L’arte della pittura (dettaglio), Johannes Vermeer, 1666
Potresti pensare di aver bisogno di più tempo, o della marca perfetta di vernice o di un nuovo pennello.
Quando arriva il fine settimana e sei finalmente riuscito a trovare un po’ di tempo per te, la tela bianca ti fissa e il ritratto finito, che volevi così disperatamente realizzare, sembra un mondo lontano.
La tua motivazione è alta, il tuo disegno è buono ma il salto dalla matita alla pittura ha colpito un muro.
Sfogliare una rivista d’arte o fare shopping per un nuovo colore sembra improvvisamente un’idea attraente.
Comincerai la prossima settimana quando avrai il colore esatto di cui hai bisogno.
Ma se queste azioni ti stanno frenando?
E se ti costringessi a cercare di ottenere di più con meno, a darti dei vincoli e la tua pittura di ritratti potrebbe fare dei passi da gigante?…
1. L’arte dell’inizio
Uno dei più grandi rimpianti che puoi avere in qualsiasi sforzo creativo è non iniziare.
Può consumarti e giorni, mesi e anni possono passare prima che tu ti dia il tempo e il permesso di iniziare.
La mancanza di tempo può sembrare la scusa perfetta, i bambini, gli impegni di lavoro… la vita.
Ma darsi il permesso può essere la vera verità.
Il permesso di iniziare.
Il permesso di fallire.
Il permesso di chiamarsi artista.
Avere un metodo
Ho sempre voluto dipingere ritratti ma l’ho rimandato, ero preoccupato di come sarebbero venuti, e rispetto ai vecchi maestri che avevo ammirato così tanto, mi sembrava una sfida schiacciante.
Risulterebbero tutti quando non assomigliassero al ritrattista?
Così ho continuato a dipingere astratti professionalmente, stavano vendendo bene ed era ciò per cui ero conosciuto.
Ma la mania del ritratto era solo sepolta più in profondità, è stato il più grande errore che ho fatto.
Poi una sera io e Vanessa siamo andati a cena a casa di amici, entrambi colleghi artisti.
Dopo il dessert, Warren ci ha mostrato con entusiasmo un regalo di nozze che aspettavano da 10 anni. Era un doppio ritratto a grandezza naturale che un loro amico aveva dipinto, ma nel classico stile bohémien, l’artista possedeva solo una moto e non aveva mai fatto la M6 per consegnarlo.
Era così impressionante che una persona reale, viva e ordinaria avesse creato quest’opera su così grande scala e che avesse un tale impatto emotivo sui nostri amici, non poteva non ispirarmi.
Il giorno dopo andai nel mio studio e Vanessa divenne la mia prima riluttante postazione per un ritratto in technicolor, il mio approccio fu, a dir poco, irregolare!
L’errore dei miei modi
Studiando la ritrattistica a grandezza naturale al Sarum Studio con Nick Beer
Da una lista di colori di un libro alla raccomandazione del pennello di un altro insegnante e senza contare le molte ore passate nei musei a studiare i dipinti in prima persona.
Ho sviluppato il mio stile personale… ma ci sono volute ore e ore e il processo è stato doloroso, i risultati …. solo o.k.
Così ho preso un nuovo approccio creativo, 20 colori, musica classica a tutto volume e un bicchierino di whiskey, l’ispirazione dovrebbe prendere il sopravvento… beh, in un certo senso è successo.
Ho prodotto molti ritratti, alcuni premiati, quindi non troppo scadenti – ma mancava ancora qualcosa.
Le sottigliezze di tono e la fumosità dei vecchi maestri continuavano ad alludere, così ho deciso di andare alla fonte e dirigermi a Firenze, Italia.
