A moda feminina no início do século XX era em grande parte uma questão de estatuto. A silhueta elegante era definida pelo espartilho estreito sem centro, que espremia a barriga e dava ao corpo uma linha em forma de S; pelo comprimento longo e varrido da saia; e pelos colarinhos altos e rígidos. Os desenhos têxteis tomaram a dianteira da ornamentação de plantas art nouveau. Couturiers parisienses, como Jean-Philippe e Gaston Worth (filhos do primeiro célebre grande costureiro Charles Frederick Worth), as irmãs Callot, Jacques Doucet e Jeanne Paquin, estavam na vanguarda em tais vestidos de sociedade.
Este estilo era diametralmente oposto pelo “vestido de saúde”, propagado por defensores dos direitos da mulher, mulheres artísticas e médicos. Este desenho pendia solto sem espartilho. Seu corte em saco foi rejeitado pela maioria das mulheres conscientes do estilo, apesar dos desenhos de artistas art-nouveau como Henry van de Velde.
O terno começou a se estabelecer como um traje multifacetado, tornando-se um símbolo, eventualmente, de moda democrática. A mulher de negócios usou-o na sua carreira e a senhora da sociedade como roupa de viagem e de lazer. O casaco tinha um corte masculino com lapelas e punhos; o casaco do vestido era ocasionalmente encurtado acima do tornozelo. Os fatos eram oferecidos por fabricantes, assim como alfaiates chiques como John Redfern e Henry Creed. Com o advento do fato, a blusa tornou-se o elemento central do estilo, apresentando tanto modelos simples como luxuosamente decorados. As confortáveis blusas de quimono, com mangas recortadas, podiam ser usadas sobre saias. Casacos de cima, ou paletots, tirados da moda masculina, e casacos ou espanadores, satisfaziam o desejo de roupas funcionais. Por volta de 1908, o costureiro parisiense Paul Poiret criou um novo estilo chamado la vague. Inspirado nos Ballets Russes, ele combinava o “vestido de saúde”, que aliviava o corpo, com elementos do vestuário asiático. Paul Poiret tinha ligações com as mundialmente famosas Oficinas de Viena, que operavam o seu próprio departamento de moda.
Originário da Inglaterra, o estilo eduardiano (nomeado em homenagem ao Rei Eduardo VII) era o líder na moda masculina internacional. A moda masculina era regulada por regras exatas, que eram publicadas por alfaiates proeminentes, sobre quando e em que circunstâncias cada terno deveria ser usado.
O terno de negócios incluía o casaco esportivo (sack coat) e o terno mais elegante. As suites diurnas incorporavam o casaco de vestido (Príncipe Alberto). O corte foi considerado adequado para ocasiões mais privadas e de prestígio. O casaco de fumar cumpriu o papel de roupa de noite confortável e casual. Existiam também conjuntos desportivos especializados. Era importante escolher sempre o chapéu certo: feltro macio, bowler, homburg, canotier, panamá ou cartola. Havia também muitos casacos diferentes para escolher, como paletots, chesterfields, raglans, e ulsters.
Moda 1910-1919
Moda internacional até 1914 foi fortemente influenciada pelo mensageiro francês avant-garde Paul Poiret. Ele ajudou a iniciar o estilo Art Deco e inspirou outros estilistas como Erté e Mariano Fortuny, cujos delphos vestidos da melhor seda plissada também eram mundialmente famosos. Em 1910 Poiret divulgou a saia de mancar, que, apesar do seu corte desconfortável, estava bastante na moda por um curto período de tempo. Caiu solta, directamente para a parte superior da barriga da perna, mas era estreita, desde abaixo do joelho até à bainha do tornozelo, com um jugo tão estreito que uma senhora só podia coxear. Poiret também propôs um longo vestido de calças, mas poucas mulheres se atreveram a ser vistas nas ruas nos novos jupes culottes. Para a roupa de noite, Poiret até sugeriu calças largas de harém usadas sob uma túnica comprida com uma bainha de arame virada para cima.
De 1912 até o início da Primeira Guerra Mundial, a roupa de noite foi marcada pela nova loucura da dança social, o tango argentino. As criações de Poiret pareciam feitas sob medida para a nova dança popular: saias com aberturas altas na frente, túnicas bordadas de ouro e turbantes com penas verticais. Os homens usavam o cutaway e o casaco de vestido da moda, às vezes em cores fortes como o vermelho escuro, ou com acabamento quadriculado. Os chapéus que os acompanhavam eram grandes.
