Cos’è il fotomontaggio – La definizione e la storia

Uno degli aspetti più importanti della fotografia è la sua immagine fisica. Anche se nell’era digitale di oggi sembra che il processo di stampa abbia valore solo per le belle arti, i fotografi hanno sperimentato la fisicità del mezzo fin dal XIX secolo in molti modi creativi. Uno di questi è il fotomontaggio, rivoluzionario di per sé in quanto ha dato agli artisti l’opportunità di andare oltre l’audace ricerca del mezzo di rappresentare la realtà esattamente com’è. Nei suoi termini, questa tecnica offriva mondi nuovi, o almeno reinterpretati, su una lastra fotografica, opere d’arte che combinavano molte fotografie in una sola per favorire nuove visioni e idee.

Oggi possiamo parlare dell’arte del fotomontaggio sia nella versione stampata che in quella digitale, delle sue molteplici possibilità tecniche all’interno di entrambi questi regni e delle questioni etiche che affronta nell’arte contemporanea, ma prima cerchiamo di rispondere alla domanda: che cos’è esattamente il fotomontaggio?

Definizione del fotomontaggio: Fotografia Creativa

Per definizione, il fotomontaggio è una combinazione di diversi scatti uniti insieme per un effetto artistico o per mostrare più del soggetto che può essere mostrato in una singola opera. Le immagini sono state composte tagliando, incollando, disponendo e sovrapponendo insieme due o più foto o riproduzioni di foto, a volte in combinazione con altro materiale non fotografico come il testo o altre forme astratte. Il processo di creazione di una foto a collage può essere fatto risalire ai primi tentativi di stampa in camera oscura, quando i fotografi sperimentavano la stampa a contatto diretto di oggetti posti su lastre fotografiche, o tecniche come la doppia esposizione e il mascheramento. Naturalmente, l’arte di “montare le foto insieme” non deve necessariamente implicare la creazione di nuove immagini – può impiegare anche solo stampe trovate ed esistenti, a seconda delle intenzioni e degli obiettivi dell’artista. Infine, con l’avvento dei computer, la necessità di avere immagini fisiche è scomparsa del tutto, dato che gli esempi odierni di fotomontaggio vengono assemblati all’interno di software di editing e spesso non finiscono mai in una forma stampata.

Collage fotografico attraverso la storia

Forse il fotomontaggio più famoso è avvenuto durante la metà dell’era vittoriana. Chiamato allora “stampa combinata”, fu creato da Oscar Rejlander, un fotografo pioniere che fu uno degli esperti del settore. La sua foto a collage del 1857 The Two Ways of Life fu seguita da Fading Away del 1858 di un altro artista, Henry Peach Robinson. Entro la fine del secolo, molte altre opere d’arte presero vita, in particolare sotto forma di cartoline dall’aspetto divertente che spesso presentavano la testa sbagliata infilata su un corpo diverso, o la creazione di strane creature impossibili. All’inizio della prima guerra mondiale, il metodo ottenne il suo primo slancio, con i fotografi di tutta Europa che producevano cartoline che mostravano soldati in partenza per la battaglia con i loro cari che li salutavano. Più specificamente, fu il gruppo Dada di Berlino che lo sviluppò come strumento di protesta contro la guerra e altre questioni politiche del periodo, trasformandolo in una vera e propria forma d’arte moderna.

Il fotomontaggio dei dadaisti di Berlino

In uno sforzo collettivo, i dadaisti berlinesi usarono fotografie reali o riproduzioni fotografiche per sottolineare la distruzione e gli orrori della guerra. Usando forbici e colla al posto del tradizionale pennello e chiamandosi “monteurs” (meccanici), i dadaisti si appropriarono delle immagini dei mass media e crearono una critica tagliente e aggressiva degli eventi mondiali. La grande varietà di stili e modi di lavorare li aiutò a raffigurare immagini risveglianti della realtà e a richiamare l’attenzione sulle inquietanti conseguenze del nostro stesso fare, mentre allo stesso tempo questi attaccavano le nozioni e le regole imposte del fare arte tradizionale. L’opera d’arte seminale di questo periodo è il 1919-20 Cut with a Kitchen Knife di Hannah Höch attraverso l’ultima epoca culturale di Weimar Beer-Belly in Germania, che ha raccolto immagini di figure importanti come Albert Einstein e l’artista tedesco Käthe Kollwitz per fare una nuova dichiarazione sulla vita moderna e l’arte del movimento. Le opere di John Heartfield, un attivista anti-nazista, così come quelle di Kurt Schwitters, Raoul Hausmann e Johannes Baader, hanno contribuito alla creazione di un linguaggio visivo che ha ispirato un altro importante movimento del XX secolo.

