La moda femminile all’inizio del ventesimo secolo era soprattutto una questione di status. La silhouette elegante era definita dallo stretto corsetto sans-ventre, che spremeva via la pancia e dava al corpo una linea a forma di S; dalle gonne lunghe e ampie e dagli alti colletti rigidi. I disegni tessili presero l’iniziativa dall’ornamentazione vegetale dell’art nouveau. I couturier parigini, come Jean-Philippe e Gaston Worth (figli del primo celebrato grand couturier Charles Frederick Worth), le sorelle Callot, Jacques Doucet, e Jeanne Paquin, erano all’avanguardia in questi abiti di società.
Questo stile era diametralmente opposto al “vestito della salute”, propagato dai sostenitori dei diritti delle donne, dalle donne artiste e dai medici. Questo modello pendeva senza corsetto. Il suo taglio a sacco fu rifiutato dalla maggior parte delle donne attente allo stile, nonostante i disegni di artisti art-nouveau come Henry van de Velde.
Il tailleur cominciò ad affermarsi come un indumento multiforme, diventando un simbolo, alla fine, della moda democratica. La donna d’affari lo usava per la sua carriera e la signora dell’alta società come abito da viaggio e da svago. La giacca era per lo più di taglio maschile con risvolti e polsini; la tonaca era occasionalmente accorciata sopra la caviglia. I tailleur erano offerti da produttori e da sarti eleganti come John Redfern e Henry Creed. Con l’avvento del tailleur, la camicetta divenne l’elemento centrale dello stile, con modelli sia lussuosamente decorati che semplici. Comode camicette kimono, con maniche tagliate, potevano essere indossate sopra le gonne. Cappotti, o paletot, presi dalla moda maschile, e cappotti o spolverini, soddisfacevano il desiderio di un abbigliamento funzionale. Intorno al 1908, il couturier parigino Paul Poiret creò un nuovo stile chiamato la vague. Ispirato dai Ballets Russes, combinò il “vestito della salute” che liberava il corpo con elementi di abbigliamento asiatico. Paul Poiret aveva legami con le Officine di Vienna, famose in tutto il mondo, che gestivano un proprio dipartimento di moda.
Originatosi in Inghilterra, lo stile edoardiano (dal nome del re Edoardo VII) fu il leader della moda maschile internazionale. La moda maschile era regolata da regole precise, pubblicate da importanti sarti, su quando e in quali circostanze ogni abito doveva essere indossato.
L’abbigliamento da lavoro includeva la giacca sportiva (sack coat) e la più elegante giacca del completo. I completi da giorno incorporavano il frock coat (Prince Albert). Il cut-away era considerato adatto per occasioni più private e prestigiose. La giacca da fumo soddisfaceva il ruolo di abbigliamento serale comodo e casual. Esistevano anche completi sportivi specializzati. Era importante scegliere sempre il cappello giusto: feltro morbido, bombetta, homburg, canotier, panama o cilindro. C’erano anche molti cappotti diversi tra cui scegliere, come paletot, chesterfield, raglan e ulster.
Moda 1910-1919
La moda internazionale fino al 1914 fu fortemente influenzata dal couturier francese d’avanguardia Paul Poiret. Egli contribuì a dare inizio allo stile Art Deco e ispirò altri stilisti come Erté e Mariano Fortuny, i cui abiti delphos di finissima seta plissettata erano anch’essi famosi in tutto il mondo. Nel 1910 Poiret pubblicizzò la gonna a zoccolo, che fu, nonostante il suo taglio scomodo, abbastanza di moda per un breve periodo. Cadeva sciolta, dritta fino alla parte superiore del polpaccio, ma era stretta, da sotto il ginocchio all’orlo della caviglia, con un giogo così stretto che una signora poteva solo zoppicare. Poiret propose anche un abito-pantalone lungo, ma poche donne osavano farsi vedere per strada con le nuove culottes di jupes. Per la sera, Poiret suggerì anche ampi pantaloni da harem indossati sotto una lunga tunica con un orlo rovesciato e irrigidito dal filo metallico.
Dal 1912 fino allo scoppio della prima guerra mondiale, gli abiti da sera furono segnati dalla nuova mania del ballo sociale, il tango argentino. Le creazioni di Poiret sembrano fatte su misura per la nuova danza popolare: gonne strettamente avvolte con alti spacchi sul davanti, tuniche ricamate in oro e turbanti con piume verticali. Gli uomini indossavano il cutaway e il frock coat alla moda, a volte in colori forti come il rosso scuro, o con finiture a scacchi. I cappelli di accompagnamento erano sovradimensionati.