Durante a Primeira Guerra Mundial (1914-1918), as roupas tendiam a ser o mais simples possível: saias moderadamente largas, não alcançando o pé, e jaquetas de comprimento de quadril. Em 1915-1916, as crinolinas de guerra – com o comprimento de um tanque e fofas com duas ou três camadas de saia – estavam em voga; um ano depois, porém, estas caíram vítimas do uso mais econômico do tecido fornecido pelo corte do saco. A moda em 1918 foi animada por grandes bolsos laterais e saias que se estreitavam em direcção à bainha, criando o aspecto de barril de 1919. A maioria dos salões de moda em Paris tinha fechado. Mas algumas mulheres ricas compraram fatos confortáveis em jersey, com saltos altos e saias simples de Gabrielle Chanel em Deauville, estabelecendo assim a sua fama. Nos Estados Unidos, especialmente em Nova York, os fabricantes de roupas estavam ativos.
A novidade mais importante do vestuário feminino do século XX ocorreu fora do mundo da moda. Calças compridas para mulheres foram inauguradas, nem pela alta costura nem pela moda do dia-a-dia, mas pela roupa de trabalho feminina, que ainda era na sua maioria emprestada aos homens. Diretamente após a guerra, as pessoas trabalhavam com o que estava disponível, alterando uniformes e lonas do exército ou outras sobras, para criar roupas civis.
Durante a guerra, o uniforme substituiu todos os outros tipos de terno, e a maioria dos alfaiate – se eles permanecessem no negócio em tudo – se especializou na sua fabricação. Após a guerra, os alfaiate recorreram a alterações de uniformes e à transformação de materiais reciclados – por vezes frágeis – em fatos que tiveram de ser reforçados com buckram, criando assim o chamado fato fato fato de amassar. As calças dos homens tinham pernas muito estreitas até à bainha. A gabardina apareceu, cortesia da transição de militar para civil.
Os anos 20
Durante os anos 20, o comprimento da bainha de uma saia tornou-se, pela primeira vez, uma séria questão de moda. Enquanto as roupas de 1920-1921 ainda eram de comprimento de bezerro, e (por volta de 1923) até o comprimento do tornozelo por pouco tempo, depois de 1924 as mulheres preferiam saias que mal cobriam o joelho. Em 1922-1923, a moda foi influenciada pela descoberta do túmulo do faraó egípcio Tutankhamen. Qualquer pessoa que pudesse pagar, comprou uma djellaba para um vestido de casa ou teve seus vestidos de noite decorados com ornamentos egípcios. Caso contrário, vestidos soltos eram característicos para a época. A maioria tinha cintura baixa e às vezes uma bainha plissada ou dobras de godet que proporcionavam liberdade de movimento. As roupas diurnas tinham fechos altos, vestidas com bonecas ou golas masculinas.
Roupas noturnas e elaboradas casas de banho da sociedade correspondiam em corte a roupas diurnas. A roupa da noite, no entanto, apresentava um decote generoso à frente e atrás, o decote da frente com um decote de cor de carne. Não era moderno mostrar o peito, e os seios eram prensados com faixas de tecido. O corte simples do vestido de noite foi compensado por tecidos caros de renda, lamelas douradas ou prateadas, colares de pérolas suspensas soltas, o uso de franjas de pele de macaco e bordados extensos. Em 1927, a tendência para o alongamento da bainha do vestido de noite foi introduzida e a cintura voltou ao seu lugar natural. Em 1928, o vestido de noite já tinha o comprimento de um bezerro, enquanto o vestido de dia permaneceu no comprimento do joelho até cerca de 1930.
Em alta costura, Gabrielle Chanel fez sua reputação com vestidos, ternos de jersey, e saltadores de malha. Em 1926 ela anunciou o “pequeno vestido preto”, um vestido de noite preto impressionante pela sua simples elegância. Como Chanel, Jean Patou preferiu linhas claras e elegância extremamente simples, começando com sua própria coleção para os Estados Unidos. Jeanne Lanvin, em contraste, apresentou uma linha decididamente feminina e romântica. As suas vestes de estilo (baseadas em estilos históricos), com os seus amplos panis, tornaram-se mundialmente famosas. Lanvin também era conhecida por suas criações mãe-filho.