Un’influenza mondiale

Come strumento creativo piuttosto affermato, il fotomontaggio fu rapidamente adottato dai surrealisti, attratti dall’idea di giocare con la realtà in modo insolito. Tra questi, abbiamo Salvador Dalí e Man Ray come eminenti praticanti del fotomontaggio che si divertivano a riflettere il funzionamento della mente inconscia. Più o meno nello stesso periodo, i costruttivisti russi come El Lissitzky, Alexander Rodchenko e Gustav Klutsis usarono il collage fotografico per i mezzi di propaganda artistica, che continuò nei decenni successivi. Nella assediata Repubblica di Spagna, fiorì anche il linguaggio di questa forma di creatività, come risposta alla guerra civile, attraverso le opere del grafico Josep Renau. In Giappone, il pittore d’avanguardia Harue Koga produsse anche dipinti in stile fotomontaggio basati su immagini prese dalle riviste.

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Dopo la seconda guerra mondiale e l’inizio della guerra fredda, la popolarità dell’arte del fotomontaggio calò, poiché il pubblico si stancò di questo tipo di immagini e si rivolse alle eccitanti meraviglie della televisione. Tuttavia, la sua successiva grande rinascita arrivò con gli anni ’80 e la politica del movimento antinucleare in Europa. Gran parte del montaggio in questo periodo fu progettato per gli striscioni tenuti durante le manifestazioni, il cui scopo era quello di impegnarsi in un mezzo di comunicazione molto grafico e aggressivo – come si vede nelle opere di Peter Kennard, che era scontento della mancanza di immediatezza della pittura e il cui fotomontaggio mostrava la “verità non rivelata” dietro la disuguaglianza economica, la brutalità della polizia e la corsa alle armi nucleari. Oggi, queste opere d’arte contengono tutto, dal testo al suono, grazie all’evoluzione delle tecnologie digitali e allo sviluppo del software, specialmente Adobe Photoshop.

Creativo Photoshop – Fotomontaggio

Tecniche di Fotomontaggio

Le tecniche di fotomontaggio si sono significativamente evolute nell’ultimo decennio con l’integrazione dei computer nel processo di creazione dell’arte e l’introduzione del software di editing delle immagini digitali. I fotomontaggi sono ora creati digitalmente attraverso vari software come Adobe Photoshop, Paint Shop Pro, Corel Photopaint, Pixelmator, Paint.NET o GIMP. Questi programmi hanno reso il processo molto più facile e hanno permesso alle persone di spingere i confini dell’immagine digitale. Ma durante il XIX e XX secolo, la creazione del fotomontaggio era completamente fisica e implicava molta immaginazione e processi e tecniche molto più complicati.

Stampa combinata

La tecnica che aprì la strada fu la stampa combinata di Henry Peach Robinson. Essa implica l’uso di negativi di due o più immagini fotografiche per produrne una sola. Questo complesso metodo emerse dal desiderio di trasformare la fotografia in arte e produrre immagini idealizzate. A causa delle limitazioni della sensibilità alla luce del negativo e della tecnologia della macchina fotografica, fu proposto per la prima volta dal fotografo francese Hippolyte Bayard per produrre un’immagine equilibrata con una corretta esposizione sia del soggetto che dello sfondo. Aprendo un’altra finestra per la creatività, fotografi come Peach Robinson, Oscar Rejlander e William Frederic Lace Price la abbracciarono per produrre fotomontaggi originali. Dato che una foto era considerata come la verità, la stampa combinata ispirò un sacco di polemiche nella comunità fotografica dell’epoca perché travisava il mondo reale. Questo modo di manipolare distrusse completamente “la verità” che circondava il mezzo e cambiò completamente il modo in cui la gente percepiva il photo-making.