Durante la prima guerra mondiale (1914-1918), l’abbigliamento tendeva ad essere il più semplice possibile: gonne moderatamente ampie, che non arrivavano ai piedi, e giacche lunghe fino ai fianchi. Nel 1915-1916, le crinoline di guerra – lunghe fino alla caviglia e soffiettate con due o tre strati di gonna – erano in voga; un anno dopo, tuttavia, queste caddero vittime dell’uso più economico del tessuto fornito dal taglio a sacco. La moda nel 1918 fu ravvivata da grandi tasche laterali e gonne che si restringevano verso l’orlo, creando il look a botte del 1919. La maggior parte dei saloni di moda a Parigi avevano chiuso. Ma alcune donne ricche comprarono comodi completi in jersey con maglioni lunghi fino ai fianchi e gonne semplici da Gabrielle Chanel a Deauville, stabilendo così la sua fama. Negli Stati Uniti, specialmente a New York, i produttori di abbigliamento erano attivi.
La novità più importante dell’abbigliamento femminile del ventesimo secolo avvenne fuori dal mondo della moda. I pantaloni lunghi per le donne furono inaugurati, né dall’alta moda né dalla moda quotidiana, ma dall’abbigliamento da lavoro femminile, che era ancora per lo più preso in prestito dagli uomini. Subito dopo la guerra, la gente lavorò con ciò che era disponibile, alterando uniformi e teloni dell’esercito o altri avanzi, per creare abiti civili.
Durante la guerra, l’uniforme sostituì tutti gli altri tipi di abiti, e la maggior parte dei sarti – se rimasero in attività – si specializzarono nella sua fabbricazione. Dopo la guerra, i sarti ricorsero a modifiche delle uniformi e alla rielaborazione di materiali riciclati, a volte fragili, in abiti che dovevano essere rinforzati con buckram, creando così il cosiddetto abito inamidato. I pantaloni da uomo avevano gambe molto strette fino all’orlo. Apparve il trench, per gentile concessione del passaggio dall’abbigliamento militare a quello civile.
Gli anni ’20
Durante gli anni ’20 la lunghezza dell’orlo di una gonna divenne, per la prima volta, una seria questione di moda. Mentre gli abiti del 1920-1921 erano ancora al polpaccio, e (intorno al 1923) anche alla caviglia per un breve periodo, dopo il 1924 le donne preferirono gonne che coprivano appena il ginocchio. Nel 1922-1923, la moda fu influenzata dalla scoperta della tomba del faraone egiziano Tutankhamon. Chiunque potesse permetterselo, comprava una djellaba come abito da casa o si faceva decorare gli abiti da sera con ornamenti egizi. Altrimenti, gli abiti larghi erano caratteristici per l’epoca. Per lo più avevano la vita bassa e a volte un orlo a pieghe o pieghe godet che fornivano libertà di movimento. Gli abiti da giorno avevano chiusure alte, vestite con colletti da baby-doll o da uomo.
Gli abiti da sera e le toilettes elaborate corrispondevano nel taglio agli abiti da giorno. Gli abiti da sera, tuttavia, presentavano una generosa scollatura anteriore e posteriore, la scollatura anteriore era coperta da una sottoveste color carne. Non era moderno mostrare il proprio seno, e i seni erano pressati piatti con fasce di tessuto. Il taglio semplice dell’abito da sera era compensato da tessuti costosi di pizzo, lamé d’oro o d’argento, collane di perle sospese, l’uso di frange di pelliccia di scimmia e ampi ricami. Nel 1927, la tendenza ad allungare l’orlo dell’abito da sera si affermò e la vita tornò al suo posto naturale. Nel 1928 l’abito da sera era già lungo fino al polpaccio, mentre l’abito da giorno rimase al ginocchio fino al 1930 circa.
Nella haute couture, Gabrielle Chanel si fece conoscere con abiti, completi in jersey e maglioni di maglia. Nel 1926 annunciò il “piccolo abito nero”, un abito da sera nero che colpisce per la sua semplice eleganza. Come Chanel, Jean Patou favorì linee chiare e un’eleganza estremamente semplice, iniziando con la sua collezione per gli Stati Uniti. Jeanne Lanvin, al contrario, presentò una linea decisamente femminile e romantica. I suoi abiti di stile (basati su stili storici), con i loro ampi panieri, divennero famosi in tutto il mondo. Lanvin era anche conosciuta per le sue creazioni madre-bambino.
Le gonne corte portarono le gambe, e quindi le calze di rayon, nel quadro. Bob e tagli di capelli da paggio erano tipici dell’epoca, così come toque semplici e aderenti e cappelli a cloche. Lo sport divenne una tendenza di moda: il tennis con una gonna corta senza calze, lo sci con un completo norvegese con mutande lunghe, il nuoto con un costume da bagno intero senza rinforzi a balena. Lo spettro della moda metropolitana degli anni 1920 comprendeva la garçonne (ragazzo femmina) in tailleur pantalone con cappello da uomo e persino un raccolto Eton. La sera, lo stile gamin prevedeva uno smoking (giacca da smoking), o un completo da fumo, e un monocolo. E la garçonne si appropriò anche del pigiama da uomo per l’abbigliamento domestico e notturno.