Saia curta trouxe as pernas, e assim meias de rayon, para a foto. Os bobs e os cortes de cabelo de rapaz-página eram tão típicos da época como os simples toques e chapéus de cloche. O esporte tornou-se uma tendência da moda: tênis em uma saia curta sem meias, esqui em um terno norueguês com calcinha comprida, natação em um terno de banho de uma peça sem reforços de osso de baleia. O espectro da moda metropolitana dos anos 20 incluía o garçonne (rapaz feminino) num fato de calças com chapéu de homem e até uma cultura Eton. À noite, o estilo gamin apresentava um smoking (casaco de smoking), ou fato completo para fumar, e um monóculo. E a garçonne também se apropriou do pijama masculino para uso doméstico e noturno.
A Exposition International des Arts Décoratifs et Industrials Moderne, realizada em Paris em 1925, foi um evento de época que mais tarde deu o nome Art Deco ao período. Entre os setenta e dois estilistas, Sonia Delauney criou a maior sensação com seus ternos e casacos em padrões de “contraste de cores simultâneas”
Depois de 1924, os ternos masculinos tinham uma cintura ligeiramente afunilada, e as calças se alargaram ligeiramente. Os dandys eram reconhecíveis pelas suas calças extremamente largas, conhecidas como “bolsas Oxford”, e pelos seus sapatos exageradamente pontiagudos ou calçados de cintilar. Para golfe, caminhadas, ou caça, os homens usavam casacos de Norfolk e mais quatro.
Os anos 30
No início dos anos 30, a roupa era cortada para ser novamente ajustada à forma, com a cintura no seu lugar natural. Os corpetes, com reforços de borracha e elásticos, abraçavam as curvas do corpo. Ombros e lapelas largas, colarinhos de fora do ombro com saliências, assim como cintos apertados, todos com o objectivo de fazer a cintura parecer mais fina. A bainha foi alongada com dobras e pregas godet desde o joelho até à barriga da perna, proporcionando liberdade de movimento. Os vestidos de noite eram preferencialmente de cetim cintilante, e chegavam ao chão, muitas vezes com um pequeno comboio “sereia”. Estava em voga ter um decote de costas mergulhadas, com largas tiras cruzadas, e uma cascata ou colarinho de coração doce. O sucesso da nova linha corpo-consciente pode ser atribuído à designer parisiense Madeleine Vionnet e à sua “invenção” do corte oblíquo, em que o material, cortado em diagonal à trama, se agarrava ao corpo e se estende em direcção à bainha como um sino.
Elsa Schiaparelli não era para ser ultrapassado na frente da ideia. Em suas coleções, ela trabalhou com efeitos de trompe l’oeil, bem como alusões a artistas surrealistas. Os largos ombros de Schiaparelli, inventados em 1933, tiveram uma grande influência na moda cotidiana. Fatos, jaquetas e vestidos depois de 1933 eram impensáveis sem ombros acolchoados.
Nos países fascistas (Itália, Espanha e Alemanha), a moda feminina tornou-se uma questão de agitação política, como exemplificado pela introdução do uniforme do Clube Alemão das Meninas (BDM, Bund Deutscher Mädchen). Os trajes alpinos também se adequavam aos gostos da Alemanha nacional-socialista. Os mundialmente famosos fabricantes de Berlim, que tinham estado mais de 80% nas mãos dos judeus, ficaram, na sua maioria, arruinados (ou seja, liquidados) devido à “limpeza ariana”
O ano de 1936 foi um dos mais inovadores na moda masculina. O terno de duplo peito, com quatro botões ao invés de seis, criou um furor, assim como camisas estampadas usadas com ternos de flanela cinza. As camisas também apresentavam os novos colarinhos de kent e cravattes um pouco mais largos, amarrados em nós de windsor. Na roupa de dia, o fato de gabardine de três botões e as camisas oxford com golas de botão eram comuns.
Os anos 40
Durante a Segunda Guerra Mundial (1939-1945) e nos primeiros anos seguintes, a moda foi ditada pela necessidade de roupas práticas e simples e pelo racionamento de recursos e materiais. Na Inglaterra, o governo encorajou o “vestuário utilitário”. Em Paris, durante a ocupação alemã, apenas muito poucas casas de alta costura permaneceram abertas. Em todos os países, revistas e folhetos especiais davam conselhos sobre como remodelar roupas velhas ou como fazer roupas novas combinando peças de roupas velhas. As saias e casacos tornaram-se mais curtos, os fatos assumiram o carácter de uniformes e os ombros largos dominaram mais do que nunca. Chapéus e sapatos eram muitas vezes feitos à mão e meias e meias de lã substituíram a seda. Nos Estados Unidos, Claire McCardell criou um furor com seus vestidos “pop-over”, leotards, e “ternos de fraldas do lado do mar”
Um epoch novo na forma foi marcado em 12 de fevereiro de 1947, com a abertura da casa de Christian Dior. Ele chamou sua primeira coleção de alta costura “Ligne Corolle” (linha calyx), mas a imprensa da moda a chamou de “novo visual”, porque quase tudo nela era novo. A jaqueta simples, as lapelas pequenas, a cintura estreita de vespa, que enfatizava os quadris, e, sobretudo, os ombros estreitos. Pela primeira vez em mais de uma década, não existiam ombreiras. Igualmente novas eram as saias extremamente largas, os chapéus de aba larga (rodas de vagão), as bombas de salto alto e as luvas longas, que emprestaram a este dia um estilo impressionantemente elegante.