Altre tecniche

Con l’evoluzione del photo-making come mezzo, nuovi metodi hanno iniziato ad emergere. Creativi come Romare Bearden usavano la proiezione frontale. Nelle sue proiezioni montate, usava composizioni di carta, pittura e foto che posizionava su tavole che misuravano 8½ × 11 pollici. Le immagini venivano fissate con un’emulsione applicata a mano e successivamente fotografate e ingrandite. Per quanto riguarda Dada, il loro processo implicava forbici e colla. Come loro assalto radicale all’arte, tagliavano e incollavano fisicamente immagini reali e le combinavano in collage originali. Con il progresso delle macchine fotografiche analogiche, la doppia o multipla esposizione divenne molto popolare. I fotografi aprivano l’otturatore della macchina fotografica più volte per esporre la pellicola con immagini diverse. Con ogni immagine successiva sovrapposta alla prima, nascevano immagini fantasma di persone e oggetti che venivano aggiunti alla scena originale.

Famosi artisti del fotomontaggio

Il fotomontaggio come forma d’arte ha attratto molti artisti nel corso della storia dell’arte, dai primi fotografi sperimentali, dadaisti, surrealisti e altri sostenitori dell’avanguardia. Vedendolo come un processo radicale che spesso ha creato controversie, i creativi lo hanno impiegato con varie intenzioni come infondere alla fotografia più creatività, criticare la società e riflettere il cambiamento sociale, mettere in discussione l’idea di cosa sia l’arte o semplicemente decostruire l’idea di una foto. Consentendo una notevole creatività, ma essendo anche politicamente carica, questo mezzo era molto vario nella pratica. Dal momento che molte figure di spicco sono state associate al metodo, diamo un’occhiata ai nomi dei creativi più significativi che lo hanno sostenuto.

Oscar Rejlander

Fotografo d’arte pioniere ed esperto di fotomontaggio, Oscar Rejlander è considerato il padre della fotografia artistica. Dopo aver imparato i processi di collodio a umido e carta cerata, iniziò a lavorare nella ritrattistica, ma creò anche importanti opere d’arte erotica con modelle del circo, bambini di strada e prostitute bambine. Dopo aver sperimentato ampiamente con la stampa combinata, realizzò la sua famigerata stampa The Two Ways of Life composta da trentadue immagini. Mostrando due ragazzi che vengono guidati dal patriarca, la stampa inizialmente causò una certa controversia per la sua parziale nudità. Tuttavia, la stampa finì per essere un successo e poco dopo fu ammesso alla Royal Photographic Society di Londra. Continuò a sperimentare con la doppia esposizione, la manipolazione fotografica e il ritocco per tutta la sua carriera. Le idee e i metodi di Rejlander furono adottati da altri fotografi dell’epoca.

Henry Peach Robinson

Henry Peach Robinson è meglio conosciuto per aver aperto la strada al processo di stampa combinata come primo esempio di fotomontaggio. Le sue foto e i suoi scritti pittorialisti lo resero uno dei fotografi più influenti della seconda metà del XIX secolo. Dopo aver lavorato nella ritrattistica commerciale, iniziò a fare fotografie che imitavano temi e composizioni dei dipinti di genere aneddotico. I suoi primi pezzi conosciuti creati attraverso la stampa combinata furono Giulietta con la bottiglia di veleno, ma la sua foto composita più famosa è Fading Away che mostra una ragazza sul letto di morte circondata dalla sua famiglia. Appartiene alla sua fase preraffaellita in cui cercò di catturare momenti di significato senza tempo in un ambiente “medievale”. Percepì la creazione di foto combinate come impegnativa come la pittura per l’artista.

Hannah Höch

Una delle rare donne associate a Dada, Hannah Höch promosse continuamente l’idea di donne che lavorano in modo creativo nella società. Nei suoi fotomontaggi, usava elementi visivi di altre persone per trasformarli e integrarli nei suoi pezzi più grandi, dove queste immagini inizialmente non correlate formavano narrazioni penetranti. Questa è una strategia che molti dadaisti e surrealisti hanno adottato. Poiché criticava attivamente la società, le sue opere pionieristiche di fotomontaggio spesso riflettevano questioni di genere e il ruolo della donna nella società moderna. Promosse attivamente l’idea della “Nuova Donna” dell’epoca. Oltre ai fotomontaggi, ha spesso incorporato dei readymade, mettendo sempre in discussione la nozione e l’idea stessa di arte. È anche famosa per le Bambole Dada che erano molto diverse da qualsiasi altro pezzo associato a questo movimento.