L’Exposition International des Arts Décoratifs et Industrials Moderne, tenutasi a Parigi nel 1925, fu un evento epocale che in seguito diede il nome di Art Deco al periodo. Tra i settantadue stilisti, Sonia Delauney creò la più grande sensazione con i suoi completi e cappotti in modelli di “contrasto di colore simultaneo”
Dopo il 1924, i completi da uomo avevano una vita leggermente affusolata, e i pantaloni si allargavano leggermente. I Dandy erano riconoscibili per i loro pantaloni estremamente larghi, conosciuti come “borse di Oxford”, e per le loro esageratamente appuntite winkle pickers o scarpe shimmy. Per il golf, le escursioni o la caccia, gli uomini indossavano giacche Norfolk e plus fours.
Gli anni ’30
All’inizio degli anni ’30, l’abbigliamento fu tagliato per essere di nuovo aderente, con la vita al suo posto naturale. I corpetti, con rinforzi in gomma e stretch, abbracciano le curve del corpo. Spalline e ampi risvolti, colletti off-the-shoulder con balze, così come cinture strette, tutti mirano a far apparire la vita più sottile. L’orlo era allungato con pieghe godet e pieghe dal ginocchio al polpaccio, fornendo libertà di movimento. Gli abiti da sera erano preferibilmente di raso scintillante, e arrivavano al pavimento, spesso con un piccolo strascico “a sirena”. Era in voga la scollatura sulla schiena, con larghe spalline incrociate, e un collo a cascata o a cuore. Il successo della nuova linea consapevole del corpo può essere fatto risalire alla stilista parigina Madeleine Vionnet e alla sua “invenzione” del taglio in sbieco, per cui il materiale, tagliato diagonalmente alla trama, si aggrappava al corpo e si svasava verso l’orlo come una campana.
Elsa Schiaparelli non fu da meno sul fronte delle idee. Nelle sue collezioni, ha lavorato con effetti trompe l’oeil e allusioni ad artisti surrealisti. Le ampie spalle a pagoda di Schiaparelli, inventate nel 1933, ebbero una grande influenza sulla moda quotidiana. Abiti, giacche e vestiti dopo il 1933 erano impensabili senza spalle imbottite.
Nei paesi fascisti (Italia, Spagna e Germania), la moda femminile divenne una questione di agitazione politica, come esemplificato dall’introduzione dell’uniforme del BDM (Bund Deutscher Mädchen). I costumi alpini si adattavano anche ai gusti della Germania nazionalsocialista. Le manifatture di Berlino, famose in tutto il mondo, che erano state per oltre l’80% in mani ebraiche, furono, per la maggior parte, rovinate (cioè, liquidate) a causa della “pulizia ariana.”
L’anno 1936 fu uno dei più innovativi nella moda maschile. L’abito a doppio petto, con quattro bottoni invece di sei, creò un furore, così come le camicie a fantasia indossate con completi di flanella grigia. Le camicie presentavano anche i nuovi colletti kent e cravatte un po’ più larghe, legate in nodi windsor. Nell’abbigliamento da giorno, erano comuni i completi in gabardine a tre bottoni e le camicie oxford con i colletti abbottonati.
Gli anni ’40
Durante la seconda guerra mondiale (1939-1945) e i primi anni successivi, la moda fu dettata dal bisogno di abiti pratici e semplici e dal razionamento di risorse e materiali. In Inghilterra il governo incoraggiò l'”abbigliamento di utilità”. A Parigi, durante l’occupazione tedesca, solo pochissime case di alta moda rimasero aperte. In tutti i paesi, riviste e opuscoli speciali dispensavano consigli su come rimodellare i vecchi vestiti o su come fare nuovi vestiti combinando pezzi di quelli vecchi. Gonne e cappotti si accorciarono, i completi assunsero il carattere di uniformi e le spalle larghe dominavano più che mai. Cappelli e scarpe erano spesso fatti a mano e le calze e i calzini di lana sostituirono la seta. Negli Stati Uniti, Claire McCardell creò un furore con i suoi abiti “pop-over”, i body e i “pannolini da mare”.
Una nuova epoca nella moda fu segnata il 12 febbraio 1947, con l’apertura della casa di Christian Dior. Chiamò la sua prima collezione di haute couture “Ligne Corolle” (linea del calice), ma la stampa di moda la chiamò “New Look”, perché quasi tutto era nuovo. La semplice giacca del tailleur, i piccoli risvolti, la vita da vespa stretta, che enfatizzava i fianchi, e, soprattutto, le spalle strette. Per la prima volta in oltre un decennio, non c’erano spalline. Altrettanto nuovi erano la gonna estremamente ampia al polpaccio, i cappelli piatti a tesa larga (ruote di carro), le scarpe con il tacco alto e i guanti lunghi, che conferivano a questo abbigliamento da giorno un’eleganza impressionante.