È stato qui che ho avuto una svolta, per gentile concessione del Maestro, Micheal John Angel, fondatore dell’Angel Academy of Art, Firenze. Avevo avuto la fortuna di vincere una borsa di studio della Regina Elisabetta Craft per studiare lì e anche la ritrattistica a vista al Sarum Studio, Salisbury con Nick Beer (istruttore senior al Charles Cecil Studio, Firenze)
È stato in questo viaggio che ho imparato l’errore dei miei modi.
La complicata ricetta che mi ero creato era tutta sbagliata, avevo usato troppi colori e lavorato troppo.
Come mai nessuno me lo aveva detto prima? Avevo sprecato così tanto tempo ed energia.
Questa è stata l’ispirazione per creare questa risorsa, per aiutare altri aspiranti artisti a non commettere i miei stessi errori.
Limiti creativi
Il pittore realista americano Chuck Close voleva sfidare se stesso nei suoi primi anni di carriera, così nei primi anni ’60 fece una scelta.
Decise di iniziare una nuova serie epica di dipinti (alcuni erano alti quasi 9 piedi) senza un ingrediente chiave ….. Buttò via i suoi pennelli.
Questo lo costrinse a lavorare entro i confini della creazione di un’immagine dipinta senza usare l’unico strumento apparentemente essenziale del mestiere.
Ma i suoi risultati furono sorprendenti.
“Frank”, Chuck Close, 1969, Acrilico su tela.
Sviluppò una tecnica simile a quella degli stampatori, usando una gamma di 3 colori per costruire i suoi dipinti e usò un aerografo piuttosto che un pennello.
Ha scomposto il processo e affrontato il soggetto con un approccio metodico.
“Se sei sopraffatto dall’insieme, scomponilo in pezzi”
Chuck Close
Tuttavia, questa costrizione autoinflitta non fu l’unico ostacolo che affrontò nella sua carriera di pittore. Durante la metà degli anni ottanta, all’apice del suo successo, soffrì di una malattia che lo lasciò confinato su una sedia a rotelle.
Questo fermò la sua produttività?
No, imparò ad adattarsi. Tornò al pennello, questa volta legato alla mano.
Invece di lavorare su una scala più piccola e gestibile, installò un carrello elevatore per sollevarlo e abbassarlo. Ogni quadro richiedeva da quattro mesi a un anno per essere completato, ogni giorno doveva presentarsi e dipingere.
“Il consiglio che mi piace dare ai giovani artisti, o a chiunque mi ascolti, è di non aspettare l’ispirazione. L’ispirazione è per i dilettanti; il resto di noi si presenta e si mette al lavoro….Ti senti come se avessi bisogno di questa grande idea prima di poterti mettere al lavoro, e ho scoperto che non è quasi mai il caso.”
Chuck Close
I vincoli creativi possono darti la concentrazione nei tuoi dipinti.
Mastering Black & White Portraiture with Oils
Will Kemp, video still dal corso
Ho sviluppato una risorsa per aiutare altri futuri ritrattisti che hanno appena iniziato il loro viaggio.
‘The Essential Guide to Portraits – Mastering Black & White Portraiture with Oils’ è un video corso scaricabile che ti guida attraverso il processo di creazione di un autoritratto realista ad olio, usando una fotografia in bianco e nero come riferimento.
Imparerai a lavorare con sicurezza con una tavolozza limitata, imparerai le tecniche classiche con i colori ad olio e getterai le basi per tutti i futuri ritratti a colori di successo.
Se vuoi capire come creare ritratti potenti devi capire il contrasto e il tono. L’artista preferito di Chuck Close è Vermeer, un altro maestro del Chiaroscuro – il gioco di luce & scuro.
Non è facile, ma seguendo il processo passo dopo passo, si possono ottenere risultati notevoli.
Ho avuto cura di filmare tutto dalla mia prospettiva in modo da assicurarmi che tu possa vedere esattamente quello che sto facendo mentre attraversiamo l’intero processo di ritratto.
Clicca qui per saperne di più su ‘The Essential Guide to Portraits – Mastering Black & White Portraiture with Oils’