John Heartfield

Pioniere dell’uso dell’arte come arma politica, John Heartfield incorporò spesso dichiarazioni anti-naziste e antifasciste. Dopo essere stato introdotto al Dada, ha iniziato a creare arte in tecnica mista con la cacofonia di elementi visivi che trasmettevano un chiaro messaggio al suo pubblico. Ha sviluppato un metodo unico in cui si è appropriato e ha riutilizzato le immagini per creare pezzi con un potente effetto politico. Riflettendo il caos e l’incertezza che la Germania ha vissuto durante gli anni ’20 e ’30, i suoi pezzi hanno trasformato questa forma d’arte in una potente forma di comunicazione di massa. Sceglieva scatti di politici dalla stampa e li smontava e riorganizzava per comporre un significato radicalmente cambiato. La sua opera più famosa War and Corpses: The Last Hope of the Rich del 1932 rifletteva il pericoloso impulso della Germania verso la guerra.

Kurt Schwitters

Ha lavorato all’interno di diversi generi come il Costruttivismo, Bauhaus, De Stijl e Surrealismo e vari media come poesia, suono, pittura, scultura, tipografia e design grafico, Kurt Schwitters è più famoso per i suoi collage chiamati Merz Pictures. Ha specificamente chiamato questi collage Merz per distinguere queste immagini dal cubismo, dall’espressionismo e anche dal dadaismo. Nel corso degli anni, ha esteso questo nome a tutte le sue attività, compresa la poesia, le installazioni e la performance. I suoi pezzi Merz erano composti da materiali di scarto come etichette, biglietti dell’autobus e pezzi di legno rotto. Dopo il 1923, iniziò a fare grandi costruzioni Merz nella sua casa di Hannover, il cosiddetto primo Merzbau. Le sue opere furono bandite come “arte degenerata” dal regime nazista nel 1937. Dopo essere fuggito in Norvegia, costruì il suo secondo Merzbau.

Man Ray

Un importante collaboratore del dadaismo e del surrealismo, Man Ray creò fotografie che operavano nel divario tra arte e vita. Andre Breton lo descrisse come un “pre-surrealista” poiché la sua arte influenzò largamente Marcel Duchamp e fu molto importante nel rendere popolare il Surrealismo. Ha dato contributi significativi all’avanguardia, alla moda e alla fotografia di ritratto, ma è anche molto famoso per i suoi fotomontaggi. Queste stampe giocano con la femminilità e la forma e sperimentano varie tecniche come le esposizioni multiple. I suoi pezzi più famosi di questo tipo sono quelli con Alice Prin e Dora Maar. Con Lee Miller, ha reinventato la ‘solarizzazione’, un processo fotografico che registra le immagini sul negativo invertendo il buio con la luce e viceversa. Ha anche sostenuto le tecniche ‘shadowgraph’, un processo di creazione di immagini senza fotocamera usando carta sensibile alla luce.

El Lissitzky

Utilizzando l’arte per un cambiamento sociale e politico, El Lissitzky era un pittore, designer e tipografo russo. Durante la fine degli anni ’20 e l’inizio degli anni ’30, Lissitzky sperimentò con gli ultimi media come la tipografia, la fotografia e il fotomontaggio. Questo è considerato il suo periodo più progressista. Per lui, la fotografia era il modo più efficace per esprimere il rimodellamento dinamico del suo paese. Sperimentò ampiamente con i fotogrammi e il collage fotografico e creò montaggi sotto forma di foto multistrato. Utilizzando esposizioni multiple nella stampa, sfruttò l’effetto della trasparenza e della giustapposizione per ottenere composizioni dinamiche. Il fotomontaggio dell’annuncio di nascita di suo figlio presentava l’immagine sovrapposta del neonato Jen sopra una ciminiera di una fabbrica, collegando il futuro di suo figlio al progresso industriale del paese. La sua arte influenzò notevolmente i talenti di De Stijl e gli istruttori del Bauhaus.