No início, devido à falta de materiais necessários, o novo estilo só podia ser produzido lentamente, mas logo inúmeras costureiras privadas estavam ocupadas realizando o sonho do “New Look”. Na primavera de 1948, seguiu-se o “Ligne Envolvente” da Dior (linha de lápis), introduzindo saias estreitas com a famosa fenda da Dior, subcapadas com material para facilitar a caminhada. As meias de nylon eram muito procuradas, deixando no passado o rayon brilhante e as meias de lã para sempre.
Depois da guerra, uma nova invenção da moda criou uma impressão duradoura. Em 5 de Julho, em Paris, o engenheiro mecânico francês Louis Réard apresentou o seu fato de banho de duas peças a que chamou o biquíni. Embora já houvesse fatos de banho de duas peças desde 1928, o biquíni de Réard destacava-se pelo seu corte extremamente desnatado. O biquíni, no entanto, só foi geralmente aceite no final dos anos 60.
A roupa masculina desempenhava um papel bastante limitado; os uniformes dominavam. Os casacos de trincheira e os casacos de ziguezague (montys) eram casacos de todo o tipo. O fato zoot da cena do jazz americano, com o seu longo casaco e calças largas, era considerado moderno.
Anos 50
Nos anos 50, Paris recuperou a sua posição como a capital da moda. Christian Dior ditou as linhas – cada estação ele estava pronto com outra: a Linha H de 1954, por exemplo, que rejeitou a cintura estreita pela primeira vez, e a famosa Linha A de 1955. Dificilmente menos influentes, porém, foram os designers Pierre Balmain, Jacques Fath, Hubert de Givenchy, Cristobel Balenciaga, e na Itália, Emilio Schuberth e Emilio Pucci. Em 1954, Chanel reabriu o seu salão e anunciou um fato imediatamente famoso com um casaco solto e uma saia ligeiramente em évasé, em contraste directo com o estilo mais rígido e personalizado de Dior. Em 1957, com a morte de Christian Dior, Yves Saint Laurent seguiu as pegadas dele. Seu trapézio, ou linha de tenda, na qual ele ousou negar a figura feminina, foi um sucesso sensacional, ainda que controverso, de estreia.
Naturalmente, as mulheres tinham outras preocupações além dos ditames da moda de Dior, mas muitas costureiras privadas tomaram dicas de uma ou outra linha de alta costura. As revistas de moda também adaptaram a moda de elite para o consumidor médio.
O quadro da moda em casa e no exterior foi definido por dois pontos básicos: a linha estreita com a sua forte consciência corporal e a atenção atraída para a linha da anca por uma cintura recolhida, e a ampla faixa oscilante e jovem anágua. Ambos tentaram criar uma cintura de vespa sonhadora, magicamente estreita por um espartilho – o guepière – ou cinturão. Além de ternos e jaquetas, o vestido de camisa, com seu corte casual, esportivo, gola de camisa e mangas algemadas, era uma peça de vestuário adequada para todas as ocasiões.
Nos vestidos de coquetel, as mulheres preferiram desenhos extremos como a cúpula de Dior ou o look de balão de Givenchy, cuja saia larga foi desenhada com nitidez na bainha. Novos materiais sintéticos como o nylon, perlon, dralon, trevira, terylene, elástico e imitação de couro realizaram o sonho da moda para todos. “Drip dry” e “wash and wear” eram as palavras mágicas da publicidade, relegando o ferro ao passado. Para os tempos de lazer dos adolescentes, havia jeans, calças capri, e sapatos de bailarina. A camisa de dormir curta e infantil com flores, chamada boneca, era nova. Os adolescentes agressivamente intelectuais eram atraídos pelo existencialismo francês e usavam gola alta preta, roupas justas de couro preto e meias pretas em vez de nylons transparentes.