All’inizio, a causa della mancanza dei materiali necessari, il nuovo stile poteva essere prodotto solo lentamente, ma presto innumerevoli sarte private furono impegnate a realizzare il sogno del “New Look”. Nella primavera del 1948, seguì la “Ligne Envol” (linea a matita) di Dior, che introdusse gonne strette con il famoso spacco Dior, sotto il quale fu inserito del materiale per facilitare la camminata. Le calze di nylon erano molto richieste, lasciando per sempre nel passato le calze lucide di rayon e lana.
Dopo la guerra, una nuova invenzione della moda creò un’impressione duratura. Il 5 luglio, a Parigi, l’ingegnere meccanico francese Louis Réard presentò il suo costume da bagno a due pezzi che chiamò bikini. Anche se esistevano già costumi da bagno a due pezzi dal 1928, il bikini di Réard si distinse per il suo taglio estremamente succinto. Il bikini, tuttavia, non è stato generalmente accettato fino alla fine degli anni ’60.
L’abbigliamento maschile ha giocato un ruolo piuttosto limitato; le uniformi hanno dominato. I trench e i montgomery (monty) erano cappotti a tutto tondo. Lo zoot suit della scena jazz americana, con la sua lunga tonaca e i pantaloni larghi, era considerato moderno.
Gli anni 50
Negli anni 50 Parigi riconquistò la sua posizione di capitale della moda. Christian Dior dettava le linee, ogni stagione era pronto con un’altra: la linea H del 1954, per esempio, che rifiutava la vita stretta per la prima volta, e la famosa linea A del 1955. Non meno influenti, tuttavia, furono gli stilisti Pierre Balmain, Jacques Fath, Hubert de Givenchy, Cristobel Balenciaga e, in Italia, Emilio Schuberth ed Emilio Pucci. Nel 1954, Chanel riaprì il suo salone e pubblicizzò un completo immediatamente famoso con una giacca larga e una gonna leggermente svasata in diretto contrasto con lo stile più rigido e sartoriale di Dior. Nel 1957, con la morte di Christian Dior, Yves Saint Laurent seguì le sue orme. La sua linea a trapezio, o tenda, in cui osò negare la figura femminile, fu un sensazionale, anche se controverso, successo di debutto.
Naturalmente, le donne avevano altre preoccupazioni oltre ai dettami della moda di Dior, ma molte sarte private presero spunto da questa o quella linea di alta moda. Anche le riviste di moda adattarono le mode d’élite per il consumatore medio.
Il quadro della moda in patria e all’estero era definito da due punti fondamentali: la linea stretta con la sua forte consapevolezza del corpo e l’attenzione attirata sulla linea dei fianchi da una cintura raccolta, e l’ampia sottoveste oscillante e giovanile. Entrambi cercavano di creare un vitino da vespa da sogno, magicamente ristretto da un corsetto, la guepière o cinta. Oltre ai completi e alle giacche, l’abito camicia, con il suo taglio casual e sportivo, il colletto a camicia e le maniche con i polsini, era un indumento adatto a tutte le occasioni.
Negli abiti da cocktail, le donne preferivano modelli estremi come la cupola di Dior o il look a palloncino di Givenchy, la cui ampia gonna era disegnata in modo netto sull’orlo. Nuovi materiali sintetici come il nylon, il perlon, il dralon, la trevira, il terylene, l’elastico e l’imitazione della pelle realizzarono il sogno della moda per tutti. “Drip dry” e “wash and wear” erano le parole magiche della pubblicità, relegando il ferro da stiro al passato. Per il tempo libero degli adolescenti c’erano i jeans, i pantaloni capri e le ballerine. La camicia da notte corta dal taglio infantile con le mutandine, chiamata baby doll, era nuova. Gli adolescenti aggressivamente intellettuali erano attratti dall’esistenzialismo francese e indossavano dolcevita neri, vestiti stretti di pelle nera e calze nere invece di calze di nylon trasparenti.
Accessori accuratamente coordinati facevano parte dell’abbigliamento elegante di ogni giorno. Le scarpe con punte arrotondate e tacchi quadrati si evolsero nel 1955-1956 nella loro famosa forma a punta e tacchi a spillo.
La moda tedesca degli sport invernali divenne un modello internazionale. I pantaloni da sci di Maria Bogner, “i Bogner”, divennero una parola familiare negli Stati Uniti, così come la prima tuta da sci elastica con un solo punto di cucitura, inventata da Bogner nel 1955.