Alexander Rodchenko

Come uno dei più importanti artisti d’avanguardia che ha messo la sua arte al servizio della rivoluzione politica, Alexander Rodchenko fu un influente fondatore del movimento costruttivista. Inizialmente impegnato nella pittura, nel 1921, iniziò a concentrarsi su oggetti di design tridimensionale, schizzi architettonici e fotografia. Attraverso le foto, ebbe il maggior successo. Era famoso per le sue composizioni d’avanguardia e l’approccio sperimentale alla messa a fuoco e al contrasto. Impressionato dai dadaisti tedeschi, Rodchenko iniziò a sperimentare con il medium. All’inizio usò immagini trovate, ma più tardi iniziò a scattare le sue stesse immagini. Il suo fotomontaggio fu pubblicato per la prima volta come illustrazione per la poesia di Mayakovsky About This nel 1923. Il suo lavoro nella creazione di fotografie ha contribuito significativamente alla fotografia europea degli anni ’20.

John Stezaker

L’artista concettuale britannico John Stezaker crea collage irriverenti usando ritratti glamour degli anni ’50 con uomini eleganti e star di Hollywood. Combina queste immagini come readymade con altre facce o anche paesaggi per creare l’effetto dell’inquietante e dell’assurdo. Riesamina varie relazioni con l’immagine fotografica, come la documentazione della verità, il portatore di memoria o il simbolo della cultura moderna. Attraverso eleganti e intelligenti giustapposizioni forma i suoi significati struggenti. Evoca idee radicali da immagini che altrimenti alletterebbero lo spettatore comune. Evita il termine fotomontaggio in favore del collage. Come ha dichiarato lui stesso, “tagliare una fotografia può sembrare come tagliare la carne”. Nel 2012 ha ricevuto il premio fotografico Deutsche Börse, e le recensioni contrastanti della critica a riguardo dimostrano che il fotomontaggio è ancora percepito come controverso.

Josep Renau

Il lavoro del pittore, cartellonista e muralista spagnolo Josep Renau fu sempre politico. Si iscrisse al partito comunista nel 1931 e a metà degli anni ’30 creò manifesti che sostenevano la Repubblica spagnola contro l’esercito di Franco. Dopo il suo esilio in Messico in seguito alla fine della guerra civile spagnola, fu pesantemente influenzato dall’immaginario della cultura popolare statunitense. Si appropriò delle immagini della pubblicità e delle riviste popolari statunitensi e le giustappose in montaggi che trattavano di razzismo, sessismo, potere dei media e consumismo. Con queste opere attaccava direttamente la cultura americana in modo arguto e intelligente. Questa serie di collage fu esposta per la prima volta negli Stati Uniti alla fine degli anni ’80. Viene raramente menzionato con i primi proponenti radicali del fotomontaggio, ma ha giocato un ruolo significativo nello sviluppo di questa forma.

Suggerimento degli editori: Hannah Höch: Life Portrait: A Collaged Autobiography

Hannah Höch: Life Portrait divide la monumentale composizione in 38 sezioni individuali, come Höch l’ha immaginata, e offre testi esplicativi e citazioni rilevanti per completare ogni sezione. Una delle poche pubblicazioni in lingua inglese sull’artista, questo volume esplora l’ultimo capolavoro di Höch e il lavoro di una vita che rappresenta. L’ultimo e più grande collage fotografico di Höch, “Life Portrait”, è stato creato tra il 1972 e il 1973. Anche se originariamente non aveva intenzione di fare un lavoro autobiografico, il collage funziona come una sorta di autoritratto per l’artista, guardando indietro alla sua vita e al suo lavoro, mentre commenta ironicamente e poeticamente i principali eventi politici, sociali e artistici dei 50 anni precedenti.

