FILM
Utilizzando l’ambiente oscuro e inquietante degli anni ’70 come sfondo, Scorsese ha creato uno dei migliori casi studio del cinema
*Questa recensione contiene spoiler.*
Martin Scorsese si stava già facendo un nome nei primi anni ’70. I suoi film Mean Streets e Alice Doesn’t Live Here Anymore hanno raccolto abbastanza attenzione da essere ricercato da produttori e sceneggiatori di Hollywood nella speranza di collaborare con lui in un film. Anche se questi film erano successi relativi, impallidirono in confronto al mare di lodi che sarebbe diventato il suo cammino per il suo prossimo film.
La storia inizia con Paul Schrader, l’uomo che ha scritto la sceneggiatura e ha riempito il mondo. Ha basato la storia sulle sue esperienze di vita in solitudine nel centro di New York. Ha descritto questo periodo della sua vita come molto depressivo e pieno di cattive idee. È importante sottolineare che questo era anche un periodo buio della storia americana. Scandali come la guerra del Vietnam, il Watergate, l’ascesa del petrolio e l’aumento del crimine urbano portarono ad uno zeitgeist cupo per il popolo americano, con molti incerti su come si sarebbe svolto il futuro. Questa immagine fu vividamente catturata in vari film dell’epoca, con molti che mascheravano le loro storie per evitare la censura.
Operando in queste condizioni, Schrager procedette a vendere la sceneggiatura e trovò il collaboratore perfetto in Scorsese. I due andarono subito d’accordo e cominciarono a fare i preparativi per il film. L’attore Robert De Niro aveva già lavorato con Scorsese in Mean Streets e recentemente ha ricevuto l’Oscar come miglior attore non protagonista per Il padrino parte II ed è stato subito ingaggiato per il ruolo. Con la collaborazione di base tra i tre, è iniziata la tempesta perfetta della creatività.
Il film inizia con una colonna sonora inquietante, composta dal grande Bernard Herrmann. La musica è accompagnata da immagini delle strade e dei taxi di New York. La musica passa ad un approccio più jazzistico quando viene rivelato un primo piano degli occhi di un uomo. Questa è la nostra prima indicazione che il film sarà uno studio su un solo personaggio, e cattura brillantemente il tono scuro e lo stato d’animo che predominerà nella storia.
La nostra prima introduzione completa del protagonista Travis Bickle è sul piccolo e sporco ufficio di un magazzino di taxi. Quando Travis entra nella stanza, c’è un fumo proiettato dalle fogne che appare sul suo corpo. Scorsese ha usato questo effetto per simboleggiare lo stato mentale di Travis: è un uomo che viene dalle profondità dell’inferno, e questo è ulteriormente dimostrato dalla sua osservazione di aver servito in Vietnam. Dopo un inizio difficile con l’uomo incaricato di assumerlo, Scorsese passa a un primo piano di Travis per dimostrare ulteriormente l’idea di una bomba a orologeria.
Il film presta poca o nessuna attenzione a qualsiasi altro personaggio oltre a Travis. Tutto ruota intorno a lui e alla sua solitudine. Le persone che lo circondano non sono ben caratterizzate e sembrano quasi un rumore di fondo. Scorsese raggiunge questa direzione mettendo sempre Travis nell’angolo di ogni inquadratura in cui si trova. Alla cena con i suoi compagni di taxi, parla raramente e si presenta sempre più tardi della maggior parte degli altri a causa delle ore di lavoro più lunghe. Spiega come lavora più di 70 ore a settimana e ancora non riesce a dormire, esaurendo quasi tutte le strade per sfuggire al tormento. Nonostante affermi di disprezzare i delinquenti della città, i drogati, gli spacciatori, i papponi e le prostitute, è in costante presenza di loro. Il film non spiega mai direttamente le azioni di Travis, affidandosi piuttosto al pubblico per formare le proprie teorie.