Dopo il 1953, l’Italia, con i suoi completi attenti al corpo, iniziò a competere con la sartoria tradizionale inglese. Nel complesso, la moda maschile era conservatrice: le camicie di nylon erano bianche come la neve e le cravatte strette. La camicia hawaiana era un indumento popolare per il tempo libero. I Teddy Boys inglesi, un gruppo di frangia di adolescenti, indossavano giacche simili ad una tonaca e pantaloni estremamente stretti; i loro capelli erano acconciati all’indietro sulla fronte in un’onda con lozione. I duri, d’altra parte, erano noti per i loro abiti di pelle nera.
Gli anni ’60
Gli anni dal 1959 al 1963 furono un periodo di transizione dallo stile decisamente femminile degli anni ’50 allo stile adolescenziale degli anni successivi. Le adolescenti preferivano le sottovesti ampie, mentre la donna matura sceglieva tubini stretti e, come abito da pomeriggio o da cocktail, un look stravagante a strati, con una gonna aderente a strati sotto una gonna a tulipano più corta. La vera moda degli anni ’60 iniziò nel 1964. La “Swinging London” divenne la metropoli della moda giovanile. Mary Quant e i suoi piccoli abiti femminili lunghi fino alla coscia fecero notizia. Il suo mini-style non voleva essere elitario, ma popolare; così commercializzò le proprie calze di moda, senza le quali il mini era difficilmente indossabile. Anche l’acconciatura Vidal Sassoon ad angolo acuto era nuova. La controparte del look di Mary Quant era l’esotico look Biba di Barbara Hulanicki di Londra. Twiggy divenne il manichino più famoso e la “pianta di fagioli più costosa del mondo”. La magrezza divenne, da questo momento in poi, un requisito di bellezza. Nel 1964, Rudi Gernreich introdusse il suo costume da bagno in topless, che corrispondeva alla tendenza alla liberazione sessuale. Inventò anche il reggiseno “senza reggiseno”.
Gli stilisti parigini parteciparono all’anticonformismo giovanile e al prêt-à-porter solo controvoglia. Yves Saint Laurent presentò abiti con grandi immagini pop-art applicate in rosa shocking, una collezione Mondrian con linee e superfici contrastanti e, nel 1966, il look trasparente. Paco Rabanne creò un tumulto con mini tubini di plastica e dischi di metallo e le creazioni di Pierre Cardin presentavano fori rotondi, “cutouts”, così come strutture modellate. Le mode di André Courrège erano l’ultima parola nell’euforia dell’era spaziale. Le sue cameriere lunari con pantaloni elasticizzati argentati con paillettes, stivali bianchi sintetici e occhiali da sole bianchi con fessure per vedere, rappresentavano il puro futurismo. Il suo abito Courrèges, con la sua giacca dal taglio geometrico e il colletto tagliato ad angolo, era di gran moda. Per tutti gli oppositori della minigonna, i pantaloni erano popolari in tutte le forme e lunghezze immaginabili, ma soprattutto i jeans. I tailleur pantalone presero il posto dell’abito tradizionale. Spesso un mini abito super corto veniva indossato come una tunica sopra i pantaloni. La larghezza della gamba dei pantaloni sotto il ginocchio si allargava progressivamente. Più larga era la “campana”, più era alla moda.
Per un momento nel 1965 sembrò che la generazione più giovane avesse detto addio alla minigonna, mentre la moda imitava il film “Il dottor Zivago”, con lunghi cappotti e berretti russi. I look hippie e beatnik, che protestavano contro il consumismo, si opponevano ideologicamente e stilisticamente alla moda mainstream, e mescolavano e abbinavano costumi contadini internazionali, come poncho, cappelli peruviani, stivali eschimesi, camicette indiane e giacche di pelle di pecora afgane. I giovani cucivano fiori sui jeans, indossavano cappelli flosci o mostravano i loro corpi nudi, dipinti solo con fiori. La creatività ha avuto libero sfogo, sotto il motto “fatto a mano è chic”: Le magliette erano batikate o dipinte, i jeans ricamati, i berretti cuciti, le cinture con le frange di pelle intrecciate, i gioielli d’argento intrecciati, i gilet all’uncinetto, i pullover a maglia, ma lo stile hippie fu rapidamente cooptato dal mercato.
I completi a collo alto di Pierre Cardin senza revers o colletti o con piccoli colletti alla mandarina (o “Nehru”) crearono un furore e furono adottati dai Beatles. Più radicali erano i mods inglesi, per i quali parka e scarpe Clark erano tipici. La pettinatura “mop top” dei Beatles divenne un conflitto generazionale. Dopo il 1965, gli uomini preferirono il colorato look etnico hippie. Il maglione a collo alto e più tardi la maglietta sostituirono la camicia.