Famosi esempi di fotomontaggio e l’etica che c’è dietro

Se può esistere un dipinto astratto, perché non dovrebbe esistere una foto astratta? A volte, naturalmente, è abbastanza ovvio che c’è una sorta di montaggio nel gioco. A volte, però, non è così visivamente chiaro ed è qui che inizia il problema. Può un artista alterare la realtà? È davvero arte allora? È etico fare una cosa del genere? È un uso improprio dell’arte? Quando un artista gioca con il senso comune dello spettatore, presentando le fotografie che mostrano chiaramente qualcosa di impossibile come le immagini di Scott Mutter di persone che camminano accanto all’aereo durante il suo volo sopra le nuvole, non c’è dubbio che il valore dell’arte è alto. Come Mutter ha descritto una volta, ‘ le immagini sono un tentativo di rappresentare qualcosa che è una realtà. Non una realtà fisica, ma una rappresentazione attraverso la metafora’.

Immagini fisicamente alterate

Se si prende, per esempio, uno scrittore e artista associato a Dada a Berlino, Johannes Baader, con il suo collage sulla pagina di un libro con iscrizione a inchiostro del 1920, come una delle opere d’arte di fotomontaggio più famose del movimento, si vedrà chiaramente il cambiamento fisico che l’artista fece con una foto, al fine di formare foto-immagini idealizzate. Avendo in mente che i dadaisti effettivamente usavano forbici e colla per tagliare e incollare fotografie, così come integravano testi scritti sopra i collage stampati, non c’era dubbio che le fotografie originali venivano manipolate e alterate. Ma, quando si tratta di tecniche digitali, sono molto più sofisticate, e inoltre – molto più difficili da catturare.

Cultura taglia-e-incolla

Oggi, “la cultura in cui viviamo è diventata una sorta di cultura taglia-e-incolla”, come l’ha descritta Daniel Herrmann, un curatore della Whitechapel Gallery di Londra. È vero, siamo sopraffatti dalla quantità di informazioni che riceviamo e condividiamo ogni minuto di ogni giorno. Il collage è diventato un rappresentante di questo stato di produzione culturale. Offre un’alternativa a un mondo di immagini sempre mutevoli e fluide e ricorda alle persone la tattilità, la consistenza e la realtà del mondo in cui viviamo”, ha sottolineato Daniel Herrmann. D’altra parte, Laura Hoptman, una curatrice del dipartimento di pittura e scultura al Museum of Modern Art di New York, dice che il collage può anche essere caratterizzato come un modo di ‘sperimentare le informazioni simultaneamente’. C’è una ‘nuvola orizzontale di informazioni’, come la chiama Laura Hoptman, riferendosi ai dati misti con cui tutti noi operiamo nella nostra vita.

Un maestro di cocktail, ma non un barista

Un artista contemporaneo spagnolo Antonio Mora, con un background nell’industria del design lavorando come art director, vede la propria arte come soluzioni verticali. Si definisce un maestro di cocktail, ma non va confuso con un barista. Sta facendo dei cocktail con le immagini, usando immagini trovate nei blog, nelle riviste online e ovunque nella sfera digitale, e poi fondendole insieme. I suoi esseri ibridi sono diventati un esempio epico di un modo originale di usare un fotomontaggio e la manipolazione delle foto per fare pura arte dalla miscela.

Imagery con l’effetto ‘Wow’

Un altro vero maestro della manipolazione delle foto è Thomas Barbey, un artista svizzero con sede negli Stati Uniti. Molto prima che ci fosse Photoshop, scattava foto da ogni angolo della Terra che aveva visitato. Oggi, non usa ancora gli editor di foto digitali per montare le fotografie. Sta “facendo la sua magia” nella camera oscura. E cosa fa? Crea fotomontaggi così surreali che i creativi più esperti di tecnologia invidierebbero le sue capacità. Alcune delle famose immagini di questo artista includono lo sci su un tavolo, una coppia sott’acqua, un pianoforte zebrato, un canale di Venezia all’interno di una chiesa, e molto, molto altro. Sta lavorando solo in bianco e nero, e sta creando manipolazioni fotografiche uniche solo con lo scopo di fare belle arti. Il suo lavoro è stato esposto in molti musei in tutto il mondo, e i collezionisti d’arte sono letterari che lottano per le sue opere d’arte che vogliono possedere. Attualmente, i suoi fotomontaggi sono nelle collezioni private di più di 20 collezionisti d’arte là fuori. Thomas Barbey intriga gli amanti dell’arte perché non fa un collage ordinario. In realtà mescola diversi negativi, alcuni più vecchi di decenni rispetto ad altri. L’obiettivo finale è quello di fare un quadro che stupisca onestamente lo spettatore. Come ha dichiarato l’artista stesso, se guarda la sua immagine e la prima reazione è ‘E allora?’, la distrugge e la rifà da capo in modo diverso fino ad ottenere l’effetto ‘wow’. E, davvero, i suoi fotomontaggi stupiscono davvero la gente.