Acessórios cuidadosamente coordenados faziam parte do estilo de vestir todos os dias. Sapatos com pontas arredondadas e saltos quadrados evoluíram em 1955-1956 para a sua famosa forma pontiaguda e saltos agulha.
A moda alemã dos desportos de Inverno tornou-se um modelo internacional. As calças de esqui de Maria Bogner, “the Bogner’s”, tornaram-se uma palavra familiar nos Estados Unidos, assim como o primeiro esqui elástico de uma só peça, inventado por Bogner em 1955.
Depois de 1953, a Itália, com seus ternos conscientes do corpo, começou a competir com a alfaiataria tradicional inglesa. No geral, a moda masculina era conservadora: as camisas de nylon eram brancas e as gravatas estreitas. A camisa havaiana era uma peça de vestuário de lazer popular. Os Teddy Boys ingleses, um grupo adolescente de franjas, usavam casacos parecidos com casacos de bata e calças extremamente estreitas; o seu cabelo era penteado de volta sobre a testa numa onda com loção. Os duros, por outro lado, eram conhecidos por seus trajes de couro preto.
Os anos 60
Os anos de 1959 a 1963 foram um período de transição do estilo decididamente feminino dos anos 50 para o estilo adolescente dos anos seguintes. Os adolescentes preferiam saiotes de asa larga, enquanto a mulher madura escolhia vestidos de bainha estreita e, como vestido de tarde ou de coquetel, um visual extravagantemente estratificado, com uma saia justa e justa sob uma saia de tulipa mais curta. A verdadeira moda dos anos 60 começou em 1964. “Swinginging London” tornou-se a metrópole da moda dos jovens. Mary Quant e os seus vestidos de coxa de tamanho pequeno e feminino fizeram manchetes. Seu mini-estilo não era para ser elitista, mas popular; assim ela comercializava suas próprias meias de moda, sem as quais o mini-estilo dificilmente era vestível. O estilo de cabelo em ângulo acentuado Vidal Sassoon também era novo. A contrapartida do look Mary Quant foi o look exótico de Barbara Hulanicki Biba de Londres. Twiggy tornou-se o manequim mais famoso e o “pé de feijão mais caro do mundo”. A magreza tornou-se, a partir deste ponto, um requisito de beleza. Em 1964, Rudi Gernreich introduziu o seu fato de banho em topless, que correspondia à tendência para a libertação sexual. Ele também inventou o sutiã “no bra”.
Os estilistas parisienses participaram de uma juventude pouco convencional e pronta para vestir (prêt-à-porter) apenas com relutância. Yves Saint Laurent apresentou roupas com grandes imagens pop-art aplicadas em rosa chocante, uma coleção Mondrian com linhas e superfícies contrastantes e, em 1966, o visual transparente. Paco Rabanne criou um tumulto com mini-vestidos de bainha de discos de plástico e metal e as criações de Pierre Cardin apresentavam furos redondos, “recortes”, assim como estruturas moldadas. As modas de André Courrège foram a última palavra em euforia da era espacial. Suas empregadas da lua com calças elásticas de lantejoulas prateadas, botas sintéticas brancas e óculos de sol brancos com fendas para ver, representavam puro futurismo. O seu fato Courrèges, com o seu casaco com corte geométrico e gola recortada em ângulo, era toda a raiva. Para todos os adversários da mini-saia, as calças eram populares em todas as formas e comprimentos imagináveis, mas o jeans acima de tudo. Os fatos de calças tomaram o lugar do fato tradicional. Muitas vezes um mini vestido super curto era usado como uma túnica sobre as calças. A largura da perna das calças abaixo do joelho crescia progressivamente. Quanto mais largo o “sino”, mais elegante era.
Por um momento, em 1965, parecia que a geração mais jovem tinha dito adeus à mini saia, como a moda imitava o filme “Dr. Zhivago”, com casacos compridos e bonés russos. O ar hippie e beatnik, protestando contra o consumismo, se opunha ideologicamente e estilisticamente à moda mainstream, e misturou e combinou trajes camponeses internacionais, como ponchos, chapéus peruanos, botas esquimós, blusas indianas e jaquetas afegãs de pele de carneiro. Os jovens costuravam flores em jeans, usavam chapéus com floppy, ou mostravam seus corpos nus, pintados apenas com flores. A criatividade foi dada livre, sob o lema “feito à mão é chique”: Camisetas eram batiked ou pintadas, jeans bordados, bonés costurados, cintos com franjas de couro trançados, jóias de prata torcidas, coletes de crochê, pulôveres de malha, mas o estilo hippie foi rapidamente cooptado pelo mercado.
Os ternos de pescoço alto de Pierre Cardin sem lapela ou gola ou com pequenos colarinhos de tangerina (ou “Nehru”) criaram um furor e foram adotados pelos Beatles. Mais radicais foram os mods ingleses, para quem parkas e sapatos Clark eram típicos. O cabelo “mop top” dos Beatles tornou-se um conflito geracional. Depois de 1965, os homens favoreceram o visual colorido da etnia hippie. A camisola de pescoço de tartaruga e mais tarde a T-shirt substituiu a camisa.
Os anos 70
“Faça como quiser”, foi o lema da moda do início dos anos 70. O ideal dos hippies, “somos todos iguais”, deu o tom aos looks unisexo e folclórico. Feito à mão, desde camisas batik, xales tricotados e bonés de croché, até camisolas de lã de ovelha fiadas à mão. A subestimação era fixe e os gajos de segunda mão já não eram apenas para os necessitados. O próprio sutiã foi vítima da libertação geral de todas as restrições. As feministas falavam do “seio libertado”. Faltavam instruções da alta costura; até os estilistas parisienses se encontravam em crise. A moda tinha que ser multifacetada, descomplicada, original e individual, e o comprimento da bainha variava entre mini, midi e maxi, de acordo com o capricho e o humor. O romantismo moderno – mini-vestidos nostálgicos (ainda na moda até 1973), tops envolventes, mangas de asa e flounce e saias em forma de sino. Os cabelos eram longos e suavemente ondulados ou enrolados em caracóis de saca-rolhas. Pestanas falsas ou linhas pintadas magicamente com olhos de estrela.
Quase nenhuma outra moda criada tão grande como as calças quentes em 1971-1972. Não só eram usadas como calções de Verão super curtos, mas também destinadas ao Inverno com meias de lã espessas. As calças quentes eram compensadas pelos amados casacos maxi e sapatos de plataforma alta. Calças de todos os tipos proporcionavam um alívio para as disputas de comprimento. Havia calças apertadas de caddy, gaúchos largos, calcinhas, culotes, calças de harém, calças de cano de esgoto com comprimento de tornozelo, calças largas de Marlene Dietrich, e até 1974 calças de sino largas. O jeans tornou-se o vestuário universal, ultrapassando todos os limites de classe e idade. Casacos, pulôveres, coletes e camisetas se agarravam firmemente ao corpo. Camisolas pulôveres apresentavam motivos engenhosos como árvores, casas ou carros. As roupas de festa Maxi length (roupas de noite estavam fora) tinham padrões ousados como gráficos Vasarely, pop-art, ou imagens Hundertwasser.
Depois de 1974, uma série de olhares seguiram sem constituir um único estilo unificado. Em 1975, havia caftans e o visual chinês com jaquetas curtas acolchoadas. Em 1976 dominou o visual do Oriente Médio, com túnicas sobre calças de harém, e, mais tarde, o visual em camadas. Um mestre da mistura folclórica foi o designer japonês Kenzo (Takada), cuja boutique parisiense “Jungle Jap”, teve uma influência decisiva. A moda principal, por outro lado, era bastante conservadora, apresentando a saia plissada (ou chifrada), que chegava logo abaixo do joelho.
Em 1976 a imprensa de moda relatou euforicamente a coleção “Ballets Russes-Opéra” de Yves Saint Laurent. Era um look camponês elegante com saias longas e largas de seda cintilante e casacos bolero em combinações de cores inesperadas como vermelho, lilás, laranja e rosa, delicadas blusas com mangas largas e turbantes dourados.
A partir de 1977, a roupa punk exerceu uma forte influência na moda para os anos seguintes. A geração anti-burguesa, “sem futuro” chocou com seu visual brutal: alfinetes de segurança através das bochechas e lóbulos das orelhas, coleiras de cão e lâminas de barbear como colares, olhos diabolicamente inventados, lábios pretos, jeans e camisetas rasgados, meias de rede rasgadas e botas duras do Doc Marten. O seu pêlo, em contraste com o cinzento e o preto, diferenciou-se dos “normais” pelo seu verde e vermelho e pelo seu estilo spiked (mohawk). Os interiores encontraram-se na loja de Vivienne Westwood e Malcolm McLaren em King’s Road, chamada “Sex” em 1974 e depois, mais tarde, “Seditionaries” em 1978.
Em 1978, os estilistas parisienses de prêt-à-porter, sobretudo Claude Montana, trouxeram o olhar militar e punk para a passarela. Amplos ombros “poderosos” e peças de vestuário de grandes dimensões iniciaram uma nova silhueta de moda que se tornaria o estilo característico dos anos 80.
O livro americano de 1975, Dress for Success de John T. Molloy, deu ao exilado da cultura hippie dicas sobre como se comercializar com as roupas certas, sobre o poder da camisa branca, sobre como interpretar os códigos dos padrões de gravatas, e como fazer em “grandes negócios”. Dois anos mais tarde, em 1977, seguiu-se a sequela de Molloy, The Woman’s Dress for Success Book.
The 1980s
A silhueta da moda dos anos 80 foi definida por mangas de gigot (perna de carneiro) volumosas e largas ombreiras acolchoadas que coincidiram com a luta pela igualdade de direitos das mulheres. Mesmo a roupa de noite, que enfatizava os decotes baixos e as cinturas estreitas, tinha de ter ombros acolchoados. As bainhas já não eram um problema. Os adolescentes usavam mini-vestidos soltos, mas em geral as saias estendidas desde abaixo do joelho até o comprimento da barriga da perna. As mulheres usavam jaquetas masculinas, jaquetas curtas ou de ombros largos, jaquetas de caixa com calças. Ao mesmo tempo, a moda tornou-se um sinal de prestígio e um símbolo de status, melhor representado por etiquetas de marca, e uma preferência por acessórios de couro, pele e cor de ouro.
Os estilistas de vanguarda japoneses, que atraíram muita atenção na Europa durante os anos 80, contrastavam fortemente com esta tendência. Na tradição do vestuário japonês, Yohji Yamamoto drapeava meadas de tecido soltas à volta do corpo. Em 1981, a empresa de moda Rei Kawakubo, “Comme des Garçons”, pôs em causa toda a estética da moda ocidental. Ela rasgou as saias em tiras, rasgou o material, deu-lhe um nó e colocou-o de forma cruzada. Preto e cinzento dominavam. Issey Miyake era conhecido por seu uso altamente experimental de materiais e métodos, demonstrado por seus corpetes de rotim inspirados na armadura de prática samurai em 1982, e sua primeira coleção “Pleats Please” de 1989.
Em 1983, Karl Lagerfeld tornou-se o designer da casa de alta costura de Chanel. Ele reelaborou o lendário fato Chanel para ser novo e descomplicado, e acrescentou saias e fatos de couro e calças. Os estilistas parisienses ofereceram uma nova consciência corporal como uma alternativa para a loucura do excesso de tamanho. Thierry Mugler brilhou com espartilhos e roupas de sirene, Jean-Paul Gaultier com peitos de veludo e granada, e Azzedine Alaïa com roupas de rendas.
O estilo estilista americano tornou-se sinônimo de roupas esportivas e chiques limpos. Ralph Lauren deu à tradição um lifting facial moderno com o seu conceito de “estilo campestre”. Donna Karan foi valorizada pela sua funcional “moda do dia-a-dia” com fatos de corpo em jersey em vez de blusas. Calvin Klein foi considerado o inventor do jeans de estilista.
A cena musical proporcionou mais e mais modelos de estilo. O ícone pop Madonna foi fascinante como uma Marilyn Monroe contemporânea. O seu aparecimento num espartilho foi o ímpeto da loucura da roupa interior como roupa interior, com bustiers e espartilhos.
A loucura do fitness exerceu a maior influência na moda quotidiana no final dos anos 80. Os aquecedores de pernas dos bailarinos, as leggings dos fãs de aeróbica e as calças dos ciclistas apareceram no dia-a-dia. As pernas disponíveis nos padrões mais selvagens, as cores mais garridas e os tecidos elásticos mais brilhantes eram usados com blazers ou camisolas longas com pulôver.
No final da década, o blazer longo com saia reta, joelheira e meias pretas opacas se tornou o clássico da moda feminina. A moda da noite, e o renascimento do vestido de coquetel, foi, em contraste, enfaticamente feminina. Christian Lacroix, cujo primeiro show de alta costura em 1987 trouxe um frenesi de cor, tornou-se o mestre dos vestidos de coquetel com saias curtas de tutus e balões.