Gli anni 70
“Fai come vuoi”, fu il motto della moda dei primi anni 70. L’ideale degli hippies, “siamo tutti uguali”, diede il tono ai look unisex e folkloristici. Il fatto a mano era di moda, dalle camicie batik, agli scialli lavorati a maglia e ai berretti all’uncinetto, ai maglioni di lana di pecora filata a mano. L’under-statement era cool e i vestiti di seconda mano non erano più solo per i bisognosi. Il reggiseno stesso cadde vittima della liberazione generale da tutte le costrizioni. Le femministe parlano di “seno liberato”. Mancavano le indicazioni dell’alta moda; anche gli stilisti parigini si trovarono in crisi. La moda doveva essere multiforme, non complicata, originale e individuale, e la lunghezza dell’orlo variava tra mini, midi e maxi secondo il capriccio e l’umore. Il romanticismo moderno – l’onda della nostalgia – ha dato vita a mini-abiti (ancora di moda fino al 1973), top avvolgenti, maniche ad ala e a balze, e gonne a campana. I capelli erano lunghi e morbidamente ondulati o arrotolati in riccioli a cavatappi. Ciglia finte o linee dipinte evocavano magicamente occhi da star.
Quasi nessun’altra moda creò tanto scalpore quanto gli hot pants nel 1971-1972. Non erano solo indossati come pantaloncini estivi super corti, ma anche destinati all’inverno con calze di lana spessa. Gli hot pants erano compensati dagli amati maxi cappotti e dalle scarpe con alte piattaforme. Pantaloni di tutti i tipi fornivano un sollievo dalle dispute sulla lunghezza. C’erano pantaloni stretti al ginocchio, larghi gaucho, mutande, culotte, pantaloni harem, pantaloni alla caviglia, pantaloni larghi alla Marlene Dietrich e, fino al 1974, pantaloni a campana larghi. I jeans divennero l’abbigliamento universale, superando tutti i confini di classe ed età. Giacche, pullover, gilet e magliette si aggrappavano strettamente al corpo. I pullover presentavano motivi spiritosi come alberi, case o automobili. Abiti da festa di lunghezza maxi (gli abiti da sera erano out) avevano motivi audaci come grafici di Vasarely, pop-art, o immagini di Hundertwasser.
Dopo il 1974, una serie di look seguirono senza costituire un unico stile unificato. Nel 1975 ci furono i caftani e il look cinese con giacche corte trapuntate. Nel 1976 domina il look mediorientale, con tuniche su pantaloni harem, e, più tardi, il look a strati. Un maestro della miscela folcloristica fu lo stilista giapponese Kenzo (Takada), la cui boutique parigina “Jungle Jap”, ebbe una decisa influenza. La moda mainstream, d’altra parte, era piuttosto conservatrice, caratterizzata dalla gonna a ombrello plissettata (o dorata), che arrivava appena sotto il ginocchio.
Nel 1976 la stampa di moda riportò euforicamente la collezione “Ballets Russes-Opéra” di Yves Saint Laurent. Era un elegante look contadino con gonne lunghe e larghe di seta scintillante e giacche bolero in combinazioni di colori inaspettati come rosso, lilla, arancione e rosa, delicate camicette trasparenti con maniche larghe e turbanti dorati.
A partire dal 1977, l’abbigliamento punk esercitò una forte influenza sulla moda per gli anni successivi. La generazione antiborghese e “senza futuro” scioccava con il suo look brutale: spille da balia nelle guance e nei lobi delle orecchie, collari per cani e lamette come collane, occhi diabolicamente truccati, labbra nere, jeans e magliette strappate, calze a rete strappate e duri stivali Doc Marten. I loro capelli, in contrasto con i loro abiti grigi e neri, si differenziavano dai “normali” mainstream per i loro riflessi verdi e rossi e il loro stile a spillo (mohawk). Gli addetti ai lavori si incontravano nel negozio di Vivienne Westwood e Malcolm McLaren in King’s Road, chiamato “Sex” nel 1974 e poi, più tardi, “Seditionaries” nel 1978.
Nel 1978, gli stilisti parigini di prêt-à-porter, soprattutto Claude Montana, portarono in passerella il look militare e punk. Spalle larghe “power” e capi oversize danno inizio a una nuova silhouette di moda che diventerà lo stile caratteristico degli anni ’80.
Il libro americano del 1975, Dress for Success di John T. Molloy, dà all’esule dalla cultura hippie consigli su come commercializzarsi con i vestiti giusti, sul potere della camicia bianca, su come interpretare i codici dei modelli di cravatta e su come farcela nel “grande business”. Due anni dopo, nel 1977, seguì il seguito di Molloy, The Woman’s Dress for Success Book.