Beyond Imagination

Un altro individuo che ha dedicato la sua carriera a specifici fotomontaggi ed è diventato rispettato in tutto il mondo per questo lavoro è Laurence Demaison. Lavora principalmente con la fotografia analogica, esplorando le sue possibilità tecniche. Sperimentando con le lunghe esposizioni, il flash e il negativo, Demaison mette in discussione i limiti del mezzo creando scatti intriganti che ci mostrano come una macchina fotografica può ingannare l’occhio umano. Da oltre 22 anni crea autoritratti, ma questi scatti non riguardano lei, come spiega. Le fotografie che realizza, Demaison le chiama “fantasmi di carta”. C’è una buona ragione per questo, poiché il soggetto scompare e rivela tutto un altro mondo oltre l’immaginazione dello spettatore.

Manipolazione della realtà

Quando parliamo di fotomontaggio, non possiamo trascurare alcune parti importanti delle discipline della fotografia. Queste sono la fotografia documentaria e il fotogiornalismo. Ci si può chiedere cosa abbia a che fare con il fotomontaggio, e con le belle arti, quando il loro scopo è catturare la realtà così com’è e ritrarre il mondo che ci circonda in tutta la sua crudezza, senza il desiderio di essere percepiti come arte. Ma ci sono alcune preoccupazioni morali riguardo all’uso specifico della fotografia. Si tratta di un modo un po’ diverso di alterare le fotografie, dove il fotomontaggio avviene ancora prima che la foto venga scattata. Non c’è niente di male se un fotografo paga le sue modelle perché posino per lui, giusto? Giusto, se si tratta di un servizio fotografico per una campagna di moda. Questo potrebbe essere un problema, però, se si tratta del lavoro di creazione di immagini documentarie. Invece di ritrarre la realtà così com’è, pagare le modelle potrebbe creare il mondo che l’artista vuole farci vedere. Lo stesso vale per cambiare la scena per farla apparire come il fotografo vuole che appaia. Perché un fotografo documentarista dovrebbe voler alterare la scena? In primo luogo, per provocare le emozioni degli spettatori. Maggiore è l’impatto visivo, maggiore è il valore della foto. Quindi, alcuni fotografi documentaristi e fotogiornalisti manipolano la realtà in questo modo, il che è molto discutibile in una serie di professioni. Si tratta certamente di un tipo specifico di fotomontaggio, che lo vogliano ammettere o no. E quando si tratta di etica, la questione è fortemente discutibile – È arte, allora, o è una bugia?

Suggerimento degli editori: Photomontage Between the Wars 1918-1939

Questa pubblicazione interamente in lingua inglese offre un’affascinante panoramica sulla nascita del processo di fotomontaggio in particolare in Germania e in Unione Sovietica negli anni ’20. La vasta gamma di manifesti, collage, maquette, cartoline, riviste e libri presentati in questo catalogo attesta l’enorme influenza del fotomontaggio nella politica, nella protesta sociale e nella pubblicità, dimostrando anche la popolarità della tecnica tra i membri dell’avanguardia durante questi due decenni. I saggi in questa pubblicazione ricca di immagini esaminano i testi contemporanei che la pratica del fotomontaggio ha ispirato ed esplorano quelle qualità del fotomontaggio che hanno portato a quella che è stata probabilmente la più importante mostra dedicata a questa tecnica artistica al Kunstgewerbemuseum di Berlino nel 1931.

Scritto da Angie Kordic, Elena Martinique e Nadia Herzog: David Hockney – Pearblossom Highway, 1986; il ritratto di Tony Blair di Peter Kennard; Josep Renau – Hoy más que nunca VICTORIA, 1938; opere di John Stezaker; Alexander Rodchenko – Young Gliders, 1933; El Lissintzky – Operaio edile in L’URSS in Costruzione n. 2, 1933; Kurt Schwitters – La proposta, 1942. Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo.