, verwijzend naar gemengde gegevens waarmee we allemaal in ons leven te maken hebben.

Een cocktailmaster, maar geen barman

Een hedendaagse Spaanse kunstenaar Antonio Mora, met een achtergrond in de designindustrie en werkzaam als art director, ziet zijn eigen kunst als verticale oplossingen. Hij noemt zichzelf een cocktailmaster, maar niet te verwarren met een barman. Hij maakt cocktails van foto’s door foto’s te gebruiken die hij vindt op blogs, in online magazines en overal in de digitale wereld, en die vervolgens samen te smelten. Zijn hybride wezens werden een episch voorbeeld van een originele manier om een fotomontage en fotomanipulatie te gebruiken om van het mengsel pure kunst te maken.

Imagerie met het ‘Wow’-effect

Een andere ware meester van de fotomanipulatie is Thomas Barbey, een Zwitserse kunstenaar die in de Verenigde Staten is gevestigd. Lang voordat Photoshop er was, nam hij foto’s van elke hoek van de aarde die hij had bezocht. Vandaag gebruikt hij nog steeds geen digitale fotobewerkers om foto’s te monteren. Hij ‘maakt zijn magie’ in de donkere kamer. En wat doet hij? Hij maakt zulke surrealistische fotomontages dat de meest technisch onderlegde mensen uit de creatieve industrie jaloers zouden zijn op zijn vaardigheden. Enkele van de beroemde beelden van deze kunstenaar zijn skiën op een tafel, een onderwaterpaar, een zebrapiano, een Venetiaans kanaal in een kerk, en nog veel, veel meer. Hij werkt alleen in zwart-wit, en hij creëert unieke foto manipulaties uitsluitend als een doel van het doen van beeldende kunst. Zijn werk is tentoongesteld in vele musea over de hele wereld, en kunstverzamelaars zijn literaire gevechten om zijn kunstwerken die zij willen bezitten. Momenteel bevinden zijn fotomontages zich in de privécollecties van meer dan 20 kunstverzamelaars. Thomas Barbey intrigeert kunstliefhebbers omdat hij geen gewone collage maakt. In feite mengt hij verschillende negatieven, de ene al tientallen jaren ouder dan de andere. Het uiteindelijke doel is om een foto te maken die de kijker oprecht versteld doet staan. Zoals de kunstenaar zelf verklaarde, als hij naar zijn eigen beeld kijkt en de eerste reactie is ‘So what?’, dan vernietigt hij het en doet alles opnieuw, net zo lang tot hij het ‘wow’-effect krijgt. En, echt waar, zijn fotomontages geven mensen echt een wow-effect.

Beyond Imagination

Een andere persoon die haar carrière heeft gewijd aan specifieke fotomontages en wereldwijd gerespecteerd werd voor haar werk is Laurence Demaison. Zij werkt voornamelijk met analoge fotografie en verkent de technische mogelijkheden ervan. Door te experimenteren met lange belichtingstijden, flitslicht en het negatief, stelt Demaison de grenzen van het medium in vraag door intrigerende opnamen te creëren die ons tonen hoe een camera een menselijk oog kan misleiden. Al meer dan 22 jaar maakt ze zelfportretten, maar die foto’s gaan niet over haar, zoals ze uitlegt. De foto’s die ze maakt, noemt Demaison ‘papieren fantomen’. Daar is een goede reden voor, want het onderwerp verdwijnt en onthult een heel andere wereld dan de verbeelding van de kijker.

Manipulatie van de werkelijkheid

Wanneer we het over fotomontage hebben, kunnen we niet voorbijgaan aan enkele belangrijke onderdelen van fotografische disciplines. Dat zijn documentaire fotografie en fotojournalistiek. Je kunt je afvragen wat dit te maken heeft met fotomontage, en met beeldende kunst trouwens, als hun doel is de werkelijkheid vast te leggen zoals die is en de wereld om ons heen in al zijn rauwheid weer te geven, zonder de wens om als kunst te worden gezien. Maar er zijn bepaalde moreel gefundeerde bezwaren tegen het specifieke gebruik van fotografie. Het gaat om een iets andere manier om foto’s te bewerken, waarbij de fotomontage al gebeurt voordat de foto wordt genomen. Er is toch niets mis mee als een fotograaf zijn modellen betaalt om voor hem te poseren? Juist, als het een fotoshoot voor een modecampagne is. Maar als het om documentaire beeldvorming gaat, kan dit een probleem zijn. In plaats van de werkelijkheid weer te geven zoals die is, zouden betalende modellen de wereld kunnen scheppen die de artiest ons wil laten zien. Hetzelfde geldt voor het veranderen van de scène om die eruit te laten zien zoals de fotograaf wil dat hij eruit ziet. Waarom zou een documentaire fotograaf het decor willen veranderen? In de eerste plaats om de emoties van de kijkers op te wekken. Hoe groter de visuele impact, hoe hoger de waarde van de foto. Sommige documentaire fotografen en fotojournalisten manipuleren de werkelijkheid dus wel degelijk op een dergelijke manier, hetgeen in een hele reeks beroepen zeer betwistbaar is. Het is in ieder geval een specifieke vorm van fotomontage, of ze dat nu willen toegeven of niet. En als het om ethiek gaat, is deze vraag zwaar discutabel – Is het dan kunst, of is het een leugen?

Tip van de redactie: Photomontage Between the Wars 1918-1939

Deze volledig Engelstalige publicatie biedt een fascinerend overzicht van het ontstaan van de fotomontage, met name in Duitsland en de Sovjet-Unie in de jaren twintig van de vorige eeuw. De uitgebreide reeks posters, collages, maquettes, prentbriefkaarten, tijdschriften en boeken in deze tentoonstellingscatalogus getuigt van de enorme invloed van fotomontage in de politiek, sociaal protest en reclame, terwijl het ook de populariteit van de techniek onder avant-garde leden in deze twee decennia aantoont. Essays in deze visueel rijke publicatie onderzoeken hedendaagse teksten die de praktijk van de fotomontage inspireerde en onderzoeken die kwaliteiten van de fotomontage die leidden tot wat misschien wel de belangrijkste tentoonstelling gewijd aan deze artistieke techniek in het Kunstgewerbemuseum in Berlijn in 1931 was.

Geschreven door Angie Kordic, Elena Martinique en Nadia Herzog.

Afgebeelde beelden in slider: David Hockney – Pearblossom Highway, 1986; Peter Kennard’s Tony Blair portret; Josep Renau – Hoy más que nunca VICTORIA, 1938; kunstwerken van John Stezaker; Alexander Rodchenko – Young Gliders, 1933; El Lissintzky – Bouwvakker in De USSR in Aanbouw no. 2, 1933; Kurt Schwitters – Het voorstel, 1942. Alle afbeeldingen zijn louter ter illustratie gebruikt.