Gli anni ’80
La silhouette della moda degli anni ’80 fu definita da maniche gigot (coscia di montone) over-size e voluminose e da ampie spalle imbottite che coincidevano con la lotta per la parità dei diritti delle donne. Anche gli abiti da sera, che enfatizzavano le scollature e la vita stretta, dovevano avere le spalle imbottite. Gli orli non erano più un problema. Le adolescenti indossavano mini abiti larghi, ma in generale le gonne si estendevano da sotto il ginocchio alla lunghezza del polpaccio. Le donne indossavano giacche maschili, giacche corte a campana o giacche a scatola dalle spalle larghe con i pantaloni. Allo stesso tempo, la moda divenne un segno di prestigio e uno status symbol, meglio rappresentato da etichette di marca, e una preferenza per la pelle, la pelliccia e gli accessori color oro.
Gli stilisti giapponesi d’avanguardia, che attirarono molta attenzione in Europa durante gli anni ’80, erano in netto contrasto con questa tendenza. Nella tradizione dell’abbigliamento giapponese, Yohji Yamamoto drappeggiava matasse di tessuto in modo sciolto intorno al corpo. Nel 1981, la compagnia di moda “Comme des Garçons” di Rei Kawakubo, mise in discussione l’intera estetica della moda occidentale. Ha tagliato le gonne in strisce svolazzanti, ha strappato il materiale, l’ha annodato insieme e l’ha stratificato trasversalmente. Il nero e il grigio dominavano. Issey Miyake era noto per il suo uso altamente sperimentale di materiali e metodi, dimostrato dai suoi corpetti di rattan ispirati alle armature da allenamento dei samurai nel 1982, e la sua prima collezione “Pleats Please” del 1989.
Nel 1983, Karl Lagerfeld divenne lo stilista per la casa di alta moda di Chanel. Ha rielaborato il leggendario abito Chanel per essere nuovo e non complicato, e ha aggiunto gonne di pelle e tailleur con pantaloni. Gli stilisti parigini offrirono una nuova coscienza del corpo come alternativa alla mania dell’oversize. Thierry Mugler scintillò con abiti corsetto e vestiti a sirena, Jean-Paul Gaultier con velluto aderente e seni a granata, e Azzedine Alaïa con abiti aderenti di pizzo.
Lo stile del designer americano divenne sinonimo di abbigliamento sportivo e chic pulito. Ralph Lauren diede alla tradizione un lifting moderno con il suo concetto di “stile country”. Donna Karan fu apprezzata per la sua funzionale “moda per tutto il giorno” con body in jersey al posto delle camicette. Calvin Klein fu considerato l’inventore dei jeans firmati.
La scena musicale fornì sempre più modelli di stile. L’icona pop Madonna era affascinante come una Marilyn Monroe contemporanea. La sua apparizione in un corsetto fu l’impulso della mania dell’intimo come abbigliamento, con bustier e corsetti.
La mania del fitness esercitò la più grande influenza sulla moda quotidiana alla fine degli anni ’80. Gli scaldamuscoli della ballerina di danza classica, i leggings della fan dell’aerobica e i pantaloni del corridore in bicicletta apparvero nella moda quotidiana. I leggings, disponibili nei modelli più selvaggi, nei colori più sgargianti e nei tessuti elasticizzati più brillanti, venivano indossati con blazer o maglioni lunghi.
Verso la fine del decennio, il blazer lungo con gonna dritta al ginocchio e calze nere coprenti divenne il classico completo da lavoro femminile. La moda da sera, e la rinascita dell’abito da cocktail, era, al contrario, enfaticamente femminile. Christian Lacroix, la cui prima sfilata di haute couture nel 1987 portò una frenesia di colori, divenne il maestro degli abiti da cocktail con tutù corti e sbarazzini e gonne a palloncino.
In risposta alle massicce campagne animaliste, l’uso della pelliccia divenne una “questione di coscienza”, rendendo di moda pellicce finte colorate e cappotti trapuntati.
La nuova moda maschile di Yohji Yamamoto, con le sue giacche fluide e senza colletto, offriva un’alternativa al convenzionale completo da lavoro imbottito sulle spalle degli yuppie. Giorgio Armani guidò l’ascesa dell’abbigliamento maschile milanese, e il produttore tedesco Boss ottenne il riconoscimento internazionale per la sua moda maschile.
Nel 1982 Calvin Klein rivoluzionò l’intimo maschile, rendendo semplici slip da uomo a coste un articolo di design stampando il suo nome nella cintura elastica. Nel 1985, l’androginia divenne una dichiarazione di moda provocatoria; Jean-Paul Gaultier creò gonne per l’uomo consapevole del proprio corpo.