Con il progredire del film, la condizione mentale di Travis comincia lentamente a deteriorarsi rapidamente. Tenta di riformarsi uscendo con una donna di nome Betsy, che lavora nella campagna per eleggere Charles Palantine presidente. I loro scambi iniziali sono amichevoli, ma le cose si inaspriscono quando Travis la porta a vedere un film porno. Il film è ambivalente sulle azioni di Travis. Non siamo sicuri se l’abbia fatto per cattiveria o per un orribile QI sociale. Questo disastro aggrava ulteriormente la sua spirale discendente.
Travis inizia a mettersi in forma e a cercare attivamente guai. Esprime al suo collega Wizard che ha delle pessime idee in testa come un grido d’aiuto, ma dalla conversazione non esce nulla di fruttuoso. Ad un punto di rottura, comincia ad acquistare pistole e a creare fondine sofisticate dai cassetti della scrivania. È qui che la storia inizia a concentrarsi intensamente sulle azioni logoranti di Travis, evidenziando la sparatoria di un rapinatore armato. Nonostante l’azione avvenga in difesa di un commesso di un negozio, lo lascia in uno stato di turbamento, come mostrato in uno dei momenti più memorabili del film in cui fissa con aria assente lo schermo del suo televisore mentre “Late For the Sky” di Jackson Browne suona in sottofondo.
L’inferno inizia a scatenarsi nel climax del film. Travis, dopo aver passato molto tempo ad osservare gli affari di una prostituta bambina di nome Iris, decide di agire nella speranza di allontanarla da quella vita. Incontra un paio di posti di blocco lungo la strada, tra cui Sport, il suo protettore, e dopo un po’ decide di intraprendere un’azione estrema. In uno dei finali più incredibili della storia del cinema, Travis va su tutte le furie nel tentativo di salvare Iris. Perfettamente girato e coreografato, il momento serve da catalizzatore per Travis come personaggio, dandogli il desiderio di essere visto e ammirato.
Tuttavia, il film non finisce qui. Travis sopravvive allo scontro a fuoco e torna rapidamente al suo lavoro di tassista. Incontra di nuovo Betsy, questa volta in termini più amichevoli. Il finale del film è ambivalente, con Travis che fissa in modo allarmante un oggetto sconosciuto nel suo specchietto retrovisore. Sia Schrader che Scorsese dicono enfaticamente che è inteso a rappresentare il costante stato di paranoia e risentimento di Travis, indicando che non sta ancora bene.
Parte di ciò che rende Taxi Driver un film così attraente è la mancanza di una chiara direzione o intenzione. Il film è completamente trasportato dallo stato d’animo che rappresenta quasi fino all’eccesso, ma funziona perfettamente per illustrare lo stato d’animo ambivalente dell’epoca. New York era sull’orlo della bancarotta, e le strade erano piene di alti tassi di criminalità e condizioni di vita misere. Rifletteva l’intero stato del paese, che ancora covava risentimento per il passato. Scorsese incanalò tutta la rabbia e la furia nella storia condensata di un uomo vicino al punto di rottura a causa di ciò che lo circondava, catturando la disperazione di una tale situazione quasi alla perfezione.
Il film fu selezionato in concorso al Festival di Cannes del 1976 e fu premiato con la Palma d’oro. Fu accolto con ulteriori lodi in America, ricevendo il plauso universale, e stabilendo Scorsese come uno dei migliori registi del suo tempo. Quasi 45 anni dopo la sua uscita iniziale, Taxi Driver rimane una pietra miliare del cinema. Rappresenta lo stato d’animo di un’epoca e lo giustappone a temi universali. Non è così complicato come film come Memento, ma certamente ricco di un approccio “show don’t tell” dove lo spettatore è lasciato ad organizzare il puzzle. Questo status non sarebbe stato possibile senza la superba regia di Martin Scorsese, che ha realizzato un film senza eguali in termini di rappresentazione della lenta discesa nella follia.