Em resposta às enormes campanhas de direitos dos animais, o uso de peles se tornou uma “questão de consciência”, tornando as peles falsas coloridas e os casacos acolchoados na moda.
A nova moda masculina da Yohji Yamamoto, com os seus casacos sem coleira e fluidos, ofereceu uma alternativa ao fato de trabalho convencional do yuppie. Giorgio Armani liderou a ascensão da moda masculina de Milão, e o fabricante alemão, Boss, alcançou reconhecimento internacional pela sua moda masculina.
Em 1982 Calvin Klein revolucionou a roupa interior masculina, fazendo da simples cueca masculina com nervuras uma peça de design ao imprimir o seu nome na cintura elástica. Em 1985, a androginia tornou-se uma afirmação de moda provocadora; Jean-Paul Gaultier criou saias para o homem consciente do corpo.
Os anos 90
A moda tornou-se uma questão de “qual estilista?” com estilos extremamente variados. No início dos anos 90, os estilistas belgas Anne Demeulemeester e Martin Margiela iniciaram uma nova direção de estilo com o advento do grunge e do look poor-boy, fazendo de Antuérpia, que abrigou os estilistas Dries Van Noten, Dirk Bikkembergs, e Walter Van Beirendock também, o novo centro de moda. A designer inglesa Vivianne Westwood finalmente recebeu reconhecimento internacional por suas ousadas reinterpretações de estilos históricos. Os recém-chegados de Londres John Galliano e Alexander McQueen estabeleceram-se como designers principais em, respectivamente, Christian Dior e Givenchy, em Paris. Jean-Paul Gaultier continuou a ter muito sucesso com a sua moda de roupa interior, particularmente com a Madonna no seu centro. A paleta da moda do estilista italiano Gianni Versace abrangeu desde os padrões neo-barrocos ao estilo bondage, enquanto a casa de Gucci, sob a direcção do texano Tom Ford, combinou purismo e erotismo. Miuccia Prada pegou, com seu estilo de “mau gosto”, e um relançamento bem sucedido de estilos passados. Giorgio Armani continuou a ser o mestre do purismo, enquanto Dolce & Gabbana celebrava o erotismo feminino com lingerie preta e estampas de animais. Jill Sanders, de Hamburgo, aperfeiçoou o seu minimalismo para aclamação internacional. O designer austríaco Helmut Lang se estabeleceu em Nova York; seu visual de camada transparente e suas linhas mini-malísticas deram um novo estímulo à moda. Ao lado dos estilistas, supermodelos, como Claudia Schiffer, Naomi Campbell, Linda Evangelista, e Cindy Crawford, foram centrais em todos os eventos de moda.
Na moda diária, leggings, em todas as cores e padrões, dominaram no início da década. Usadas sob saias com estilo, transparentes, com saias de comprimento de vitela e blazers longos em blocos multicoloridos, as leggings cobriam as pernas de forma discreta. O visual transparente apareceu de certa forma na moda mainstream, em camadas sobre body de renda, bustiers e sutiãs. No final da década, foram aceitas camisas enrugadas, bainhas enrugadas e costuras internas e externas. A bolsa baguette, divulgada pela Fendi, trouxe a bolsa, após duas décadas de mochilas, para o palco central da moda.
O marketing de marcas tornou-se cada vez mais importante: adultos favorecendo Louis Vuitton, Hermes ou Escada, e adolescentes de ambos os sexos favorecendo marcas de roupas esportivas como Diesel, Chiemsee, Burton, Nike, Adidas, ou Levis. O fabricante italiano de moda Benetton estimulou controvérsias acaloradas sobre sua publicidade.
A moda masculina também foi cada vez mais determinada por estilistas com estilos claramente diferenciados, desde os ternos soltos de Giorgio Armani até os ternos de pescoço relativamente altos e sensíveis ao corpo de Hemut Lang e calças estreitas com uma faixa de cetim nas costuras das pernas voltadas para o exterior. Calças largas e camisas extra-grandes permaneceram populares entre a geração mais jovem. Calças de carga foram introduzidas em 1999 como roupas esportivas.
Veja também Giorgio Armani; Art Nouveau e Art Deco; Pierre Cardin; Gabrielle (coco) Chanel; Corset; Christian Dior; Europa e América: História do Vestido (400-1900 C.).E.); Jean-Paul Gaultier; Haute Couture; Karl Lagerfeld; Helmut Lang; Jean Patou; Paul Poiret; Mary Quant; Yves Saint Laurent; Business Suit; Youthquake Fashions.
Bibliografia
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