Gli anni ’90
La moda divenne una questione di “quale designer?” con stili estremamente vari. All’inizio degli anni ’90, gli stilisti belgi Anne Demeulemeester e Martin Margiela iniziarono una nuova direzione stilistica con l’avvento del grunge e del look da ragazzo povero, rendendo Anversa, che ospitava anche gli stilisti Dries Van Noten, Dirk Bikkembergs e Walter Van Beirendock, il nuovo centro della moda. La stilista inglese Vivianne Westwood finalmente ricevette il riconoscimento internazionale per le sue audaci reinterpretazioni di stili storici. I nuovi arrivati londinesi John Galliano e Alexander McQueen si affermarono come stilisti capo, rispettivamente, presso Christian Dior e Givenchy a Parigi. Jean-Paul Gaultier continuò ad avere molto successo con le sue mode di intimo, in particolare con Madonna al centro. La tavolozza della moda dello stilista italiano Gianni Versace spaziava dai modelli neo-barocchi allo stile bondage, mentre la casa di Gucci, sotto la direzione del texano Tom Ford, combinava purismo ed erotismo. Miuccia Prada ha preso piede, con il suo stile “cattivo gusto”, e un rilancio di successo degli stili passati. Giorgio Armani rimase il maestro del purismo, mentre Dolce & Gabbana celebrò l’erotismo femminile con lingerie nera e stampe animalier. Jill Sanders, di Amburgo, perfezionò il suo minimalismo con successo internazionale. Lo stilista austriaco Helmut Lang si affermò a New York; il suo look a strati trasparenti e le sue linee mini-malistiche diedero nuovi stimoli alla moda. Accanto agli stilisti, le top model, come Claudia Schiffer, Naomi Campbell, Linda Evangelista e Cindy Crawford, furono al centro di tutti gli eventi di moda.
Nella moda quotidiana, i leggings, in tutti i colori e modelli, dominarono all’inizio del decennio. Indossati sotto gonne al polpaccio elegantemente trasparenti e blazer lunghi in blocchi multicolori, i leggings coprivano le gambe con discrezione. Il look trasparente apparve un po’ nella moda mainstream, stratificato sopra body di pizzo, bustier e reggiseni. Verso la fine del decennio, camicie stropicciate, orli strappati e cuciture a rovescio furono accettate. La borsa baguette, pubblicizzata da Fendi, portò la borsa, dopo due decenni di zaini, al centro della scena della moda.
Il marketing dei marchi divenne sempre più importante: gli adulti favorirono Louis Vuitton, Hermes o Escada, e gli adolescenti di entrambi i sessi favorirono marchi di abbigliamento sportivo come Diesel, Chiemsee, Burton, Nike, Adidas o Levis. Il produttore italiano di moda Benetton stimolò accese controversie sulla sua pubblicità.
Anche la moda maschile era sempre più determinata da stilisti con stili chiaramente differenziati, che andavano dai completi dal taglio morbido di Giorgio Armani a quelli di Hemut Lang, attenti al corpo, con collo relativamente alto e pantaloni stretti con una banda di raso sulle cuciture delle gambe rivolte all’esterno. Pantaloni larghi e camicie extra-large sono rimasti popolari con la generazione più giovane. I pantaloni Cargo furono introdotti nel 1999 come abbigliamento sportivo.
Vedi anche Giorgio Armani; Art Nouveau e Art Deco; Pierre Cardin; Gabrielle (coco) Chanel; Corsetto; Christian Dior; Europa e America: Storia dell’abbigliamento (400-1900 C.E.); Jean-Paul Gaultier; Haute Couture; Karl Lagerfeld; Helmut Lang; Jean Patou; Paul Poiret; Mary Quant; Yves Saint Laurent; Business Suit; Youthquake Fashions.
Bibliografia
Baudot, Francois. Moda del secolo. New York: Universe Publishing, 1999.
Buxbaum, Gerda, ed. Icons of Fashion: The 20th Century. New York: Prestal, 1999.
Fukai, Akiko. La moda. Collezione dell’Istituto del Costume di Kyoto. Una storia dal 18° al 20° secolo. Tokyo: Taschen, 2002.
Loschek, Ingrid. La moda nel 20° secolo. Una storia culturale del nostro tempo. Monaco di Baviera: Letzter Preis, 1995.
–. La moda del secolo. Cronaca della moda dal 1900 a oggi. Monaco di Baviera: Letzter Preis, 2001.
McDowell, Colin. Forties Fashion and the New Look. Londra: Bloomsbury, 1997.
Remaury, Bruno, ed. Dizionario della moda del XX secolo. Parigi, 1994.
Seeling, Charlotte. Moda 1900-1999. Londra-Colonia: Konemann, 2000.
Steele, Valerie. Cinquant’anni di moda: New Look to Now. New Haven, Conn.: Yale University Press, 2000.
Vergani, Guido, ed. Dizionario della moda. Milano: Baldini e Castoldi, 1999.
Salva
Salva